我国不是音乐大国

杨维中

专访刘月宁：扬琴见洋琴，一对好“亲戚” “二胡、古琴到国际上去，开句玩笑是举目无亲，是结识新朋友；扬琴出国则是会亲戚、见老乡去！
扬琴出国是小事，民乐出国是大事。如何使我们的民乐融入到世界音乐的主流中，并占有一席之地？……”
——刘月宁
【是扬琴，还是洋琴？】
一见面，刘月宁教授先问了记者一个问题：“考考你——扬琴是民族乐器，还是洋乐器？”
记者撇撇嘴：这还用问？当然是民族乐器！
不怕班门弄斧，记者还扳起了手指头：
天津快板里边有吧？先有扬琴的“登格楞格棱”，才有后边的“竹板这一打，不把别的夸”；
山东琴书里头有吧？琴书琴书，离了扬琴，成评书了！
河南坠子里也有！和着坠胡，好听着呢。词儿里也有它啊——《王二姐思夫》里头：“鸣扬琴，弹玉筝，撕绫罗，打茶盅，小孩叫爹头一声”，听说这叫“五大好听”！
……
民族乐器，绝对民族乐器！
刘月宁乐了：你说得对，但也不对。
“说不对，是从根儿上说。它跟笛子、古琴可不一样，它是个外来户。起源于古波斯，传播于国际间，现在世界上可不止中国有扬琴，扬琴三大体系中，中国占了一个，欧洲和西亚南亚各占一个。所以说，它是个世界乐器。甚至在不太久远前，它还叫‘洋琴’呢！”
“说对，是因为它自打明朝时候传进来，在中国文化中浸泡了这么多年，早就中国化了。演奏器具使用了中国独有的竹槌，音乐风格也是中国味道，形成了独特的体系。曲艺中、地方戏曲中、甚至寺庙的梵唱中，都有了它的身影。
新中国成立后，我们与欧洲体系的发展态势的区别更明显。欧洲是自上而下、由宫廷音乐逐渐发展到民间；我们则自下而上，从民间逐渐走向专业化。从小学到研究生，各大艺术院校都有了扬琴专业，由伴奏到独奏，由配角到主角，这门艺术更是得到发展，成了民乐花园中的奇葩了。”
刘月宁最后总结——“扬琴最能体现那句话：既是民族的，又是世界的。”
【出国如同会亲戚】
别小瞧扬琴这个独特性：它在国际上有亲戚！
“二胡、古琴到国际上去，开句玩笑是举目无亲，是结识新朋友；扬琴出国则是会亲戚、见老乡去！”
会亲戚和交新朋友有什么不同呢？
“会亲戚的好处在于大家有个共性的基础，同时又同中有异，便于进行交流和对话，容易达到一种融合之境。”
其共性在于：不管你叫“沁拨隆”也好，叫扬琴也罢，都是一种坐而演奏的，弹拨、敲击类乐器，演奏方法上颇有相通之处；
同中有异的地方就更多了。
首先在体积上差别就很大：匈牙利的扬琴个头很大，乌克兰山区的扬琴，小到可以挂在脖子上。
不光区别在体积上，敲击的介质也不一样。欧洲用木槌，中国用竹子。工具不同，音色便大异其趣。此外，音位排列、音阶体系差别也很大。
更重要的区别在于，不同文化造成了不同的音乐风格。
中国扬琴悠扬、清丽，可以和几乎任何一种器乐达到和谐。与二胡能搭配，和钢琴和电子乐配，也不觉得别扭，比较中性，如同音乐中的黏合剂——这里体现着中国文化强大的包容性和重和谐的特质。
欧洲扬琴受吉普赛文化的影响很大，民间色彩浓郁，舞曲居多，狂放不羁，很有个性。西亚南亚扬琴则受宗教文化的影响较大，易引发人的冥想。
各擅专长使交流成为可能，也成为必要。
扬琴在国际上有许多音乐组织，交流活动也很多。“国际扬琴协会”是知名度较高的一个。协会每两年开一次年会，2005年，其第八届年会就在中国召开，开音乐会、交流乐谱、举办讲座……为一时之盛，今年则要移师德国。
这次在墨西哥举办的国际扬琴艺术节，中国人还是第一次参加，人家便安排了三场音乐会。刘教授还要登坛宣讲中国扬琴及古琴艺术。连闭幕演出，也将由中国人持槌。
“我们积极在做两件事。”刘月宁说，“一是让中国扬琴出国，让我们的民族音乐跻身到世界音乐宝库中去；同时，把其他体系的扬琴技法和风格带回中国，取长补短，融合到我们的风格中，这就丰富了我们自己。我认为，世界音乐发展的趋势将是在融合中显个性。”
为了更好地融合，刘月宁开始了“取经”生涯。2005年到2006年，刘月宁留学匈牙利，专门学习欧洲扬琴，留学期间翻译了十万字的文献《东欧扬琴音乐文集》。下一步的目标，是准备到印度去学西亚南亚体系。
和而不同，兼容并包——扬琴见洋琴，一对好亲戚。
【话题延伸——民乐如何走出去？】
谈完扬琴出国记，刘月宁意犹未尽。又抛出了一个“大哉问”——
“相对而言，扬琴出国还是小事，民乐出国则是大事。没有同根同源的铺垫，如何使它融入到世界音乐的主流中，并占有一席之地？如何做到像扬琴间的交流一样，既保留自己特色，又互相交融？”
问题太大，刘月宁自己也不敢说有答案。“只能说从带扬琴出国的经历中，总结出一点经验，不知能否提供点参考？”
首先，民乐出国应有精品意识。要走出玩噱头、炫技巧的浅层次。
“民乐不是怪物，不能只让人家看稀罕。刚走上国际时候，很多外国人是为看个稀罕来的：那个跟我们长笛不一样的小竹管，也能吹响？——停留在这个层次，永远没有出路。纯作秀、玩杂耍怎么能登上大雅之堂呢？要从让人惊奇，到让人真正得懂。这就要求我们搞音乐交流和推广的，应该把最有代表性、最纯正的中国音乐拿到国际上去，甚至可以少搞一些‘绝活’，多在灵魂和独特的音乐语言上下工夫，以精品打动、征服人家。”
其次，民乐出国要研究对方的文化。
为什么《茉莉花》在西方能够普遍接受？因为它曾经融合在西方的歌剧之中，可以说，传播时是研究了西方人的接受习惯的。“尊重受众的接受习惯，尊重人家的音乐文化，传播效果当然会事半功倍。我们要听人家的东西，了解他们的风格，然后再用我们的方式来理解、重新演绎他们的东西，这就会形成交流和碰撞，实践证明，效果非常好。并且，越是深入了解、越懂得他们的音乐语言，越便于交流。”
其三，民乐出国关键在创新。
曲目要创新。“《茉莉花》是挺好的，但如果翻来覆去就这么一首《茉莉花》，那民乐就谈不上真正地走出国门。民乐如果不能反映时代精神，只靠着老本吃饭，那民乐的生命力何在呢？”
工具要革新。“比如，我们的扬琴比起欧洲体系的琴，有明显的不足。欧洲制琴用钢琴的原理，重，稳定性很好，我们的制作上就有些随意，没有止音器，余音无法控制，一批琴里边鱼龙混杂，需要专家去一架一架地挑，这对我们的发展就不利。怎么办？大胆拿来，学习人家的长处，大胆革新。”
民乐并非不能时尚。刘月宁认为，“女子十二乐坊”在把民乐和时尚审美结合方面，做出了很好的尝试。1998年，她便尝试扬琴与电子乐队的合作，演绎《小白菜》、《牧歌》等经典，韵味别致，效果很好。
“这和继承不矛盾。一方面，我们继承传统要借鉴日本歌舞伎的做法，最传统的东西永远不要变，把最纯正的味道像古董一样保留；但同时，另起炉灶，在基因库不能动的前提下，拿传统的基因去继续繁衍、丰富。”
刘月宁小传中央音乐学院民乐系教授、硕士生导师。中国扬琴学会副会长、国际扬琴协会会员。12岁时即以一曲扬琴独奏《映山红》而名闻海内外。创编百余首扬琴独奏和重奏作品，研制的“分音色琴竹”填补了中国扬琴制作的一项空白。多次带队参加国际扬琴交流活动，是国际扬琴比赛中的首位中国评委。（李智勇）



