爵士唱片集（中级篇，25页以后）

schiff

專訪 尤瑞肯恩

多年以來，古典樂和爵士樂像是互不干涉的兩大陣營，儘管時有交流，也都
並不全面，大致上仍然是各自為政的味道。很多樂迷、評論者都討論過，究竟
什麼時候才會出現真正具有創造性的古典-爵士跨界音樂，而不是像市場上經常
出現的打著旗號騙吃騙喝的陳腔濫調。

尤瑞肯恩（Uri Cain）可能是最接近的答案，這位近幾年來話題不斷的爵士樂
手，以改編馬勒作品的專輯《Primal Light》獲得古典與爵士樂壇的熱烈注目之
後，更是變本加厲，把變奏的手伸向更多古典作品，華格納、舒曼等等大師曲
目都在他手中呈現獨特的全新面貌。肯恩不久前剛結束了在科隆的現場直播音
樂會，德國、奧地利、法國等六個歐洲國家都可以聽到轉播，在古典音樂的重
鎮國度，肯恩帶領著爵士樂團、電子樂手、傳統的古典合唱隊、弦樂四重奏、
福音歌手，一起演奏巴哈的郭德堡變奏曲，每一段音樂中間，每一次樂手有精
彩的獨奏，現場老老少少的歐洲樂迷不時鼓掌、歡呼、尖叫、吹口哨，此起彼
落，熱情到會讓你以為這是在東京巨蛋聽 美夢成真。

馬勒要是還在，他也會這樣做！

當訪談剛開始，肯恩說明了之所以選擇古典音樂作為題材的原因：「我成長於
一個非常強大的爵士樂傳統當中，家鄉有許多現場演出，許多了不起的爵士音
樂家帶我進入爵士樂的世界，所以我很清楚，爵士樂手拿馬勒的樂來即興是很
不尋常的，一般都是用百老匯歌曲、其他爵士樂手的作品等等，但是事實上，
當我們仔細研究各種音樂之後，會發現其中都有即興發展的可能性，可以呈現
出另一種不同的觀點。我和其他樂團成員，像是唐拜倫（Don Byron）、洛夫阿
雷西（Ralph Alessi）都受過古典訓練，同時也都受到其他音樂的影響，節奏藍
調、搖滾、Salsa等等，所以我們希望將所有的方向都列入考慮。馬勒的音樂我
從小就非常熟悉，到現在還是很喜歡，所以我們改編馬勒的音樂，算是很正常
吧！比如說，我聽到的管弦樂團，多半將馬勒第一號交響曲的第三樂章處理得
很慢，其實我小時候聽到的，一直都是非常瘋狂、非常有張力的作法，我的處
理也是按照此一印象，我相信馬勒要是今天還在，他一定也會這樣做！」

馬勒與巴哈

肯恩也談到「他的馬勒」中為何有這麼濃厚的猶太色彩：「馬勒是猶太人，當
時猶太人受到很多歧視壓抑，他為了維也納歌劇院的工作，改信天主教，到底
他真的改變信仰，還是純粹為了貪圖方便？一直不能確定，但是有些以色列的
朋友告訴我，馬勒當年真的很想擺脫他的猶太身份，偏偏我又在他的音樂中聽
到大量的猶太影響，某種甜美與苦澀交織的東西，非常悲慘，同時也非常美。
我希望找到一種方法來呈現出我感受到的馬勒。」

說到馬勒，許多人會好奇肯恩加入爵士即興、猶太民樂、電子樂器，還找了
DJ來作Sampling、磨黑膠唱片，這麼離經叛道的作法，難道沒有什麼負面的迴
響？肯恩的答覆是：「其實有，但是比我預期的好很多了，事先，我怎麼樣也沒
想到，一些真正熟悉馬勒音樂的人士，比如說很多古典樂評人和馬勒音樂學會，
會用 "正統" 這樣的字眼來形容我的詮釋！事實上，如果你真的瞭解，真正對
這個音樂有信心，你就會知道天底下有太多太多不同版本的馬勒，我不是想把
音樂簡單化，做成所謂的跨界，甚至輕音樂，像某些樂手用巴哈的旋律，加上
一點搖擺化的節奏，我不作這樣的事，像巴哈的郭德堡變奏曲，每個部分都統
合在結構之下，卻又是如此不同，我甚至把這個概念推得更遠、更誇張，比如
說巴哈用薩拉邦德，我會用曼波節奏，他的法國序曲，讓我聯想到日本的宗教
音樂，我試著以自己的想法，將巴哈的音樂作個新的呈現，加入各種不同的風
格，合唱隊、即興演奏、Drum'n'Bass等等，有時和巴哈很接近，有時是以一
種奇特的角度與巴哈連結。」

藝術就是為了衝撞冒犯

肯恩倒不擔心他的巴哈引起什麼批評聲浪，就算有，他也不在意：「你不能跟
搞藝術的人說這個可以作，這個不能作，就好像前一陣子紐約有個展覽，一些
政治人物說它冒犯了天主教徒，政府要取消贊助，搞得後來博物館、畫廊在展
覽前都要求藝術家簽下一份同意書，說我絕不冒犯女性、少數民族、弱勢團體
等等等，完全政治正確的玩意兒，真是胡扯。我當然尊重這些，但是不能先給
藝術家限制，那還作什麼創作？！誰都不得罪，還談什麼藝術？！藝術就是要
衝撞冒犯！」

肯恩的台灣之行

六月二十號開始，尤瑞肯恩將帶領樂團到台灣演出三場音樂會，分別在台北、
高雄、新竹，曲目是他改編自巴哈、馬勒的作品。

「我非常期待台灣的演出，這不是客氣話，我沒有到過台灣，也不熟悉台灣
的聽眾，亞洲我只去過日本，不過幾次去日本，都是演奏比較傳統的爵士樂。
我在歐洲巡迴時，聽眾對馬勒、巴哈非常熟悉，他們很容易有一個既定的印象
來評斷我的音樂。我一點都不瞭解台灣聽眾對爵士樂和古典音樂的態度，這使
得我在台灣的音樂會變得更加有趣。如果我們讓台灣聽眾覺得說是新鮮、有創
意的音樂的話，那將是一件非常棒的事。」尤瑞肯恩如是說。


尤瑞肯恩Uri Caine樂團         六月二十日19:30   台北國父紀念館
                    六月二十二日19:30 高雄至德堂
                    六月二十四日19:30 新竹演藝廳

--
有些賣唱片的人說他們不要跟傳統的作法一樣，要特立獨行，作些不一樣的事情。
像是某種救世的心態，他就不敢承認說他也是在利用這個，這種心態是非常可議的，
全世界走透透都沒有這種事，沒有人這麼刻意去作這麼噁心的事，就是台灣
特別會有這種現象，當然跟一般人的認定、價值取向也是息息相關，
因為這樣的傢伙開的店，就是在服侍這麼一群虛偽的人。
---林哲輝（摘自"秘密基地"一書）

schiff

交易区新帖推荐

爵士音乐发展史纲要

爵士乐的来源:
  欧洲古典音乐 European Classical ________
  欧洲军乐 European Military Music______
  欧洲流行音乐和舞曲 European Popular Music And Dance Music _____
_______
  欧洲教堂音乐 European Church Music ____________________________
_______
  美国黑人教堂音乐 Afro-American Church Music ___________________
______________
  褴褛时代音乐 Ragtime __________________________________________
______________
  美国黑人小提琴和班卓琴音乐 Afro-American Fiddle & Banjo Traditi
on____________
  非洲吟唱 African Singing_______________________________________
______________
  兰调 Blues ____________________________________________________

  美国黑人劳动号子Afro-American Work songs ______________________
___

爵士乐的最主要来源:Blues


特点:12小节 3句 每句4小节</p>
和声： T S T T / S S T T /D S T T
主要代表人物及其作品：
兰调之父-----William Christopher handy
"Memphis Blues" （孟斐斯兰调）
"St.Louis Blues" (圣路易兰调）
Jelly Roll Morton
  
Ragtime :
  特点:8、16、 32小节 4乐节 低音固定节奏 散拍乐切分
主要代表人物及其作品：
Scott Joplin
Maple Leaf Rag" （枫叶拉格泰姆）
Henri Klickmann
"Knock Out Drops Rag"（迷药拉格泰姆）

爵士乐的发源地：
  New Orleans(新奥尔良）
<爵士乐的产生环境：妓院钢琴独奏者
1917年禁酒令的发布 ，使New Orleans众多妓院、
酒吧中黑人乐师转入地下，得以发展，传遍整个国家。
宣扬娱乐、刺激和性，在当时被认为是低级的和性、 犯罪息息相关的音乐。