[ 本帖最后由 ywz 于 2008-6-17 14:35 编辑 ]

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中国广播民族乐团是由1953年创立的原中国广播民族乐团和1949年创立的原中国电影乐团民族乐团重组整合而成的大型民族交响乐团。是中国广播艺术团所属电影交响乐团、广播说唱团、广播合唱团、广播电声乐团及广播民族乐团五个分团之一。重组后的中国广播民族乐团拥有近百人的庞大演奏阵容，声部整齐，乐器精良。演奏员技艺超群，年轻且充满活力。每一位演奏家均毕业于国家重点音乐院校，再经过乐团严格的拉幕考试合格后获得工作资格和演奏席位。多年来中国广播民族乐团一直是蜚声海内外具有一流水准的演奏团体。
    重组整合前的中国广播民族乐团和中国电影乐团民族乐团均是历史悠久、成就卓著、影响深远的国家级院团。原中国广播民族乐团在我国著名的指挥家、作曲家彭修文先生的积极倡导和不懈努力下,率先确立和奠定了以弓弦、弹拨、吹管和打击乐为基础的中国民族管弦乐队基本构架，为此彭修文先生几乎倾注了他的毕生心血。为使民族交响乐队不断的发展和完善，使之更加科学，彭修文先生等一批作曲家还创作了近千首民族管弦乐作品，为中国民族音乐的交响化作出了重大贡献。当今中国广播民族乐团的乐队基本架构方式已经被海内外许多团体都广泛参照或采用。原中国电影乐团民族乐团的前身为新影乐团民族乐团，后改为北京电影乐团民族乐团。以刘明源、胡海泉为代表的老一辈著名演奏家所特有的演奏风格是广大听众所熟悉和津津乐道的。一些如《喜洋洋》、《紫竹调》、《翻身的日子》等著名作品也是从这里飞向世界。
50多年来,这两个举足轻重的民族乐团演奏和录制了几千部集的电影、电视、广播、磁带、CD等等，为我国的广播电影电视事业作出了应有的贡献。许多创作和演奏的作品已经成为本团和其他团体常演不衰的经典保留曲目。
    在原两团五十多年的艺术成就中，造就和涌现了彭修文、刘明源、胡海泉、张韶、俞良模、王国潼、刘森、王范地、简广义等著名演奏家。当前又有一批优秀的指挥家彭家鹏、张列，演奏家姜克美、周东朝等日渐成熟，已逐渐为听众所熟知。
    重组后的中国广播民族乐团严抓队伍管理和队伍建设，坚持每年一次的严格拉幕业务考核制度，将最优秀的演奏员选拔到最优秀的岗位上来。借目前乐团整体已具备了良好演奏状态之机，我们推出了中国广播民族乐团民乐音乐季，这在中国内地是前所未有的。从2005年4月8日音乐季首场演出开始，每月演出一期，乐团将陆续邀请国内外最优秀的演奏家、指挥家和作曲家加盟精诚合作，把中华民族传统音乐文化精髓用交响化等形式向大家展示，同时与时俱进、相互交流、取长补短。为把中国广播民族乐团打造成为世界一流的优秀乐团而不懈努力！

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民族器乐教学要逐步实现三个转变

随着中国民族器乐演奏亮相音乐之都的维也纳金色大厅，它一次又一次骄傲地向世人展示出神秘的情韵和无穷的魅力。也由此证明，中国民族器乐演奏步入了新的辉煌，在世界音乐发展史上，占居着令人瞩目的地位。但欣喜之余，当我们冷静地思索，便不难发现，传统模式教学在继承和发扬民族器乐教学中还存在不足。与世界文化艺术教学接轨表现出不适应。因此，转变教学观念和手段应摆到重要的议事日程，笔者认为，首先应从手段上实现三个转变。                                                      一、技能型向知识型转变     音乐产生的第一要义是给人以美感，带给人以愉悦，通过美妙的音乐给人创造广阔的遐想空间，使受众在这一空间里感受到振奋，得到享受。但中国民族音乐置根于深厚的历史文化土壤，离开了它，既没有了生命和个性，也很难把握其蕴含的神韵。可以断言，只有专业技术而缺乏文化修养是无法成为合格的演奏者和民族音乐传承者的。常听青年学子演奏，其气势“飞流直泻三千尺”。演奏技能十分娴熟，但问及作品的历史文化背景，地域风情、音乐渊源，却知之甚少。这不能不令人叹惜。音乐表达的完美性是演奏者综合素质的集中运用和体现，一个没有较高素质的演奏者，要演绎一部好作品，其差距是不必言说的。没有思想和再创作的演奏，音乐只是将普通音符串起来的声响，其感人成份也可想而知。综上所言，民族器乐教学一定要从重技能轻文化知识的巢臼中超脱出来，同时摈弃重现代轻传统、重技法轻情感、重练习轻韵味等思想。在日常教学中，使每一堂课都融合文化知识，并加入对作品作者的历史文化、时代背景、地理环境、风格特征以及哲学、心理学、音乐美学等方面的内容进行讲习，寓文化内涵，美学知识、音乐理论于技能教学中，使学生在接受专业训练时，得到相应的文化调养，在一种浓郁的文化氛围中，接受演奏技术。只有在学生身上注入延续了长久的历史文化血脉，才能使每一阶段教学内容的含金量和实际运用价值得到提高，用音乐的情怀，放回学生们内心对艺术的追求，通过文化情境的渗透，配合娴熟的演奏技能，诠释丰富的音乐内容，承载中华民族音乐独特的生命体验。                                                          二、操作型向引导型转变     任何乐器在原始状态上，只是一件发声的工具。只有当它融入了人的思想感情，并借助于肢体语言及炉火纯青的演奏技法，才能为受众提供一幅幅美妙的音乐画面，一缕缕扣人心弦的音律，一曲曲动人心魄的歌赞。而一招一式，按部就班机械式的操作，本身再美的音乐，也只能转化为枯噪乏味的音符。这样，不但不能激发学生的学习兴趣，也会扼杀其主观能动性。教师施教是为了发掘学生的学习潜质，引导学生在学习中触类旁通，举一反三、善于联想、大胆创造。要明白，一个优秀的民族器乐教师，最终的目的不是向学生传授对乐器的操作方法和过程，而是引导学生主动用自己的头脑，去探索音乐的奥秘。 古人云：“授人以鱼只解一餐之饥，教人以渔才能终身有富。”因此，在教学生学习民乐演奏时，要杜绝机械式的操作训练，要引导他们主动思考，坚守追求、严谨善学、品味音乐人生，培养他们独具个性的审美创造意识。“动人心者，莫先乎情。”所有好的音乐都是难以抑制的感情的自然喷涌，没有思想和情感的音乐是没有感染力和生命的。只有把强烈的感情融入到对作品的理解和演奏中，才能营造感人的氛围，塑造鲜活的形象。而只有当理解了的，幻化的音乐形象之光，从凝聚高度思想内容的脑际，蓦地折射出晶莹透明的光彩，那价值才会显得没有任何有形价值可比拟。                                                            三、模仿型向主动创造型转变     综观世界，大凡有成就有影响的演奏家和作曲家，其学生时代都无例外的经历过模仿阶段。但当他们领悟到了师长的精髓后，很快会转向自我意识的注入，随之逐渐形成自己的风格。这就是他们所以成为大家的关键。随着教育现代化的推进，一切科技手段都会运用到教学中，如音像电教设施等，这在给学生提供学习之便的同时，也为他们滋生懒惰和依赖思想提供了温床。不加思索地“照葫芦画瓢”，把学习困锁在模仿再模仿的高墙内，使本应萌生的主动创造之苗，萎缩枯黄在尚未解冻的土壤中，不能不让人痛惜。     有幸参加一些赛事，聆听选手演奏，都有“似曾相识燕归来”之感，不是似是而非，就是技法，处理雷同。不可否认，先进的演奏手法是值得借鉴的，但如果不加思索的全盘模仿，就没有了自我，只是某个大家失去了光泽和活力的重复和克隆。“创造是音乐的灵魂。”满足于浅层次的追求与模仿，是无出息的，这种演奏带给人们的不是充满生机的音乐，而不过是一堆凝固乏味的音符。如果中国民族器乐演奏停留在复印和克隆的层面上，继承和发扬就会成为空谈，其结果不是遗憾便是悲哀。     在共性中求个性，是中华民族音乐闪亮全球，频频走入维也纳金色大厅的重要原因。因而，教师应引导学生从模仿的隧道中走出来，充分发挥主观能动性，在学习师长时，发现自我、认识自我，“毁我、立我，不重复别人。”“出于蓝而胜于蓝”不断从浩瀚的民族音乐海洋中吸取营养，不断提高对乐曲演奏的诠释能力和理解能力，并意识到，演奏者不是消极的承受者，更不是音乐的机械传递者，而是对其不断添补，充实完善音乐作品的参与者，使演奏成为心灵深处的呼唤和歌唱，使作品闪烁出丰富的色彩，特殊的魅力和悦人的美感。成为真正意义上舒泰心身的憩园。     另外，教师要自觉提高自我综合素质，教师自身文化修养积累的厚度与分量，直接影响其教学效果，这就要求教师从音乐理论、文学修养、美学知识、审美情趣等方面加强综合素质的提高，增强简洁明了的语言能力，用浅显的语言表达深刻的道理，坚持给人一勺水，自己拥有一桶水的思想。这样，在为学生讲习作品时，才能信手捏来。比喻形象、说理透彻、举例有据、循循善导。真正成为民族音乐的传承者。

作者：刘振球

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民乐创新需要有根

近年来，民乐创新一直是民乐界一个热议的话题，涉及创作、演奏各个方面。本报记者就这些问题在第六届中国音乐金钟奖比赛期间采访了民乐大家何占豪、朱昌耀，他们不约而同地强调——     何占豪（作曲家）：所有的艺术都要创新，都可以创造以前没有过的形式，挖掘以前没有发现的潜力。对于现代技法的运用我们要重视。比如一些作曲家创作的现代作品，根据我的观察这些作品都有一些相同点：用节奏、音色、力度的变化来塑造形象，这确实是一个进步。此次古筝比赛半决赛曲目之一《林泉》，在描写滴水音响，泉水流入江河，不一定用旋律来表现，而可能通过力度的变化、节奏的改变，达到加浓色彩的目的。 　　同时，我们也不能在作曲中轻视旋律的重要性。旋律在表达深刻的内在感情方面有巨大的表现力。世界各个民族的音乐都是这样。旋律塑造灵魂。所以正如吴祖强所说民族音乐的创新需要有根有源，就是要求我们从祖祖辈辈留下的音乐遗产中汲取营养。我们民族戏曲、曲艺、古曲都是创新取之不竭的宝藏。如果我们的创作既具时代性，又有传统的根基就再好不过了。     当然，一切的创新最后都要面临实践的检验。“金奖、银奖，不如老百姓的夸奖”！     朱昌耀（二胡演奏家）：民乐创新一般表现在这几个方面：创作创新，要注意吸收民族民间的素材和养分。作曲家刘文金的作品中都能找到民间元素的影子。而现在有些作曲家凭空创造一段音乐主题，写作技巧花哨，这样的曲子没有根，无法流传下去。演奏创新就是要吸收各地风格，陕西的豪放，江南的温婉、广东的细腻，每个地域的演奏手法、风格，是不能套用的；教学创新要注重本土特点，传承本土文化。不能把所有学生变成一个模式；还有理论研究、乐器制作上的创新。 　　现在不少作曲家用西方音乐语汇与思维来创作民族器乐作品，两者是可以结合的，但要结合得好，还需要进一步探索。结合得不好，就会给人表面一层皮的感觉。尤其是中国民族器乐，它有自己独特的不可替代性，如果是二胡作品，其他任何乐器都没有二胡演奏得好听。通过不断创作来探索，最后能够流传的一定是符合观众审美的。     民乐演出借助声光电的形式也是好的，时代变了，老百姓的眼光变了，但是最重要的是以什么为主来吸引观众，本体不因为声光电而弱化，这就是好的。

作者：

杨维中

胡柄旭：用心让音乐多说中国话

“业余演奏家并不代表她演奏的水准不专业。董怡就是这样，她的演奏在有些地方甚至比专业演奏家还要好。应该说，音乐不分专业与非专业，而是看用心与不用心。”胡炳旭这样评价11月8日刚刚合作过的非职业演奏家董怡。 　　用心，胡炳旭也是这样对待他所指挥的乐团的，他在用心让自己指挥的中国乐团尽量“多说中国话”。“中国乐团演奏国外作品无可厚非，但应该保持一定比例的中国作品。        其实国外的乐团也一样，他们也会偏重自己国家的传统曲目。”11月19日，胡炳旭将把自己的这种信念第7次带入台湾。他将指挥当地乐团演奏关乃忠的《蝴蝶梦》以及当地作曲家的一些民间作品。11月25日，胡炳旭将指挥香港城市中乐团演出《龙魂－壮哉中华》音乐会。        音乐会上，将演奏钢琴协奏曲《黄河》和二胡协奏《长城随想》，与观众分享中国音乐文化的思想感情及风格特色；期间也会展示多首合奏名曲，包括描写香港特色的《维港夜曲》和《太平山下不夜城》、以台湾高山族为背景的《丰年祭》、喧闹夺目的《庆典序曲》、鼓动人心的《光明行》和古朴壮丽的《龙》。 　　2008年1月底至2月中旬，胡炳旭还将率广东歌舞剧院民族乐团在奥林匹克总部瑞士洛桑、德国、维也纳等欧洲9国演出。