( 1900-30年代中） Eearly Jazz">早期爵士乐
组合形式：小型乐队（管乐为主）
1917年，第1张爵士唱片问世："The Original Dixieland Jazz Band"
包括：钢琴、鼓、贝斯（五弦琴）、萨克斯、 小号、长号、低音号。
风格：集体即兴
重要代表人物：
爵士之父-小号手
  Louis Armstrong


（1930-40年代初）Swing"摇摆乐"
  组合形势:大乐队- 小号、长号、萨克斯和节奏组。
        节奏组包括贝斯、吉他、钢琴和鼓。
    风格：固定和声和旋律素材的基础上
      独奏部分在固定的和声框架中作相对自由的即兴。
  重要代表人物：Duke Ellington
        "East St.Louis " "Mood Indigo"
        Benny Goodman
        Jimmy Dorsey
        Harry James
          Count Basie :"April In Paris"
          Glenn Miller

（1940-1950） Bebop 比波普音乐
组合形式：3至6人的小型乐队(Combos)
风格：旋律在固定和声进行上即兴，快速拍子，
    和声不协和， 节奏复杂激烈。
bebop在音乐上的创新，使当时的爵士音乐家
脱离了受雇于舞厅和夜总会，成为纯音乐意义上的艺术家。
bebop被认为是第一个现代爵士风格，作为一种严肃音乐进入大学被研究及分析
。
重要代表人物：
Charlie Parker
Dizzy Gillespie
Thelonious Monk

(1950---60年代) Cool Jazz

    西海岸的Cool Jazz 趋于安静舒缓 ，轻柔松弛，音色和谐。
重要代表人物：Miles Davis
      John Lewis
      Tadd Dameron
        The Modern Jazz Quartet
          Dave Brubeck Quartet

第三潮流音乐:
将爵士乐队和古典乐队混合在一起。
重要代表人物:John Lewis
        Gunther schuller

1960-70年代） Free Jazz 自由爵士
60年代美国社会革命的产物，声称是体现无政府主义和 虚无主义的音乐。
风格：摒弃了传统的音乐标准，摆脱了旋律、和声及拍子约束
和传统的爵士类型相比较，Free Jazz没有固定的框架：
(1）在开放空间采用惊人的自由调性
（2）乐器的独奏线条呈和弦型
（3）和声基本消除功能性，纵向复合体
（4）全新的节奏概念，计量、节拍和对称性都被打乱
（5）将世界音乐的素材溶入其中
（6）毫无节制地强调音乐本身的强度和张力
(7）把乐音概念扩展，加进嗓音，注重音色，
  用特殊的音色 来扩大音乐的表现力.
重要代表人物：
Ornette Coleman
Archie Shepp
Pharoch Sanders
  Albert Ayler

（1970-90年代中） Jazz & Rock爵士乐与摇滚
            Neoclassicism In Jazz新古典主义

类似于严肃音乐中的新古典主义 科技的发展，如录音技术、
试图超越音乐世界，强调潜词、 各种电声乐器的应用，
带来了 控制、追求形式和秩序。 新的各种流派的百花齐放
重要代表人物：
    Lester Young
    Paul Desmond

schiff

在牙买加人的习惯用法里，“YARD”这个词的意思就是“家”。2000年10月5日和6日，接连两个寒冷的夜晚，牙买加旅美爵士钢琴家蒙蒂·亚历山大（MONTY ALEXANDER）把他的家乡金斯敦所特有的热带动感带到了美国的“钢都”——宾夕法尼亚州西南部城市匹兹堡。在5位牙买加乐手（吉他、贝司、键盘、鼓与手鼓）的伴和下，蒙蒂·亚历山大在匹兹堡著名的爵士乐演出场所“曼彻斯特技工行会”举行了一次相当轰动的演出。
本文要介绍的蒙蒂·亚历山大最新唱片《回家》（“GOIN’ YARD”，CD编号TELARC CD-83527）收录的就是从这次演出的现场录音中精挑细选出来的11首乐曲，唱片标题“回家”本身就直接地揭示了蒙蒂“回归牙买加”的意图。
蒙蒂·亚历山大于1944年出生在金斯敦。才4岁的时候，蒙蒂就显露出了在钢琴方面的天才。6岁时，他开始学习钢琴课程，一直到13岁。不过，对他来说，这种学业还不够，在50年代末金斯敦那大大小小的录音室里，还有更加高妙的音乐“教育”等着他。15岁时，蒙蒂辍学了，和一帮牙买加顶尖的录音室乐手一起演录，在当时已经成型的一种特殊的牙买加爵士乐诠释风格基础上，这些似乎本就是为节奏而生的录音室艺术家又创制出了一种特殊而不朽的爵士节奏，这种节奏在这个岛国当时的一些录音中曾得到鲜明的体现。这期间，作为特邀乐手参加美国爵士乐大师路易斯·阿姆斯特朗（LOUIS ARMSTRONG）和艾迪·海伍德（EDDIE HEYWOOD）在金斯敦加勒比戏院的演出，无疑是蒙蒂音乐成长过程中的重大事件。此时，蒙蒂还组建了自己的乐队，名叫“蒙蒂与飓风”（MONTY AND THE CYCLONES），时不时地参加一些录音和舞台演出。
  蒙蒂在牙买加接触到了美国爵士钢琴大师艾罗尔·加纳（ERROLL GARNER）、奥斯卡·彼得森（OSCAR PETERSON，原籍加拿大，在美国发展）和阿特·泰顿（ART TATUM）等人的音乐，这些音乐对他来说不啻是一种召唤，促使年轻的他于1961年义无反顾地渡海北上，追寻他的美国爵士之梦，在抵达美国几个月后，蒙蒂得到了在迈阿密一家夜总会演奏的机会，在那里他遇见了一些迈阿密最优秀的爵士乐手，其中包括“加农炮”艾德利（CANNONBALL ADDERLY，爵士萨克管大师）乐队的成员，后来还和他们同台演出。1963年夏天，蒙蒂应邀到拉斯维加斯与阿特·蒙尼（ART MOONEY）的管弦乐队合作演出，观看演出的纽约城俱乐部老板吉利·里佐很赏识蒙蒂这位年方19岁的牙买加音乐家过人的才华，就在自己的俱乐部里给蒙蒂安排了一个乐手的席位。在为吉利工作期间，蒙蒂曾为很多著名的艺人伴奏，其中就有吉利的密友、“瘦皮猴”歌手弗兰克·西纳特拉（FRANK SINATRA）。蒙蒂还与米尔特·杰克逊（MILT JACKSON，爵士铁琴即颤音琴大师）、雷·布朗（RAY BROWN，爵士低音提琴大师）、迪兹·吉尔斯皮（DIZZY GILLESPIE，爵士小号大师）、克拉克·泰瑞（CLARK TERRY，爵士小号与翼号大师）、桑尼·罗林斯（SONNY ROLLINS，爵士萨克管大师）以及莱斯·麦克凯恩（LES MCCANN）等爵士巨匠建立了稳固的音乐合作关系，后者还担任了他的首张个人专辑《亚历山大真棒》（“ALEXANDER THE GREAT”）的制作人。
  多产的蒙蒂迄今已经灌录了50余张专辑唱片。在蒙蒂近年来的爵士乐录音里，似乎都奔涌着一股强有力的不容漠视的牙买加“潜流”，明眼人谁都看得出，蒙蒂在下意识地“回归”牙买加——毫无疑问，牙买加是他情感上和音乐上的双重故园。近两年美国TELARC唱片公司就为蒙蒂录制出版了一系列雷吉化爵士乐唱片，其中包括1999年向“雷吉之父”鲍勃·马利致敬的专辑《鼓动》（“STIR IT UP”，CD编号TELARC CD-83469），以及2000年蒙蒂和牙买加最好的鼓与贝司二重奏组合“斯莱·邓巴与罗比·莎士比亚”（SLY DUNBAR AND ROBBIE SHAKESPEARE）合作演录的专辑《蒙蒂遇见斯莱和罗比》（“MONTY MEETS SLY AND ROBBIE”，CD编号TELARC CD-83494）。《回家》自然是最新的一张唱片。蒙蒂的音乐把加勒比海地区特别是牙买加的节奏特点演绎得淋漓尽致，同时又体现了他对爵士乐的复杂性与包容性深刻透彻的了解。在举行此次“回家”音乐会的全过程中，蒙蒂一直都在验证这两者之间无法离断的关系。他说：“对我来说，使得这场音乐会与众不同的地方在于此前美国观众已经知道我是一个爵士钢琴家，总是和一个三重奏合作演出，而我这次来到匹兹堡却带着我的牙买加之‘根’，这样一来美国观众们可能会‘抓瞎’了，说‘这些人是干什么的’？他们不是经常有机会听到和看到6个牙买加人演出的。还有，我所带来的节奏不是他们听惯了的4/4拍摇摆爵士。最妙的是我们只是以音乐内在的精神去打动他们，而他们最终的反响是极为热烈的！”的确，即使仅仅从《回家》这张LIVE版唱片所收录的63分钟音乐中，我们也能如临其境般地感受到演出现场气氛的热烈，感受到观众们对蒙蒂和他的牙买加音乐灵魂的深深敬意。
  唱片的开场曲是“大毒蛇”（“THE SERPENT”）。此曲是蒙蒂自己的作品，曾于12年前在他一张充满了灵性的专辑《河流》（“THE RIVER”）当中首次推出。此曲展示了蒙蒂在狂暴烈性的重击和精致纯美的舞蹈之间游刃有余的惊人技巧。司手鼓的是小罗伯特·托马斯（ROBERT THOMAS，JR.）。他的风格独树一帜，他在曲中的手鼓处理给人留下一种巧妙的“情节”印象，似乎毒蛇先是在强有力地攻击，然后又突然后撤。
  “幼虫”（“GRUB”）这支节奏强劲的乐曲也是蒙蒂自己的作品，是他题献给在金斯敦无辜被人杀害的牙买加贝司手、绰号“幼虫”的卡尔顿·梅森（CARLTON “GRUB” MESSAM）的。“幼虫”在蒙蒂刚刚开始从事雷吉乐和爵士乐融合的工作时曾经跟他合作过，蒙蒂一直很怀念他。“朝前看！”（“SIGHT UP！”）是蒙蒂写的一支著名的爵士乐曲，标题表达了他向内患多多的祖国牙买加致敬之情——不管祖国处于一个怎样的经济与社会困境，他都虔诚地祝愿她走向强盛。
  “信任”（“TRUST”）和“希望”（“HOPE”）无疑是《回家》这张唱片中最具冥想气质的乐曲。蒙蒂的钢琴独奏先以低迷的基调进入，给乐曲染上一层忧郁的色彩，然后，在后段，节奏声部营造出一种微妙而坚定的雷吉乐氛围，使得乐曲基调为之一亮。
  蒙蒂和他的牙买加同胞们还演绎了鲍勃·马利两首最受欢迎的作品——“你愿意被人爱吗？”（“COULD YOU BE LOVED”）和“大逃亡”（“EXODUS”）。前曲由蒙蒂以钢琴滑奏乐句引导众乐手演奏，蒙蒂自己和吉他手韦恩·阿蒙德（WAYNE ARMOND）还出声伴唱，整个曲子就象是一个令人兴奋的雷吉乐游戏。后曲是鲍勃·马利1977年专辑的同名标题曲，美国《时代》周刊曾把这张专辑誉为20世纪最伟大的录音。此曲描绘的是《圣经》中以色列人逃出埃及的故事，同时又极为巧妙地把由厄尼斯特·高德（ERNEST GOLD）谱写的同名电影的主题融合了进去，使得乐曲音乐性与戏剧性相得益彰。“我一直记得50年代这部电影《大逃亡》的主题，当我听到鲍勃·马利这支很流行的曲子时就确信：毫无疑问，马利下意识地抓住了电影的主题！”蒙蒂强调说，“马利有着海绵一样善于吸纳的博大心胸，他听民谣，他也听摇滚、福音和牙买加音乐，这样当最终做出自己音乐的时候，他已经成为一个音乐宝库了！”蒙蒂对此曲的诠释也颇为戏剧化，这种戏剧化的高潮表现，是在贝司手格伦·布朗尼（GLEN BROWNE）、鼓手戴西·琼斯（DESI JONES）和吉他手韦恩·阿蒙德轻描淡写营造出迷离氛围时，蒙蒂用音色优雅温润的钢琴奏出的一种半古典化的渐强音。
  在《回家》中，蒙蒂还对牙买加音乐的另外两位代表人物表达了敬意，一位是奥古斯塔·帕布罗（AUGUSTUS PABLO），一位是绰号“胖王”（KING TUBBY）的奥斯伯恩·鲁迪克（OSBOURNE RUDDICK）。奥古斯塔·帕布罗于1999年去世，他主要是因为在自己轻松欢快的作品中创造性地用口风琴吹奏主旋律、大大提升口风琴在牙买加音乐中的地位而享有盛誉的。蒙蒂重新诠释了帕布罗1976年的作品《“胖王”遇到城里的摇滚一族》（“KING TUBBY MEETS THE ROCKERS UPTOWN”）。此曲是写来向当时已故的“胖王”致敬的 ，其演录充满了创新和活力，充满张力的牙买加鼓声令人耳目一新，不过最新奇的地方也许还在于音乐的声响被淡化，而精心编排的音效则几乎完全取而代之。诠释此曲时，蒙蒂的钢琴和和格伦的贝司之间的“对话”是相当引人入胜的，不能不激起人们对“胖王”本人甚至整个金斯敦音乐的莫大兴趣。
  正象哈里·贝拉方特当年把牙买加的民间音乐与文化介绍给世界一样，蒙蒂现在也充当着类似的“文化大使”角色，努力使牙买加的音乐文化为全球所认知，甚至连牙买加政府最近都公开表彰蒙蒂的贡献，给予他最高的荣誉。
  “即使我生命的大部分时间都留在了牙买加之外的地方，我也会在我的故土度过余生，我的灵魂与心跳永远和牙买加维系在一起！”这，就是蒙蒂的心声。