杨维中

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民乐仍需普及

张式功     在长春举办的第97期“桃李芬芳”音乐会是在广场进行的，为了符合广场演出特点，组织者想出一个点子，决定在节目进行中穿插民族器乐知识有奖问答，利用这个机会进行民乐的宣传和普及，也形成了一种台上台下的互动，学会约请我来出题。考虑到观众的层面，所出的20道题目都很简单，如琵琶有几根弦、二胡是放在身体的什么位置演奏的……等等，在宣读题目时并不是简单的直接发问，而是在题目中包含了乐器常识，如“中阮是一件民族弹拨乐器，请问它的共鸣箱是什么形状的？”     现场答题十分踊跃，青少年和成人都争相回答，应该说大部分题目都回答正确，可也出现了意料之外的一些不该有的错误，比如，现场的第一道题就是“琵琶是我国民族弹拨乐的一件有代表性的乐器，请问它有几根弦？”有一位成年观众抢先回答说“6根！”（主持人机敏地说：“那是吉他！”）当问到“二胡是放在身体的什么位置演奏的？”时，有人回答说“在腰上。”（这显然是被当今的“流行民乐”所误导），当问到“中胡和二胡哪个稍大一些”时，有人说中胡，也有人二胡，主持人让大家以鼓掌的方式来回答，结果是赞成二胡比中胡大的掌声更多，还有人把大军鼓也说成是民族打击乐了，把笛子有几个按孔也说错了…… 当然这些错误都被其他人给纠正了。但是，出现这样的错误，不能不让人发出感慨和进行反思。     当前，学习民族乐器的孩子有几百万，虽然这是好事，但也存在“偏食”现象，即使将来不以音乐为职业，这几百万民乐琴童里有多少同时学习音乐基本理论和视唱练耳的呢？如果问一问那些学二胡的孩子“琵琶有几根弦”。恐怕不一定都能回答正确。回想20年前，我到长春某大学做民族音乐普及讲座时就遇到过大学生不知道琵琶有几根弦的情况，谁曾想20年后大众的民乐知识仍如此贫乏，集中到一点就是我们这些专业工作者的普及工作做的太不够了，不仅要做孩子的工作，同时也要做成年人的工作。老百姓应该掌握本民族的音乐知识，但却缺少来源，难道要让他们到“象牙塔”里去求教吗？即便如此，“象牙塔”里的蹲守着又能给他们一些什么呢？

杨维中

刘文金追求民族音乐神韵

加入时间：2007年5月25日 浏览次数：460

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年巳七旬的刘文金是个高产优质的作曲家。他历任中央民族乐团团长、艺术总监，中国     歌剧舞剧院院长、艺术指导，是中国音乐家协会创作委员会副主任、中国音乐著作权协会常务理事、中国民族管弦乐学会副会长、文化部高级艺术职称评审委员会委员，被文化部列为有杰出贡献的艺术家，享受政府特殊津贴。2001年，他被韩国中央大学聘为国乐大学教授，后与日本著名作曲家三木稔、韩国著名指挥家朴范薰共同创办了亚洲乐团，并出任该团艺术总监。                                             《泰山魂》再掀民族音乐热潮        2006年6月中旬，山东省政府在济南主办山东(国际)文化产业博览会，刘文金呕心沥血创作的《泰山魂》大型民族音乐会，成为文博会的重要内容。2006年6月14日一16日，由刘文金亲自指挥、山东歌舞剧院民族乐团激情演奏的该音乐会，在山东剧院连演三场，场场爆满，产生了轰动效应。应广大观众要求，7月21日一23日，《泰山魂》在济南再度登场，一票难求的场面又一次出现，一时成为民众津津乐道的话题。     2004年，刘文金登临泰山。泰山的雄浑壮丽、鬼斧神工，令他叹为观止。他挥笔写下感言：惊天地造化，叹仙律神韵；随千古参拜，寻梦幻人文。     没想到，当年随手写下的小诗，竟成了创作《泰山魂》序曲的灵感来源。当文博会组委会找到刘文金，请其创作节目时，刘文金顿时想起了曾深深打动他的、山东人民精神的象征——泰山。这不正是民族音乐表现的极好题材么?于是，《泰山魂》诞生了。它的序曲紧紧抓住“惊、叹、随、寻”四个字，作为整首曲子的起承转合，将泰山的磅礴气势和千万年历史沉淀的神韵，用民族器乐表现得淋漓尽致。     《泰山魂》吸收了吕剧、莱芜梆子、五音戏等山东民间音乐元素，除了表现泰山的雄奇，还展现了作曲家想象中史前大地涌动造就泰山时那种山崩地裂的震撼，展示了泰山雄伟壮观 的日出幻景，讴歌了山东人民勤劳、热情、智慧、勇敢的精神风貌。业内权威人士评论：这场音乐会是一流作曲家、一流指挥家、一流演奏家打造的一流音乐会。                                          《二泉映月》让中西乐器：对话”     刘文金说，现在到了让青年人认识中国传统文化的时候了。民族音乐是先进文化重要内容之一，中国要立足于世界先进民族之林，就要在继承传统文化的基础上，努力创新，吸收西乐长处，相融互补。正是基于这种理念，近50年来，     刘文金创作了120多首民族器乐作品。二胡与钢琴《豫北叙事曲》、《三门峡畅想曲》，二胡与日本筝《云海之梦》以及二胡与萨克斯《二泉映月》，均是他将中西乐器相融的成功之作。他改编的二胡与萨克斯“对话”《二泉映月》，新颖别致、构思巧妙、相映成趣，还有一段颇富戏剧性的故事。     1998年6月，美国前总统克林顿访华前一个月，中央有关领导同志告诉时任中国歌剧舞剧院院长的刘文金：克林顿总统年轻时曾担任过某乐队的首席萨克斯，江泽民主席会拉二胡，你能否把这两种乐器结合起来编为新的《二泉映月》作品?刘文金深深意识到这一特定艺术形式的巧妙之处，以及它必将产生的深刻政治含义。他答应了。        接受任务后，刘文金研究了《二泉映月》的各种版本，用了一周时间，编创了二胡与萨克斯“对话”《二泉映月》。这首新颖别致、融中西乐器为一体的曲子，被纳入了这场专为欢迎美国贵宾而举办的音乐会。音乐会在人民大会堂举行，二胡与，萨克斯合奏的《二泉映月》刚一结束，克林顿夫妇便兴奋地站起来鼓掌。音乐会结束后，江泽民主席同克林顿总统走上舞台，发表了热情洋溢的讲话，并同担任乐队指挥酌刘文金及全体音乐家合影留念。随后，美方特意通过我外交部，在克林顿返回美国之前得到了这场音乐会的实况录像。                                             《豫北叙事曲》倾注对家乡的爱         刘文金1．75米的身材，气质儒雅，精力充沛，双眼炯炯有神。与他接触的第一印象就是：和蔼可亲，激情洋溢，思维活跃。虽年已七旬，但在卸掉一切行政职务后，他全身心地投入到民族音乐创作中，反而进入了事业大丰收时期。面对采访，他如数家珍地回忆起走上创作之路的尘封往事，最得意的还是他22岁时的处女作《豫北叙事曲》。     刘文金祖籍河南省安阳县，豫北大地民风淳朴，具有浓厚的民间音乐文化氛围。回首童年，故乡情景历历在目。他感慨地说：“一方水土养一方人，家乡浓郁的文化气息深深影响了我。老家大寒屯，居然流行着‘乐腔’和‘高调’两个剧种，逢年过节时，跑旱船、舞狮子、放焰火、荡秋千以及民间艺人的说唱表演等十分热闹……”年幼的刘文金深受影响。他富有音乐天赋而又聪颖好学、兴趣广泛，小小年纪就能演奏笛子、二胡、月琴、口琴、风琴、手风琴等多种乐器。     1956年高中毕业后，刘文金以优异的成绩考入了中央音乐学院。身在千里之外的北京，他十分思念家乡、眷恋故土。每次给家中写信，他总要请母亲向邻里乡亲们问好，每次寒暑假都要回家探望先辈们，村民们也纷纷到他家好奇地问这问那。他被浓浓的乡情所感动，决心以饱满的激情，用刚学到的作曲基本理论和技能，讴歌新社会，赞美家乡发生的变化。于是，他大胆地将民族乐器二胡同西洋乐器钢琴相结合，精心创作了《豫北叙事曲》。     1959年，《豫北叙事曲》在北京首演，引起音乐界的特别关注。这首作品在题材上，将豫北人民的生活状态与新中国诞生这一重大历史事件相结合，运用独特的形式和极富个性的音乐语言，展示了在巨大的社会变革中人民群众生活与情感的真实变化。《豫北叙事曲》的音乐语汇始终贯穿着浓郁的地方风味，描述了新中国诞生前后豫北人民两种截然不同的生活感受，以豫北地方小戏“乐腔”  曲牌为基本素材，具有豫北民间吹打乐的性格，同时吸收了河南坠子和曲剧的音乐展开手法。音乐层层推进，表现出豫北人民豪爽、乐观的性格和人民群众迎来新生活后的喜悦之情。     这首独奏曲以新颖的艺术表演形式和成熟的音乐语言，宣告了一位年轻作曲家的崛起。1962年，该作品亮相广州“羊城音乐花会”，1963年在“上海之春”二胡比赛中被评为优秀作品，由此而风行海内外。1993年，《豫北叙事曲》又被评为“二十世纪华人音乐经典”，是1949年以来唯一被选人的二胡作品。                                                《长城随想》讴歌民族精神         刘文金历时4年精心创作的二胡协奏曲《长城随想》，在拓展二胡演奏艺术技巧、探索民族乐器表现力等方面，进行了深入尝试，被誉为中国当代二胡作品中的经典之作，成为海内外许多著名二胡演奏家和乐团的保留曲目。1984年，这首协奏曲在全国第三届优秀音乐作品评选中荣获一等奖。     创作《长城随想》有一段令人难忘的特殊情结。刘文金深情地回忆着……     1978年，刘文金随中国艺术团访问美国。在参观联合国大厦时，他看到，在偌大的客厅里，迎面的墙壁上悬挂着一幅绣织着万里长城的巨幅彩色壁毯，气势雄伟，光彩夺目。在大洋彼岸的异国他乡突然看到中华民族的伟大象征——长城，一种强烈的自豪感油然而生。他当时就萌生了一个想法：应当创作一部以长城为题材的民族音乐作品，抒发中国人民对古老长城的热爱之情，讴歌中华民族光辉的历史和不屈的精神。刘文金驻足沉思，浮想联翩。随行的著名二胡演奏家闵惠芬恳求并激励他：老刘，你来创作一部关于长城的二胡协奏曲吧，由我来首演。     回国后，刘文金多次到长城去亲身体验。越来越强烈的创作欲望驱动着他，最后，他决定谱写一部多乐章的大型二胡协奏曲，用擅长抒情的二胡为主奏乐器，用全编制的民族管弦乐队协奏，通过描写长城来赞美中华民族不屈不挠的精神，展现历史的变迁，描绘时代的画卷，进而抒发对祖国未来和民族振兴的自信与自豪。     为了创作《长城随想》，刘文金倾注了大量心血。虽然身兼要职、事务繁忙，但他还是尽量抽出节假日等空闲时间登临长城，寻找灵感。感情丰富的他沉浸在创作激情里，每次漫步长城都激动不已，头脑中浮出无尽的遐想—— 远远望着长城在云雾中时隐时现，他似乎看到了数千年的民族历史在这里更迭变幻；漫步古老的烽火台，他仿佛看到烽火连天，硝烟四起，刀光剑影，残阳如血，对那些为保卫中华民族利益而在此捐躯的将士们的敬仰之情油然而生……     1982年“上海之春”音乐会上，刘文金创作的大型二胡协奏曲《长城随想》隆重首演。演出由闵惠芬担任二胡独奏，上海民族乐团协奏，瞿春泉指挥，获得了巨大成功。     《长城随想》由《关山行》、《烽火操》、《忠魂祭》、《遥望篇》四个乐章组成，每个乐章各有特色却又是难以分割的整体，虽然长达30分钟，但结构却一气呵成，天衣无缝。音乐风格追求“神似”而非“形似”，这种高境界的创作理念，体现了作曲家深厚的文化素养和全面的艺术功力。     序曲响起，空旷的钟声和朦胧低沉的背景，犹如万里长城在云雾中若隐若现。随之，乐队奏出了响亮的“长城”主题，宽广雄伟，舒展豪放，贯穿全曲。《关山行》中，二胡深沉而庄重的旋律，犹如诗人漫步关山、心潮起伏而发出的无限感慨。二胡独奏部分带有浓厚的沉思和吟咏气氛，富有诗情画意，是对悠远历史的回顾与赞叹，也是对长城内外气象万千的赞美。《烽火操》用激烈而强劲的音乐，生动演绎了古往今来无数将士在烽火台下为保家卫国而浴血奋战的壮烈场面。《忠魂祭》庄严、肃穆而内敛，营造出一派深切祈祷、慰念和颂 扬的悲怆氛围，仿佛是对千百年来为保卫疆土而牺牲的无名将士们的默默祭祀。《遥望篇》在行进的节奏背景上，变化再现了第一乐章的主题音调，并在作品展开过程巾运用了多种节奏动力演变手段，终曲的音乐形象呈现出生气蓬勃、坚忍不拔和对未来充满信心的壮丽场景。     《长城随想》表现了中华民族永恒不灭的精神与灵魂，同时，将中国传统乐器的表现性能和潜力的开发提高到一个新的艺术境界。全曲始终伴随着一种深刻的人文理念和内在的艺术动力，每一个主题，每一个“动机”，每一句旋律，乃至每一个乐句或乐段，都体现了他呕心沥血的创造精神。刘文金几十年来对民族器乐创作的坚持不懈、忘我追求，使《长城随想》产生了浓郁的民族风韵和宏伟的中国气派，在当代民族器乐创作领域独树一帜，同时也带动了一大批二胡新作的相继问世，为繁荣和发展中国二胡艺术作出•了贡献。     值得一提的还有《三门峡畅想曲》。刘文金大胆挖掘了二胡潜在的演奏技能，借鉴了西方管弦乐的演奏技法，丰富了二胡的艺术表现力。在这首乐曲中，二胡的快弓技术得到了淋漓尽致的发挥，给当时的二胡演奏带来了一场新的变革。这首乐曲的诞生，标志着我国二胡音乐创作迈上了继上世纪二三十年代刘天华之后的又一高度。1999年，《三门峡畅想曲》被选人国庆50周年“新中国舞台艺术和影视艺术精品”专辑。                                                 彰显中国当代民乐魅力         业内人士评价说，刘文金创作的每部作品都有独特的个性，几乎找不到某种民间固定音调的原型，但是又能使人感受到它们与传统艺术间的血缘关系。这是他长期学习和研究民族传统音乐，同时借鉴西方音乐优秀成果和艺术经验，再不断消化、融会、提炼和创新的结果。他的作品没有说教式的音调，给听众的第一印象就是亲切感人，有着民族音乐的神韵；继而听之，能使人思索、回味；细而察之，还能使人感受到他作品中始终贯穿着的一种人性化的艺术哲理。因而，他常常被人称为                                         “追求民族音乐神韵的作曲家”。         50年来，刘文金创作的许多作品蜚声海内外，成为经久不衰的名曲。2005年11月、2006年11月，中央音乐学院和中国广播民族乐团相继举办了刘文金作品专场音乐会，国家副主席曾庆红和中宣部、文化部、广电总局的领导同志以及音乐界众多人士出席了音 乐会。      刘文金曾多次到香港、台湾地区和新加坡举行个人作品专场音乐会，他以雄厚的实力和骄人的业绩，彰显了中国当代民族音乐的无穷魅力。他说：“生活是艺术之母，作曲家必须认真体验，用心感悟，才能悟出真谛。”