schiff

简述 【拉丁爵士 ． Latin Jazz】

從爵士樂剛開始不久，中南美洲的音樂元素、特別是古巴音樂，就一直對爵士樂有深遠的影響。拉丁爵士融合拉丁舞曲節奏感與爵士樂的即興演奏方式，經常帶給聽眾活潑輕鬆的感覺。六零年代出現的巴沙諾瓦（Bossa Nova），原文是"新風潮"的意思，結合了巴西森巴舞節奏和酷派爵士的表現方式，在當時頗受聽眾喜愛。

　　 Latin Jazz爵士樂一直是不斷融合、變化的音樂，融合由加勒比海傳來的中南美拉丁音樂，對爵士樂，尤其在節奏方面，有巨大的影響。但是由於在樂曲結構上傾向較為流行的態度，因此並能有深度的發展。

【巴沙諾瓦 ． Bossa Nova】

　　 受西岸爵士影響甚深， 在五零年代由作曲家 Antonio Carlos Jobim 以較輕快的拉丁節奏及酷派聲響即興樂句，作為旋律兩者融合之樂風，以八四拍子兩小節作為循環， 重音落於 1、 4、 7、 11 及14拍。 而 Joao Gilberto 的聲音正為 Jobim 的音樂做了最完美的演譯， 而五零年代末期的電影 Black Orpheus 則讓 Jobim 的樂曲在美國廣為流傳，其他早期bossa nova重要樂手包括吉他手 Charlie Byrd， 次中音薩克斯風手 Stan Getz (這兩人的合作的Jazz Samba 為此樂風帶來重大影響 )，女歌手 Astrud Gilberto，她與Joao (即其夫) 與 Getz 合作之 "The Girl From Ipanema" 可能是bossa nova史上最為人熟知的曲子， bossa nova 的流行在六零年代中期達到頂點， 但現在仍有相當聽眾群支持。

  Bossa 這個字源自於巴西里約熱內盧的俚語, 它指的是不受拘束的精明聰慧、和才華特出之類的意思。再加上葡萄牙文的Nova, 取其"新"的意義。所以,Bossa Nova就可以直接解釋為無拘無束且極富創意的新音樂。