作者：刘漫 刘书民

杨维中

彭修文与“洋为中用”

民乐大家彭修文的音乐视野开阔。他立足于民族同时却面向着包括西方音乐在内的整个音乐世界。我国音乐界在70年代末80年代初，改革开放迎来了在音乐观念、风格、技术的划时代的变化。1980年我在中央音乐学院听英国剑桥大学葛尔教授的作曲课和西方现代音乐讲座。在北京一个月的时间里，我们谈得多的是刚刚进入中国的西方现代音乐技法。他的基本观点正如一篇对他的访谈里所说：“过去我曾经是保守的。”“作为音乐的发展，引进一些新的技法是非常必要的。对于所谓现代技法，既不要盲目照搬，也不要一概排斥。”     当时国内有本月刊杂志《外国音乐》，大约是1978年创刊的，他拿着一摞这家刊物给我讲解。同时又仔细地问了葛尔教授的讲课内容。     他送给我一本《二十世纪作曲法》在其中某些章节的书页上，他曾密密麻麻地写过不少钻研的心得体会。他藏有许多近现代作曲家（如德彪西、斯特拉文斯基、巴托克等）的磁带、CD，其中不少作品他曾反反复复听了无数遍。至于大量移植外国管弦乐作品到民族乐队来更是一个创举。从早期改编《四小天鹅》舞曲到80年代较系统地移植比才的《卡门》组曲、穆索尔斯基的《图画展览会》、德彪西的《大海》《云》、斯特拉文斯基的《火鸟组曲》、水山清茂的《伐木歌》等等，这些移植一方面增进了中国听众对西方现代音乐的了解，另一方面也将中国民族管弦乐队的演奏技巧和表现力提到了一个新的阶段。可以说，没有对发展民族管弦乐队表现力的追求，没有一个拿西方音乐来为我所用的胆识，这个尝试是无法实现的。彭修文用音乐实践了自己的观点：“一个新型的民乐队，必须吸取世界文化宝库的营养来发展自己”，他又说：“我不仅要好好学习自己的民族民间音乐，而且要大量接触外国音乐。人家的长处，一定要学习，不能以历史悠久自居，抱残守缺，必须站在现代的高度来看问题。你想和他平起平坐，就要拿出自己高水平的作品来，如何写出我们的特色，构成我们与他们的差别？这就需要不断地学习。”就这样，在他的后期作品如：1985—1989年写作的《十二月》，其中的8月就吸收了印象派的手法，采用了全音阶、连续大三度、减五度、大二度平行进行等等。后来修改60年代写作的《南海晨曲》也加进了一些现代和声手法。     70年代末香港作曲家林乐培用无调性十二音技法，写作了一首有着浓郁民族特色、内容相似《窦娥冤》的民乐队作品《秋诀》，这首作品的音乐语言运用了无调性、无旋律的现代作曲技法，但结构却是中国式的情节叙述。彭修文热情地向我推荐了它，说了句：“专家不嫌其浅，老大娘不嫌其深。”而且时隔多年后，他在20世纪华人经典作品音乐会上，只花了两天时间，就将这首乐曲背谱指挥下来。引起了作曲家林乐培先生由衷惊叹：“了不起，太好了。”     艺术领域里，传统与现代是视为水火不容还是视为延伸、互补？是互相碰撞还是互相融合？这要看艺术家的气度和能力。难能可贵的是彭修文善于把握好相互关系的“度”。作曲四大件是西方的，在不损害风格的前提下，完全可以用来丰富、增强民乐的表现力；民乐肯定要发展，西方当代技法肯定要学习、借鉴，但目的是用来更好地表现中国民族之魂。音乐语言可以适度超前，但离人们的耳朵该走多远？还要不要有可听性？这些问题还是能从彭修文那里得到些启发的。     彭修文离开我们已经十年，“彭修文后时代”有些什么现象呢？民族乐队创作仍在如火如荼的发展中，而且出现了许多优秀的作品。由音乐院校出身的作曲家队伍渐渐取代了演奏家出身的业余作曲队伍；音乐语言和普通听众也渐渐拉开了距离；新的小型的、好听的民乐作品比以前少多了；乐队的写作由于缺少对民族乐器的了解，乐器的搭配不尽如人意，作品也常常少了某种引人入胜的神韵。 民乐指挥也为许多出身交响乐队的指挥所代替。在演出场合里他们的差别不太显著，但在排练场上他们的差别就显而易见了。由于对民族乐器的不熟悉，指挥对作品的细微处理，对演奏的要求，对音色的调控以及民乐曲里无法标记在乐谱里的许多音乐情趣，交响乐指挥往往无处捕捉，而成为轮廓性的指挥。