  從歷史來看, 巴西曾受葡萄牙統治﹐ 黑奴也隨著輾轉由西非到古巴, 而後一部份被送到南美各地。另外種族繁多的原住民, 也散落巴西各地, 因此巴西的文化早已極具融合特質。巴西原本最著名的曲風就是熱情如火的森巴舞曲, 尤其是在嘉年華會上森巴舞曲強烈的節奏感, 更讓人有種不舞不盡興的快感。

schiff

在六十年代末、七十年代初，摇滚乐席卷世界.原已变得更加小众化的爵士乐，市场更加萎缩，当时最具号召力的爵士乐手迈尔士戴维斯（Miles Davis）希望能夠走出一条新的道路，他带领乐团，录制了《In A Silent Way》,《Bitches Brew》等专辑，将摇滚、蓝调、放克等节奏融入爵士乐当中，创造出一种革命性的，激进的全新风格，被当时的评论界称为融合爵士"fusion".
然而，所为Fusion，可能是所有爵士乐派当中，意义最不明确，最容易造成混淆的一种分类.为什么这么说呢？首先是它的名字取得不好，毕竟所有的音乐，都是融合的产物，从古典、摇滚、流行到民族音乐，各种风格的音乐元素相互渗透融合，事属寻常，特别把戴维斯七十年代初期发展出来的新风格称为融合乐，本就有些不妥。其次，美国评论界使用这个名字颇不谨慎.到了八、九十年代，媒体上称所谓的融合乐指的是一些偏向流行口味的R&B演奏曲（GRP唱片其下有很多这一类的悦耳录音）.造成同一个名词，讲得可能是天壤的别的东西。这几年来，美国的媒体评论变得比较精确，习惯把戴维斯以及从他的团员延伸出來，融合爵士与搖滚元素的音乐称为"Jazz Rock Fusion"，偏向流行口味平滑松软的演奏曲则称为"Smooth Jazz"。
这里顺便提一下挪威即兴钢琴家Ketil Bjornstad，十七岁时已经是古典音乐界的金童，北欧乐坛视为理所当然的明日之星，那一年，他听到了《In A Silent Way》，大受震撼，转身投入爵士与即兴演奏之路.

schiff

交易区新帖推荐

【Keith Jarrett】在七十年代开展的钢琴即兴独奏，现在已经变成是非常理所当然的事情了，可以说现在每个弹爵士乐的钢琴手，都要面对这一个挑战。然而Keith Jarrett这样做，最大的意义，就是把即兴独奏这件事情，提出来，把它的地位确定得更清楚。
即兴独奏需要非常強大的意志力，我非常佩服【Keith Jarrett】，觉得他最了不起的地方，就是你从他最早的独奏专辑一路听下来，他从来没有任何一段是跟自己重复的，
他永远都能有新的灵感、新的想法，这是非常了不起的。
在乐句的经营上，【Keith Jarrett】永远是以一个简单的动机开始发展，而且他总是有非常明显的laid-back感觉。此外，他不会把各种东西混在一起，
比方说一个chorus的主题是blues，他就会把blues交代得淋漓尽致，再接下去发展下一个主题。
很多人都会把Keith Jarrett跟Bill Evans相提並论。【Keith Jarrett】的和声色彩比Bill Evans还要简洁，Bill Evans用了三个音的地方，Keith Jarrett可能只用两个音，
就能呈现出该有的和声效果。
【Keith Jarrett】最厉害的地方，就是对空间的运用，他很会掌握周围环境的声音，制造出正确的空间感。无论是现场演奏或是录音间，他都能很敏锐地抓到那个空间的声响，
然后把它发挥得淋漓尽致。
不管弹奏的快慢，听Keith Jarrett的音乐很舒服，而且他的音乐很清楚，段落与段落之间的转折都很明白。感觉就像是捏陶的过程...或者像是大海的潮汐，
他永远能在即兴的过程中，寻求到一种平衡感。
先来谈谈Koln Concert对古典音乐学生及爵士音乐学生所造成不同影响，古典音乐的钢琴学生觉得实在太好听了！原来这就是爵士！
所以大家纷纷前赴后继地去买谱或采谱来练，把他的完全即兴贡成技巧宝典，一方面炫耀一下证明自己也会弹爵士，二方面拿这去考技巧考試，可是很显然，他並不欣赏这种举动，认为是离经叛道。
而爵士钢琴学生呢，刚开始分成两种看法：一种是像古典学生一样，一听就被电到，进而为此疯狂；另一种是从爵士的Blues、Swing、Groove那边听来的，
一开始完全无法适应，这也是爵士？但渐渐地他们就体会到，一个优秀的即兴者是不会強迫自己只使用某些素材的，而不论如何，Koln Concert就是好听！
但【Keith Jarrett】不是只能弹这样而已喔！他也是一个实实在在的爵士钢琴手，不但弹过最Hard Bop的Art Blakey & Jazz Messengers，甚至在与Miles Davis的合作中，
他也把Fender Rhodes加上Distortion，弹得非常地猛，跟你们习惯的轻轻柔柔差很多。所以说，像这样的多面向音乐家，在各方面的成就，都足以胜过许多人，
光这点就很了不起的了！而他所带领出来的爵士钢琴三重奏，虽不能称得上是创始，但也是数一数二地有名了！听听看，
每个钢琴三重奏因乐手的个性而产生不同的感觉—Bill Evans的三重奏真是经典，他们所开创的对话式演奏法，已经成为一种标准的模式；而Bill Evans的作曲、
Scot LaFaro的旋律线，以及Paul Motian的互动，都已影响深远，深入许多当代乐手的心中了。而John Coltrane的McCoy Tyner、Elvin Jones、Jimmy Garrison，
则是属于強力型的组合，一方面是因为在Coltrane四重奏中所锻炼出来的气势，二方面则是当时的气氛环境使然，他们的声音多少都有一种突破的感觉，
不是只有乖乖地在旁边伴奏而已。而像Herbie Hancock与Ron Carter、Tony Williams帮Miles伴奏的这组，以及Chick Corea与Miroslav Vitous、
Roy Haynes的Now He Sings , Now He Sobs这组，甚至像Thelonious Monk与Larry Gales、Ben Riley的长年合作，都是典范中的典范，值得反复聆听，比较学习。

schiff

十个可以信赖的爵士乐唱片出版厂牌


1、Fzntasy 是最庞大的爵士乐厂牌，他底下包括pablo\milestone\riverside和original jazz classics等许多厂牌。在爵士乐的历史上哪怕只有一点名气的都在其出过唱片，更不用说那些大牌了。
2、EMD/BLUE NOTE RECORDS
成立于1939年的B的最初格言是：扑捉火热爵士乐或摇摆乐的感情悸动，而不是那些有卖相的装饰品。
3、PGD/VERVE/POLYGRAM
从1950年以来难以枚举的爵士巨人在这里出过唱片。而今仍然在努力的工作着。
4、BMG CLASSICS/RCA/BLUEBIRD
在这里有很多原汁原味的老爵士唱片。
5、BLACK SAINT/SOUL NOTE
这是一家意大利厂牌的公司，在自由和前卫爵士乐刚刚出来的时候就坚定的站在潮流的前线。
6、ESP
这是一个纽约的厂牌，是自由爵士乐的坚定支持者。在他旗下的大多是1960年代后期名不见经传但非常出色的地下试验爵士乐手。
7、UNI/GRP/IMPULSE
这是一家非常注重所出唱片艺术水平的公司。除了一些先锋的爵士乐外，他还对一些主流爵士乐感兴趣。都能保证质量。
8、SONY/COLUMBIA
这个恐龙级的厂牌下面你能找到所有爵士乐主流经典人物的专集和很多经典唱片。
9、CONCORS JAZZ
1970年成立位于旧金山，最重要的贡献是Live At Maybeck Hall钢琴独奏的系列唱片，他的副厂牌CONCORD PICANTE 是重要的拉丁爵士乐基地。
10、ECM
将唯美主义作为座右铭，他以实验色彩、新古典主义和广泛地与世界音乐融合的态度而获得所谓“有识阶级”的口碑。

schiff

“数字”爵士

什么是重奏？翻开音乐辞典，“重奏”词条的解释是这样的：少数人（每声部一人）的组合演奏，组合中各成员进行艺术合作，“精湛的重奏”意味着配合默契、声部平衡、演奏浑然一体•;•;•;解释得很简单，但是已经很确切了！
重奏在古典音乐中是主要的室内乐类型，不过是以钢琴三重奏、弦乐四重奏和钢琴四重奏、弦乐五重奏和钢琴五重奏（弦乐四重奏再加一架钢琴）这五种编成居多，而在爵士乐的广阔天地里，重奏又有着更加重要的地位。说起爵士乐的重奏，其作品之丰富多彩、编成之灵活多样、演奏之即兴多变，恐怕是任何一个对爵士乐不抱偏见的聆乐人都不能不为之激赏的！笔者本人就是一个爵士乐迷，在爵士乐的海洋里畅游多年，从中真正得到了一种美妙无比的享受，如今把爵士乐的各种重奏形式以及代表唱片（推荐的都是在市面上容易找到的近十余年中出版的较新品种）介绍给各位初涉爵士的乐友，衷心希望乐友们也能爱上爵士乐！
按照编成的不同，爵士乐的重奏可分为二重奏、三重奏、四重奏、五重奏、六重奏等多种。虽然器乐独奏不属于重奏范畴，但考虑到独奏本就是重奏的基础，笔者还是把器乐独奏也列入文中——这样一来，从“一”到“六”，按编成数字依次排列，或许我们可以把这种排列方式叫做“数字爵士”？

爵士独奏（JAZZ SOLO）

在爵士乐里，最常见的器乐独奏当然是由钢琴担任的。
钢琴是公认的“乐器之王”，这种“至尊”地位无论在古典音乐还是爵士乐中都是毋庸置疑的。钢琴的键盘长达七个八度，甚至还有七个八度再加一个小三度的，音域真是极宽，音色也十分丰富，而乐手可以同时用左右两手触键演奏，还可以通过踩踏钢琴下部贴地处的延音踏板和弱音踏板来控制音长与音量，这个形制特点决定了钢琴在旋律、和弦和节奏上都能大显身手，其表现力是其它乐器都无法比拟的！正因为如此，无论在古典音乐还是爵士乐里，钢琴都是最主要的独奏乐器。
爵士乐里的钢琴独奏，无疑也凸显出爵士乐本身所固有的特性——调性多变，节奏多变，速度自由，切分丰富，即兴华彩乐段更是不可或缺。在超过一百年的爵士乐历史上，能够称得上“大师”的钢琴家真是不胜枚举，但是能够经常以钢琴独奏的方式演出或者灌录唱片的还真不多见，特别是在上个世纪上半叶的时候。在这里，笔者给乐友们推荐近年由爵士钢琴名家录制的一张独奏专辑：
《孤身孑影》（“ONE ALONE”）
演奏：戴夫•;布鲁贝克（DAVE BRUBECK）
出版：美国TELARC唱片公司，2000年
编号：TELARC CD-83510
戴夫•;布鲁贝克（1920— ）这位令人尊敬的白皮肤爵士大师少小成名，1954年就凭借逼人的名望成为《时代》周刊的封面人物，1959年推出不朽专辑《中止》（“TIME OUT”），作为历史上录音最多的爵士乐手之一，他推出了超过一百张的唱片，在古稀之年还与TELARC签约，录制了不少独奏与重奏作品。他一辈子走的几乎都是“清凉爵士”（COOL JAZZ，港台译作“酷派爵士”）的路子，演奏风格清新简洁，体现出接近于古典钢琴演奏的自制和典雅，不以快速的装饰音符或者高热度的华丽即兴弹奏取胜，是一位颇具个人特色的乐坛泰斗。
以前戴夫在TELARC还推出过一张名为《只有你，只有我》（“JUST YOU，JUST ME”）（编号TELARC CD-83363）的独奏专辑，而这张《孤身孑影》则是他在1997年到2000年间独奏录音的合集。本碟收入包括戴夫自己作品《夏日之歌》（“SUMMER SONG”）和《不再哭泣》（“WEEP NO MORE”）在内的13首乐曲，是DSD技术的制品，录音质素之高自不待言。如果您要领略一下戴夫•;布鲁贝克这位爵士钢琴巨匠在耄耋之年笑看前尘之际最从容、最平和、最纯粹的个人演奏风格，本碟绝对是不二之选！
与戴夫•;布鲁贝克这张爵士钢琴独奏专辑相似的还有TELARC于2001年出版的青年爵士钢琴名家本尼•;格林（BENNY GREEN）专辑《格林的蓝调》（“GREEN’S BLUES”，编号TELARC CD-83539），也是DSD制品，演录俱佳，同样值得推荐！
除了钢琴，弦乐器中的低音提琴（DOUBLE BASS）、弹拨乐器中的吉他、木管乐器中的萨克管（SAXOPHONE）与单簧管（CLARINET）、铜管乐器中的小号（TRUMPET）、打击乐器中的铁琴（VIBRAPHONE，即电颤琴）等都经常被作为爵士独奏乐器使用，相应的唱片也不算少，因为篇幅有限，笔者就不一一列举了！

爵士二重奏（JAZZ DUET）

重奏与“主奏加伴奏”的形式是不能同日而语的，它的各构成声部地位基本平等，不存在谁“主”谁“辅”的问题，对位、合奏的部分比较多。爵士二重奏最常见的形式是钢琴再加一件以演奏旋律见长的独奏乐器（如萨克管、吉他），比如下面要介绍的这张唱片：
《反对者•;英雄》（“ANTI•;HEROES”）
演奏：李•;柯尼兹（LEE KONITZ），萨克管；吉尔•;伊文斯（GIL EVANS），钢琴
出版：美国VERVE唱片公司，1991年
编号：VERVE 511 622-2
生于1912年的吉尔•;伊文斯是在上个世纪初从加拿大移居到美国的一位白人爵士大师，天才般的钢琴家、作曲家、编曲家和指挥家，正是他，和黑皮肤的伙伴、堪称“爵士乐世纪大师”的迈尔斯•;戴维斯（MILES DAVIS）一起创立了清凉爵士乐派，后来又和迈尔斯一起大胆地将摇滚乐元素融进自己的音乐中，同时还对电贝司和电子合成器兼收并纳，从而创立了“融合爵士”（FUSION）乐派。1927年生的白人萨克斯手李•;柯尼兹是吉尔的老朋友，早在40年代就与吉尔在纽约第55街那个爵士乐大本营频繁的演出交流活动中相识，也是一位清凉爵士的老将。二位爵士大师生平合作良多。1980年1月中旬，李•;柯尼兹与吉尔•;伊文斯在纽约城的格林尼大街开了几场二重奏音乐会，老牌爵士乐唱片公司VERVE到现场录音，本碟就是那几次演出现场录音的选辑。
本碟收录乐曲7首，包括查尔斯•;明各斯（CHARLES MINGUS）、乔治•;格什温（GEORGE GERSHWIN）和安东尼奥•;卡洛斯•;乔宾（ANTONIO CARLOS JOBIM）等人的作品，而压轴的一曲《哥本哈根视线》（“COPENHAGEN SIGHT”）则是吉尔•;伊文斯自己的手笔。李•;柯尼兹在演奏会上换用中音萨克管和高音萨克管，与吉尔合作向听众呈现了一个老到恬和的COOL JAZZ世界。在吉尔的驾驭之下，钢琴展现了它优雅矜持的气质，清冷而不失和美，旋律的进行、和弦的点染、节奏的控制都好到了极点，而李•;柯尼兹的萨克管音色冷峻，速度多变，奏出的旋律极有分寸，绝无滥情之感。这样的二重奏对位精准，音色互补，各尽其致而又浑然一体，配合得真是妙到毫巅！