作者：陈国权

benisi

[quote]原帖由 sunrong 于 2008-6-16 17:12 发表
因为制度的不同,中国历来都是奴权社会,古有焚书坑儒,今有文化大革命,在这种环境下,没有孕育的土壤,哪来的超越文化.在知识和文化不被重视的国度,艺术是什么?是李雨春,是超男和超女,

  [s:20] [s:21]

杨维中

民乐需要呵护——音乐生活报记者专访

专家之言             谈到这次民族管弦乐新作品的评选，中国民族管弦乐学会副会长、首届民族管弦乐新作品评选评委会主任刘文金说，由中国民族管弦乐学会和中国广播民族乐团联合主办，其目的主要是为了丰富曲目，使民乐面向听众，面向文化市场；积极鼓励优秀的民乐作品“贴近生活，贴近群众，贴近实际”，我个人认为，中国在新的历史时期，部分部门的文艺创作存在“三脱离”的现状，在某部分创作领域，这个现象还比较严重。为了演出团体更好的与市场紧密结合，联合全国的民乐团体组织策划了这个活动。所有评委都基本统一了认识，只要观众喜欢，容易接受的作品就应该选进来，尤其是近几年的创作，民族管弦乐作品大都是专业学院老师学生的所谓的“实验性”作品，和现实中大众的审美情趣相脱离。关于这次评选的总体水平，刘文金说，初选在去年的12月l日一6日展开，经过7天的筛选，包括作曲家、指挥家、音乐理论家在内的评委会从全国众多作品中推选出70部经过专家认可的作品，然后通过阅读总谱等程序之后，又推选出12部比较优秀的精品来参加3月5日的最终评选。        中国音乐家协会民族音乐委员会副主任鲁日融告诉记者，本次评选的一个主要目的是繁荣民族管弦乐创作。目前的民族管弦乐作品看起来好象很多，但是群众喜欢的、容易流传的不多，民族管弦乐会与中国广播民族乐团为了给全国专业民族乐团提供一些新的优秀作品，发动了一些委约作品。评选要求是作品不能超过12分钟，最短不能超过3分钟。之所以选择一些老百姓喜欢的作品还是希望民族管弦乐的提高与普及工作是分不开的。音乐作品应该反映现实生活，贴近观众，就是这次评选的宗旨所在。以前诸如《瑶族舞曲》、《喜洋洋》、《花好月圆》等经典作品在上个世纪50、60年代成为深入人心的作品至今还在不断的演奏，这不能不说明问题，一方面是贴近老百姓的作品就会成为不朽之作，另一方面说明我们现在在创作上遇到了一定的问题。其实现在的好多作曲家创作的民族管弦乐作品并不在少数，但是能让大众容易接受的不多。这次的评选就是为了给众多感到彷徨和无奈的民族乐团提供一部分“粮食”。           鲁日融说，整体水平还算让人满意。但是金奖的空缺既说明组委会宁缺毋滥的评选标准，同时也说明了咱们的创作者还没有创作出令观众眼前顿时一亮的作品。有些作品克服了过去音乐作品无“调性”、”多调性”  等特点，强调“可听性”。通过旋律来抒发自己的感情。但也有少数的作品采用比较“怪”的现代创作技法，也出其不意的出现了一些非常好的效果。看来多色彩的音乐手段就能打动观众。                            民乐“不景气”              近些年来，音乐界业内人士有一种看法，民族音乐不再灵光，在走下坡路。“萧条”、“惨淡”等词汇随之而来。本次评选活动之后，诸多专家也有话说，鲁日融说，关于民族音乐生命力的问题是一个不能回避的老问题。现在虽然单单从票房来看，民族音乐不太理想，甚至非常惨淡。但是有志之士仍在努力，一些从事民族音乐工作的人们更在为我们民族音乐呕心沥血。中国的音乐事业应该在吸收外来文化的同时，应该把重点放在本民族的音乐文化上。现在有不少人学习西方现代音乐技法积极性更高一些，忽视了本民族传统的优秀音乐文化。吸收固然重要，但吸收的目的就是为了将学到的精髓更好地溶入到本民族里面去。这个应该搞清楚。有些人往往就是顾此失彼，淡漠了自己民族的音乐。在当前，时代气息浓，观众喜欢的作品越来越少了。青少年中喜欢民族音乐的人越来越少了。政府、学校对青少年的教育相当重要，将民族音乐重视起来，从现在作起。从高等教育入手是一个捷径，从整个教育环境来说，关注民族文化也是爱国教育的一个重要内容。我们应该坚信，民乐是本民族音乐文化的根本，永远也不会失掉。        著名指挥家、评委李执恭说，民族管弦乐从无到有，从小到大，短短几十载，通过大家的努力使这种艺术有了一个“型”，民族管弦乐队的“型”。从吹管乐组，打击乐组，弹拨乐组、拉弦乐组四大声部有了很大的发展。这样一个乐队的组成使得声音相当丰富，有了这个基础，观众还是相当渴望有新作品问世。民族音乐的沉寂是暂时的。        刘文金在谈到民乐发展的一些问题时说，民族的东西都是土生土长的艺术，不去深入地了解它的精髓，无论创作和演奏，要想推动它的发展都很难。有些人老提继承，其实民族音乐的继承是一件非常严肃的事情，应该很严肃的来对待，包括政府和民乐团体都重视起来，才能避免我们再走一些弯路。而目前连最起码的了解都没有做好，还谈什么发展，可能与中国经济的发展水平也有关系。现在许多发达国家虽然历史不是很久远，但是仍然很重视自己遗留下来的传统文化。        获得本次评选铜奖，花甲之年的张翰书老先生谈到此问题时感慨到，从民族管弦乐队形成这个长久的过程来看，是非常健康而成熟的。这种乐队的形式已经被广大群众所接受。短短50多年的时间与西方交响乐队上百年的历史是不可同日而语的。从管弦乐这个形式出发，包括乐器的不断改革完善，都需要一个历史的进程来完成。香港、澳门、马来西亚等都是采用这种形式，民族音乐仍然还在不断的前进是不容争辩的事实。但是现在的主要问题是精品太少了，有人指出民乐“死了”，这种观点是不负责任的，不能遇到问题就否认它的生命力。只要是贴近大众审美情趣的作品肯定会被接受。而现在的问题是许多创作者，尤其是专业院校的创作者们都在作着许多“尝试性”的作品，采用一种非常抽象的创作手法来表现自己的思路，但是老百姓听不懂，于是成为一种“贵族式”的作品。所谓民乐就是取自于大众化中间的音乐，以此应该以大众的口味和理解能力创作一部分作品。回归人民是势在必然的。不被老百姓接受又何谈发展呢?                               民乐“复兴路”        刘文金告诉记者，仅仅靠一些民乐组织来做这方面的工作是有限的。重点还是在年轻人身上。现在学习古筝的青少年就有100万左右，二胡也不在少数。从学习状况来看还是不错的。我们应该呼吁大多数的青少年多了解一些咱们民族自己的乐器和乐曲，对培养他们自己的民族情感无疑是有益处的。现在北京有许多中学都有民族管弦乐队，像三十五中，十九中，二十七中，育英中学等等，他们的民族管弦乐团水平都非常之高，发展应该从重视开始。     李执恭说，现在在经济大潮的冲击下求生存非常困难。改革开放要求文化多元化，就肯定会出现多种艺术形态，在民乐这个领域也出现了诸如“女子十二乐坊”等新形象。他认为，之所以出现另类的民乐演出团体是市场的需要，不应该加以排斥。既然是经济社会，就应该严格按照经济规律走，但是对于民族音乐来说，肯定会有难度。只能一步一个脚印地慢慢走。        谈到民乐的复兴，鲁日融教授也不约而同地提到了  “女子十二乐坊”，他说，“女子十二乐坊”的娱乐性、商业性比较强。应该鼓励新形式的出现，但是作为传统的民族音乐不能人云亦云，完全按照这种套路来发展。这是一条路，但不会处于民乐的主导地位，应该借鉴西方的歌剧、舞剧、交响乐等艺术门类的创作技巧，以此来丰富我们民族音乐的创作。                             对话权威             朴东生：中国著名指挥家，中国民族管弦乐学会会长、中国音乐协会民族音乐委员会副主任，中国民族管弦乐学会指挥专业委员会会长。        记者：学会主办这次评选的初衷是什么?        朴东生(以下简称朴)：繁荣民族管弦乐创作，给全国专业、非专业的民族管弦乐团提供“粮食”，借此推动民族管弦乐事业的发展。        记者：您怎么看这些新作品的整体水平?        朴：我个人认为反映了当前全国整体创作水平，有些作品还是相当不错的，我们这次设立的标准就是“三贴近”，即贴近生活，贴近实际，贴近群众，使得这些新作品能够受到老百姓的欢迎。这次我们征集作品，有个基本的定位，并不是越新奇、越现代就越好。按照”三贴近”的要求，能够让老百姓感觉好听并接受，并且乐团容易演奏，以此为最基本的出发点。        记者：现在有种观点认为，民乐现在非常不景气，票房很差。        朴：我非常不同意这种观点。最起码持这种观点的人根本不了解民族音乐当前的具体状况，只是人云亦云。根据文化部数据统计，参加社会艺术水平考级的学习民乐的青少年全国就有100万，学习古筝的就有120万。作为专业民乐团队来讲，在维也纳受到疯狂吹捧的浙江民族乐团已经在金色大厅连演几场。可能部分人会认为这只是一种“亮相式”的演出或者说文化交流的目的，实际上并不是这样的。另外，业余的团队，包括现在大、中、小学，已经成立了许多民族管弦乐队，水平也有了大幅度地提高。并不是传统意义上我们想象中还处于“音不准”的业余状态。种种摆在我们面前的事实证明，部分人所说的诸如“萧条”、“冷落”、“不景气”等是没有事实依据的。        记者：但是无可质疑的是民乐演出的票房并不是很好。        朴：这是相对来说的。综观整个艺术领域，芭蕾舞、交响乐等外国传统艺术在中国的票房成绩都不是很理想。目前，我国正处于市场经济转型期间，我们已经太习惯了过去的那种计划经济体制。一旦马上进入市场，诸多因素还有待于进一步地改革和尝试。不断地完善和调整得需要一个过程，有一个时间上的缓冲。全世界的交响乐团有哪一个是自负盈亏的?音乐是一个非常特殊的“商品”，有艺术发展的规律在左右。在我国目前这样一种状况下，有某一个历史阶段的具体任务，得循序渐进。从当前的情况来看，传统艺术的种类，包括京剧、曲艺等总体来说票房成绩都不是很理想。对待我们的民族音乐千万不能戴有色眼镜来看，应该以积极的心态来对待。        记者：在下一个历史阶段，民乐有没有一条适合自己的路来发展和壮大自己？        朴：作为一个民族管弦乐组织来说，联合专业团队，艺术院校，专家教授，都在研究民乐方面的信息和情况。近些年来，我国的民族器乐演奏水平逐步上升。连国外的专家都感到非常吃惊。相比前些年简直不可同日而语。就连某些人认为已经成为古董的古琴艺术，更有几万名小孩在认真地学习，学习其他民族乐器的更是趋之若骛。所以说，我们大家应该理性地看待民乐的发展，在当前市场经济大环境下，我国的综合国力、国际地位、人民生活水平都在提高，民乐在这种环境下有很大的发展空间；举个最简单的例子，以前经济水平不高的时候，普通老百姓连生活都解决不了，何谈学习音乐呢；而现在，就连农村的孩子都在学习民族乐器。所以说，民乐的复兴需要一个长期的历史过程。虽然民乐现在并不乐观，但也并不像某些人所形容的那样“非常不景气”。心态切勿浮躁，应该冷静地分析，用科学的态度来对待民族音乐的发展。        记者：现在我们的主要任务是什么?        朴：作为目前的工作来说，就是需要为那些极想学习民族乐器的孩子们提供一条便利的途径，为全国的专业民族乐团提供一系列老百姓喜欢的新作品。我们策划这次活动的目的也正在于此，在活动中吸引了天津、哈尔滨等地的民族乐团都来考察新作品。为民族音乐踏踏实实地做些事情要比无端地臆测要强的多。目前，北京市少年儿童学习民族器乐的相当多，我们正在策划一个邀请赛，但是要坚决抵制以赢利为目的的比赛，把孩子引导到一种正确的学习、参赛、检阅的状态，让家长看到孩子的学习成果。另外，经过文化部批准，开设民族乐器考级、民族音乐论文集等都是现在正在酝酿或正在开展的工作