爵士三重奏（JAZZ TRIO）

在所有的爵士乐编成里，笔者最喜爱的就是爵士三重奏。
爵士三重奏最常见的编成是钢琴、低音提琴和鼓，说起来，这可是最“科学”同时又最简洁、最耐听的编成——钢琴自不必说，旋律、和弦、节奏都胜任有余；低音提琴也是一件令人惊叹的“多用”乐器，作为低音区的强劲支撑，音乐的进行、铺陈组织少不了它，音色的平衡、织体的丰满也依赖于它，旋律、和弦无所不能，独奏、合奏曲尽其致；至于鼓，则更是必不可少的“节奏机器”•;•;•;•;•;•;
爵士三重奏是目前爵士乐坛最主要的编成形式之一，爵士三重奏的唱片自然也不计其数，其中不乏创作、演奏与录音俱佳的名碟，比如下面这张：
《“星巴克”现场演奏会》（“LIVE AT STARBUCKS”）
演奏：雷•;布朗三重奏（RAY BROWN TRIO）
出版：TELARC唱片公司，2000年
编号：TELARC CD-83502
雷•;布朗是美国爵士低音提琴界硕果仅存的一位黑人前辈大师。在上个世纪40年代末、50年代初的时候，雷•;布朗曾经是著名的“现代爵士四重奏”（MODERN JAZZ QUARTET）的最初成员之一，后来他与奥斯卡•;彼得森（OSCAR PETERSON，黑人爵士钢琴大师）、赫伯•;艾利斯（HERB ELLIS，黑人爵士吉他大师）组成的三重奏也已有数十年历史，至今他仍然率领自己的三重奏活跃在舞台上，美国纽约的“蓝调”（BLUE NOTE）、“鸟岛”（BIRDLAND）等有名的爵士俱乐部都是他的三重奏日常演出的“根据地”，而遍布全美的“星巴克”（STARBUCKS）咖啡连锁店也经常邀请他们驻店演出。本碟收录的就是雷•;布朗三重奏于1999年9月22日和23日接连两天在位于美国西北部名城西雅图的杰克逊大街商店内一家“星巴克”现场演出的实况。雷•;布朗三重奏实际上也是一个钢琴三重奏，钢琴手格尔夫•;基泽（GEOFF KEEZER）和鼓手凯利恩•;里金斯（KARRIEM RIGGINS）按年资说来都是雷•;布朗的晚辈，但在意识、经验和技巧上也是绝对不容忽视的翘楚人物，他们与雷•;布朗的合作堪称是极为完美的！本碟收录了11首乐曲，其中有雷•;布朗自己的3首作品《向上》（“UP THERE”）、《布朗芭莎》（“BROWN BOSSA”）和《星巴克蓝调》（“STARBUCKS BLUES”），也有维克多•;扬（VICTOR YOUNG）、“公爵”艾灵顿（DUKE ELLINGTON）、李斯特•;扬（LESTER YOUNG）等名家的名作，如《当我堕入情网》（“WHEN I FALL IN LOVE”）、《疯狂地爱你》（“LOVE YOU MADLY”）、《旅队》（“CARAVAN”）。与一般钢琴三重奏不同的是，在本碟中雷•;布朗的低音提琴是最吃重的，弦音低沉遒劲，诸般技法用得精妙有加、纯熟无比，徐疾自如，刚柔相济，能让听者感受到一种压迫心胸的巨大张力。技艺高超的钢琴手格尔夫•;基泽在节奏与速度上把握得极好，旋律与和弦信手拈来，与雷•;布朗和凯利恩•;里金斯配合默契得如同一人。本碟也采用了DSD录音技术，效果值得赞赏，低音提琴力度沉雄、量感扎实，钢琴音色温润优雅，鼓声强弱靡遗，种种微妙细节与现场掌声从弱到强再从强到弱的整个渐变过程都有着极佳的表现！
除了上述这张名碟，值得关注的钢琴三重奏唱片还有很多，仅就新唱片而言，由法国著名的雅克斯•;路西尔三重奏（JACQUES LOUSSIER）演录的系列TELARC唱片《演奏巴赫》（“PLAY BACH”，编号TELARC CD-83411）、《四季》（“FOUR SEASONS”，编号TELARC CD-83417）、《萨蒂》（“SATIE”，编号TELARC CD-83431）、《拉威尔的“波莱罗”》（“RAVEL’S BOLERO”，编号TELARC CD-83466）、《巴赫手册》（“THE BACH BOOK”，编号TELARC CD-83474）、《巴赫哥德堡变奏曲》（“BACH’S GOLDBERG VARIATIONS”，编号TELARC CD-83479）、《演奏德彪西》（“PLAY DEBUSSY”，编号TELARC CD-83511）以及《巴洛克名曲》（“BAROQUE FAVORITES”，编号TELARC CD-83516）以创造性的手法对大家耳熟能详的古典名曲进行极有价值的改编，轻轻松松跨越了古典音乐的界限，演绎与录音都是一级棒，听来别开生面、意兴盎然，都称得上是不可多得的爵士三重奏珍品唱片，乐友们大可以见一张收一张！

爵士四重奏（JAZZ QUARTET）

相对于爵士三重奏“钢琴 + 低音提琴 + 鼓”的基本编成来说，爵士四重奏的编成就要自由开放得多！低音提琴和鼓仍然是不可或缺的要件，而钢琴虽然依旧重要，但已不再是必需的了！一般来说，传统的爵士四重奏就是在三重奏——钢琴、低音提琴和鼓——的基础上加上一件萨克管或者吉他之类的特色乐器，比如下面这张经典唱片：
《在美国和英国的两轮演奏会》（“DOUBLE LIVE FROM THE USA & UK”）
演奏：戴夫•;布鲁贝克四重奏（DAVE BRUBECK QUARTET）
出版：TELARC唱片公司，2001年
编号：TELARC 2CD-83400（双碟）
本碟收录的是戴夫•;布鲁贝克和他的四重奏于1995年6月11日、12日接连两天在美国华盛顿国家大教堂以及1998年11月中旬在英国3个城市演出的实况精选。戴夫•;布鲁贝克四重奏的编成就是钢琴、低音提琴、鼓再加一支中音萨克管，中音萨克斯手是波比•;米里特洛（BOBBY MILITELLO）。戴夫的钢琴演奏就不必说了，中音萨克管的SOLO也是极有灵性的，汪洋恣肆，自由不羁，气息似乎永不穷尽，实在令人叹为“听”止！有了这支神魔一般奇妙的萨克管在，戴夫•;布鲁贝克四重奏就有了更强的可塑性和多变性，庄谐随心，曲尽其妙，听来尤为过瘾！
除此之外还有不少唱片，象德国著名的实验性爵士厂牌ECM出版的LIVE版专辑《心灵之眼》（“EYES OF THE HEART”，编号ECM 1150 422 825 476-2）收入的是爵士钢琴大师凯斯•;杰瑞特（KEITH JARRETT）、低音提琴大师查理•;海登（CHARLIE HADEN）、鼓手保罗•;马田（PAUL MOTIAN）以及次中音萨克斯手德维•;雷德曼（DEWEY REDMAN）组成的四重奏于1976年5月在奥地利举行演奏会的经典实况录音，而历史悠久的美国爵士唱片厂牌VERVE出版的《在天使之城》（“IN ANGEL CITY”，编号VERVE 837 031-2）则是查理•;海登和他的“西方四重奏”（QUARTET WEST）于1988年录制的自由爵士风格的专辑，它们都是值得推荐的爵士钢琴四重奏经典名碟。
上面提到的是主流编成的爵士四重奏，其实另一种四重奏编成也很常见，那就是把钢琴完全抛开，仅以两种特色旋律乐器与低音提琴、鼓合作，前辈爵士吉他大师吉姆•;霍尔（JIM HALL）和萨克管及单簧管大师乔•;拉瓦诺（JOE LOVANO）、低音提琴大师乔治•;马拉兹（GEORGE MRAZ）以及鼓手路易斯•;纳什（LEWIS NASH）组成的四重奏就是这样的一个典范。2000年出版的TELARC唱片《大满贯》（“GRAND SLAM”，编号TELARC CD-83485）就收录了吉姆•;霍尔四重奏于2000年1月20日至22日在美国马萨诸塞州剑桥市查尔斯酒店内的REGATTABAR即“赛舟会”酒吧演出的现场实况，演录俱佳，确属珍品！还有两位爵士吉他大师约翰•;斯科菲尔德（JOHN SCOFIELD）、派特•;米塞尼（PAT METHENY）与低音吉他（替代低音提琴）、鼓组成的四重奏于1993年12月演录的专辑唱片《从这儿我能看到你的房子》（“I CAN SEE YOUR HOUSE FROM HERE”，编号BLUE NOTE D102744）也相当优秀，值得乐友们垂注。

爵士五重奏（JAZZ QUINTET）

在爵士五重奏中，钢琴、低音提琴和鼓都必不可少，而“小号 + 萨克管”或者“吉他 +萨克管”之类的特色组合则决定了五重奏的色彩个性。与四重奏相比，爵士五重奏的表现力应该说是更强的。因为配器更加丰富，编曲更加复杂，爵士五重奏的音色也会更加多变，多声部对位的部分一般也会出现得更多一些。爵士五重奏的靓碟也为数不少，笔者颇费了一番踌躇，还是决定给乐友们推荐下面这张较新的TELARC唱片：
《回到“鸟岛”》（“BACK TO BIRDLAND”）
演奏：乔治•;谢林五重奏（GEORGE SHEARING QUINTET）
出版：TELARC唱片公司，2001年
编号：TELARC CD-83524
如果不事先提醒，您一定不会意识到乔治•;谢林这位令人尊敬的前辈爵士钢琴大师竟是个盲眼之人——那炉火纯青、出神入化的迷人琴技，那云淡风清、恬和不惊的从容气度，又岂是一般明眼人所能够企及的？“鸟岛”（BIRDLAND）是纽约著名的爵士乐俱乐部的名字，但同用此名的有两家俱乐部，一家位于百老汇靠近第52街处，另一家则在西44街，本碟碟名中的“鸟岛”指的就是后者。1952年，应西44街“鸟岛”老板之邀，乔治•;谢林写下《“鸟岛”摇篮曲》（“LULLABY OF BIRDLAND”）作为“鸟岛”的招牌曲，半个世纪以来唱奏过此曲的爵士音乐家和乐团真是不计其数！2000年10月12日，已到耄耋之年的乔治•;谢林带上他的五重奏回到西44街“鸟岛”，接连3天倾情献演，本碟就是那3天演出的现场录音精选辑。乔治•;谢林五重奏的编成是钢琴、铁琴（即电颤琴）、吉他、低音提琴和鼓，演奏的12首乐曲都是50年代他曾经在“鸟岛”演奏过的，包括《带我飞向月亮》（“FLY ME TO THE MOON”）、《星期天、星期一或者永远》（“SUNDAY，MONDAY OR ALWAYS”）、《轻言细语》（“SPEAK LOW”）、《快乐春天》（“JOY SPRING”）、《只是设想》（“JUST IMAGINE”）等，其中自然也少不了那首《“鸟岛”摇篮曲》。本碟中的钢琴和铁琴都发扬了音色明丽、如行云流水般畅快的优势，情致悠然，吉他弹拨捻拢、缓疾自如，低音提琴和鼓则谨守着节奏部，点到即止，分寸适宜•;•;•;•;•;•;这样一支顶尖水准的爵士五重奏，真值得我们虔心聆听呢！

爵士六重奏（JAZZ SEXTET）

比较而言，爵士六重奏要少见得多。在编成方面，它也是以三重奏即钢琴、低音提琴和鼓配合为基础的。比如下面这张唱片：
《与我们时代的次中音在一起》（“WITH THE TENORS OF OUR TIME”）
演奏：罗伊•;哈格罗夫五重奏（ROY HARGROVE QUINTET）与次中音萨克管众名家
出版：VERVE唱片公司，1994年
编号：VERVE 314 523 019-2
爵士小号名家罗伊•;哈格罗夫的五重奏编成是小号（夫吕号）、萨克管（次中音与高音）、钢琴、低音提琴和鼓。1994年1月中旬，罗伊•;哈格罗夫五重奏与乔•;亨德森（JOE HENDERSON）、约翰尼•;格里芬（JOHN GRIFFIN）、布兰福•;马萨利斯（BRANFORD MARSALIS）、约舒亚•;雷德曼（JOSHUA REDMAN）、斯坦利•;图伦丁（STANLEY TURRENTINE）5位特邀的次中音萨克管名家合作，在纽约录制了这张极为优秀的唱片。本碟收入12首乐曲，包括《翡翠阴影》（“SHADE OF JADE”）、《平静》（“SERENITY”）、《热切轻走》（“VALSE HOT”）、《越过池塘》（“ACROSS THE POND”）等，其中既有罗伊自己的作品，也有一些由特邀名家创作，而且每一首乐曲都由一位特邀的次中音萨克管名家与罗伊•;哈格罗夫五重奏合作演奏——这样的合作实际上造就了一支临时组合但是绝对优秀的爵士六重奏！在这支“临时”六重奏中，罗伊•;哈格罗夫的小号和特邀名家的次中音萨克管总是最为吃重，淋漓酣畅的SOLO和自由精准的对位令人惊讶，全部6人的配合之默契是无懈可击的，简洁耐听的旋律、徐疾随心的节奏和丰富多变的音色引人入胜。六重奏的表现力固然很强，但它对乐手的经验、技巧、举一反三能力的要求也很高，这张唱片就证明“临时性”的罗伊•;哈格罗夫六重奏也是不负众望的！
以上介绍的是目前爵士乐重奏的主流编成类型，相比较而言，七重奏、八重奏和九重奏甚至十重奏都可以说是“非主流”了！曾经在30年代末担任过“公爵”艾灵顿大乐团首席萨克斯手的约翰尼•;霍吉斯（JOHNNY HODGES）后来组建过一支自己的七重奏乐团，名曲《让我们相爱》（“LET’S FALL IN LOVE”）就是他明星荟萃的七重奏于1958年8月14日在纽约城录制的。已故的爵士乐世纪大师迈尔斯•;戴维斯（MILES DAVIS）生前就组建过具有划时代意义的九重奏乐团，已故萨克管大师、编曲家格里•;慕利根（GERRY MULLIGAN）曾为迈尔斯•;戴维斯编过九重奏乐曲，在爵士乐坛留下了几簇异香奇葩。因为篇幅有限，笔者就不一一列举这些“非主流”编成的代表唱片了，而象“大乐团”（BIG BAND）这样曾经领一代风骚的大型爵士乐编成，则留待以后再专文介绍吧！

schiff

我喜欢的爵士乐唱片（五）
编号：chesky JD37
碟名：Jazz Sampler VOL.1
演奏者：chesky旗下众爵士乐高手
录音：1988-89年录制于纽约RCA“A”录音室，DDD，录音师Bob Katz。
曲目：这张CD的曲目分两个部分，第一部分是9首爵士乐精选，第二部分从10-30，是测试效果音乐，这里之列出1-9的爵士乐精选的曲目
1.TICO,TICO 5:31
2.Stompin' at the Savoy 4:01
3.Viola Fora de Moda 6:02
4.Club de Sol 7:26
5.Charles Christophor 4:51
6.Meditation 3:34
7.Pennis from Heaven 5:57
8.Samba de Orfeo 3:33
9.The Song is You 4:02
音乐部分总计 44:47
内容：这张CD是chesky公司的一张很有特色的CD，斑竹比较喜欢CHESKY公司的CD，因为CHESKY公司的录音不象某些小发烧公司，录音强调强劲的低频和大的动态，把这些作为卖点。CHESKY公司的录音音场的表现相当出色，宽度和深度均有另人满意的表现，尤其是录音中的乐器分离度和定位相当令人记忆深刻。相比另一著名的RR公司，斑竹更喜欢CHESKY的录音效果。这张JD37的爵士乐CD就是CHESKY公司精选的9首以前的CD里录音好，音乐好听的爵士乐。从第一首到第9首，听来还带有一些民谣土风的味道，演奏者既有象BENNY GOODMAN这样的名手，更多的是名不见经传的爵士乐手，但各个是高手确定无疑。在录音中的高频表现尤其出色，敲击乐器中的铃相当清脆。这9首JAZZ给人感觉是一种精致化了的JAZZ，跟我们听惯的酒吧JAZZ似乎有那么点不同，斑竹感觉略有点贵族化的倾向，具体是什么意思，还请大家自己听了也来评价评价。另外这张CD的第2 部分也很有特点，从第10-30轨，是CHESKY公司精选的一些测试音轨。比如第10段是音场阔度的测试，有一个男声分别在两音箱中间到音箱外的位置说话。让人特别惊奇。尤其是当人声明显超出音箱外侧的时候，让人叫绝。我让一个烧友朋友蒙上眼睛听，当人声移到右音箱外侧大约50CM的地方，他吓了一跳。还有第11轨一一个喷气小物件在两个音箱见划出一道弧线的用动轨迹。斑竹的音响系统并不高档，也能听出来这个奇特的效果。不由不让人对CHESKY的录音啧啧赞叹。第12轨是音场纵深测试，一个人从舞台前面漫漫移动到后面。效果怎么样，就请你自己听听吧。另外补充一点，后面的一些测试音乐也都是JAZZ音乐，别有风味，斑竹认为这是一张别有风味的爵士乐唱片。

schiff

出品公司：Clarity Recordings 编号：CCD-1015 碟名：Chico Freeman -- The Emissary
演奏者：Chico.Freeman （高音与次高音萨克斯）与众土风爵士乐高手 录音：1995年美国加州
斑竹一直以为写唱片碟评是一件很难的事情，凡事一沾上艺术就似乎很难完全用语言描述。特别是音乐和美术，音乐从唱片上传到人耳朵了
只是一种空气的波动，而且传到耳朵里以后就消失了。美术也是，固定在画面上的只是一些各种颜色的颜料，但是组合在一起就对人的眼睛有
不同的刺激。因此想用语言文字来描写一种无形的，迅疾消失的组合感觉确实是勉为其难，你笔下的“响如惊雷，急如闪电”的爆棚在另一个
人听来也许就是刺耳粗躁的巨响而已，写下“层次分明，远近可闻”更是对没听过唱片的人来说是无从想象。从这些角度考虑，斑竹总是在碟
评里尽量多的介绍些关于唱片的“硬因素”比如演奏者背景，音乐风格，录音情况等，至于其中的好坏，还是需要大家自己听听才好。
这张“使者”是美国小公司Clarity的一张发烧爵士乐录音，说是爵士乐，按我的看法已经是一种FUSION了，我仔细看了唱片里的小册子，主
要演奏者奇科.弗里曼20多年的演奏生涯里一直就在尝试和研究不同种类的跨界音乐。他常常联合一些民族，土风，摇滚等各界音乐演奏家来联
合演奏。他出生于芝家哥，父亲就是一个萨克斯手，而他的叔叔也是一个著名的爵士乐手。因此在CHICO还是学生的时候就常常演奏爵士和蓝调
不过别以为他只是个街头或酒巴乐手，CHICO可是毕业于美国著名的西北大学，并获数学学士学位，很奇怪吧，居然是个纯理科的家伙。大学毕
业后他继续到华盛顿州立大学攻读音乐研究生。这张“使者”专集也是CHICO和一个著名的爵士组合的合作，这个组合叫“杰士.琼斯拉丁爵士
组”看了名字就知道，演奏里一定有浓浓的拉丁风格。确实如此。这张专集里的每一曲都有很浓的拉丁味，使用了康加鼓等很有特色的民族乐
器。有人声出现的地方都是那种苍老沙沙的人声，极为过瘾。CD里共12首21曲子，曲目既有Dun Dum Ba这样的拉丁爵士，也有Seven Steps to
Heaven这样的爵士名曲，也有CHICO自己组曲的“使者”一曲。音乐性不容怀疑。值得注意的是这是一张发烧CD，录音质量非常之好，小册子里
有一段专门介绍了CLARITY的录音秘籍，有兴趣的朋友也可研究研究，整体的效果是乐器特别清脆，音场特别开阔，定位感极好。我觉得比
CHESKY的两张JAZZ试音碟的录音效果要胜一筹。喜欢发烧录音的朋友更是不可错过。这张CD在CD圣经里可是上榜至少5年了哦。在阳光晴朗的初
夏时节，吃着刨冰听此碟，那还不爽到极点！。