作者：记者赵永涛 来源：音乐生活报

benisi

[quote]原帖由 小白 于 2008-6-16 20:25 发表



还是两点:

1.事情是不能"假如"的. 假如我们的文化部门玩命推广"高山流水","十面埋伏",你就有信心听这些音乐的人就会超过听古典音乐的了??? 假如我们音像店里随处都是高山流水,十面埋伏,人们就会买了???

[s:20] [s:21]

叶荣玉

[s:6] [s:6] [s:6] [s:6] LZ的帖意偶一直味琢磨透呢！！！！所以不敢貌然发言！！[s:13] [s:13] [s:13] [s:13]但看了杨老的跟帖，我心释然！！！[s:63] [s:63] [s:63] [s:63] [s:63] [s:54] [s:54] [s:54] [s:54] [s:54]

[ 本帖最后由 叶荣玉 于 2008-6-17 15:30 编辑 ]

静听禅声

要大胆发表自己的见解嘛！[s:14] [s:97]

黑海一舟

什么叫音乐？
《辞海》：“艺术的一种。通过一定形式的音响组合，表现人们的思想感情和生活情态……其基本要素和表现手段为节奏、旋律、和声、复调、管弦手法等。音乐可分为声乐和器乐两大类，也可按体裁、形式分为歌曲、合唱、交响曲、室内乐以及丝竹、吹打、说唱等……”
很显然，“音乐”的释义并没有因为它来自不同的民族、部落，而带来归纳的困难。全世界的音乐都是音乐，既具有相对的特殊性，更具有绝对的共性和可比性。
音乐与音乐，不存在所谓质的区别。
原本简单的问题，竟然被虚无化，陷入不可比论，实质上是不可知论。

200b

200B该说的全说了，现在开试听课。