我喜欢的爵士乐唱片（三）

编号：LINN AKD 084
碟名：The Sound Of Love
演奏者：Tommy smith萨克斯风； Kenny Barron钢琴； Peter Washington倍司； Billy Drummond爵士鼓
录音：1997年9月录制于纽约克林顿录音室（好象跟美国总统没什么关系：-）），使用了模拟2声道直刻母带的技术。
曲目：1.Johnny come lately 6:15(Johhny最近来过）
2.The Star-Crossed Lovers 3:48 （不幸的情人）
3.In a sentimental mood 4:22（伤感心情）
4.A flower is a lovesome thing 6:54（一只可爱的花）
5.Chelsea Bridge 6:44（切尔西桥）
6.Isfahan 8:40（伊斯法罕（一个伊朗城市名字））
7.Duke Ellington's sound of love 3:30Duke Ellington的爱之声）
8.Sophisticated lady 7:37（久经事故的女士）
9.Passion Flower 4:03（激情花朵）
10.Solitude 1:55（孤独）
11.Prelude to a kiss 6:34（亲吻的前奏）
12 Cottontail 6:30（野兔）
内容：这张CD是一张相对比较新的JAZZ CD，说比较新，是指演奏者和录制时间，其实里面的曲目基本都是Duke Ellington和Billy Strayhorn的作品。由钢琴手Lenny Barron重新配器编曲。斑竹喜欢这张CD是因为它真的是一张最合适的背景音乐CD，里面的曲子基本都是慢节奏，TOMMY的SAX也吹奏的相当有水准，把曲子里的一种淡淡的惆怅味表现的很浓郁，辛丰年在他的文章里说：惆怅”真是一个好词，英语里没有什么特别合适的对应单词，斑竹深以为然。这张CD你仔细品位，可以感受“爱”的味道，不仔细聆听，只是作为背景音乐来放，你会发现时间怎么一下就不知不觉的过掉了一个多小时。顺便说说LINN，大家可能知道LINN 是一个英国著名的HI-END音响器材厂家，有著名的SOLTEK12唱盘，还有贵到吓死人的SOLTEK 12 CD（要价2万美金！）。其实LINN也出品了不少很好的唱片，这点上有点和美国的wilson audio相似，都是出的唱片很少，但一出基本都是极好的CD（包括音乐和录音）。这点不知国内的器材公司何日能作到。



斑竹最喜欢的十张爵士乐唱片（二）
编号：TELARC Digital 20Bit CD-83341
名称：Perlman Peterson Side By Side
录制：立体声录音 1994年4月录制于纽约的Master Sound Astoria
演奏者：Itzhak Perlman小提琴，Oscar Peterson钢琴，Herb Ellis吉他，Ray Brown倍司，Grady Tate敲鼓。
曲目：1.Dark Eyes 6:08(黑眼睛）
2.Stormy Weather 4:50(暴雨天）
3.Georgia on my mind 5:42(佐治亚的回忆）
4.Blue Skiess 4:43(蓝天）
5.Misty 5:34（薄雾）
6.Mack the Knife 3:29（老兄，刀子）
7.Nighttime 6:13（夜间）
8.i loves you Porgy 4:47(Porgy我爱你)
9.on the trail 4:33(在小路上）
10.yours is my heart alone 5:24(你是我心里的孤独）
11.Makin' whoopee 4:44(制造喧闹）
12。why think about tomorrow 5:23(为什么去想 明天）
这个是一张斑竹认为可以归入发烧碟的唱片，记得在早先的讨论里斑竹对发烧碟有一个观点，就是发烧碟要有三个标准：一是里面的曲目要好听，二是录音的HI-FI效果要好，三是在CD制作上有新技术的使用。这张碟就满足了以上三个条件。从第一点来看，首先在爵士乐里把小提琴作为主奏乐器就很少见（印象里还有一个格拉佩里）。因此这里面的曲目能给人一种新鲜的感觉。演奏者帕尔曼和奥斯卡彼德森一个在古典界一个在JAZZ界都是大名鼎鼎的人物，居然在这张碟里成功的合作，这本身就是一种音乐的魅力所在。象倍司RAY BROWN也是JAZZ界一流的倍司手。可以说演奏者都具有了一流的水准。碟中的曲目基本上也都属于小编制的，相当于古典里的五重奏性质的演奏。主要以小提琴和钢琴为主。你可以想象在一个鸡尾酒会上，中等强度的灯光映照着大厅，你品着一杯血色吗利，有心无心的欣赏着这些音乐。真是一种享受。这里面的曲子很容易让你全身放松。由于小提琴在JAZZ里比较少见，以JAZZ的节奏和曲调演奏，真是很特别的情调。这更引证了音乐是无束缚的。从第二点来看，TELARC公司录制的CD一向讲究HIFI效果，看CD说明书，光MICROPHONE就使用了Sennheiser MKH-20 MKH40;B&K 4004 4011;Schoeps M-221B/MK2(胆咪）,Sanken CU-41等。调音台是Neve V-3.监听音箱ATC SCM-20....实际听下来，声场的阔度和纵深都有很好的表现，乐器的结象度也很好，具有很好的现场感，背景燥声也非常低。从第三点看，在94年，6年半前，telarc公司为录制这张CD就使用了UltraAnalog 20bit-DAC,在20bit到16bit的转化中就已经使用了Apogee UV22 超分辨率编码技术。在CD说明书里专门有一段介绍了新20BIT技术是如何改进CD声音的，大家可以看看。

格拉佩里老而弥坚，拉卡图斯是个魔鬼
粥大叔的JAZZ水平真可以啊，我也喜欢这张CD，像是另一个帕尔曼，
更加自由、动人。格拉佩里我好不容易买到一张，被看穿我心思的老板
要到115元，不过我还只听过一次，说不出太多感受，但直觉不比这张
差，推荐给粥大叔没错的。匈牙利的拉卡图斯也算是个JAZZ小提琴家，
虽然曲子多取材于民间音乐，但JAZZ味还是很浓，他简直是个魔鬼。
今年在北京保利看过他的现场，真是叹为观止，他领着第二小提琴、吉
他、贝司、鼓组成五重奏，运弓快时急风骤雨，让人透不过气来，柔时
婉转纤细且富有歌唱性，极像是女高音在唱歌，他用吉他的轮指手法在
小提琴上长时间的轮，且音色不乱，还用细若柔丝的声音模仿百鸟的叫
声，让人大开眼界，怪不得当年梅纽因给予很高评价并常飞去看他的演
出。

schiff

我喜欢的爵士乐唱片（九）
编号：PROPHONE PRCD 7778
碟名：Jazz at Pawnshop（当铺爵士）
演奏者：Arne Domnerus 萨克斯与单簧管；Bengt Hallberg钢琴；Lars Erstrand电子颤音琴；Georg Riedel倍司；Egil Johansen爵士鼓
录音：1976年12月录制与Stampen爵士俱乐部，1996年4月数码Remaster，瑞典制作
曲目：1.Limehouse Blues 9:56
2.I'm Confessin' 8:02
3.High Life 7:12
4.Jeep's Blues 6:59
5.Lady Be good 9:22
6.Take Five 6:58
7.Everything Happens to me 5:18
8.Barbados 8:20
9.Stuffy 7:05
音乐播放时间总计 69:12
内容：这张CD就是大家经常听到的“当铺爵士”的“瑞典原版”。虽然现在比较知名的是由FIM公司从新制作发行的HDCD和XRCD版本（都是双CD），不过我收藏的还是瑞典的单张原版。前面有朋友问是不是除了第三首HIGH LIFE外其他的都不好听，这个斑竹可以肯定的回答，曲曲动听！我想第三首可能是因为比较活跃，节奏感强，鼓手有即兴发挥，因此才会被其他碟所精选收录，斑竹所购买的Burmester CD03和FIM Audiophile Rerference II里都收录了第三首 ：））这张碟的特色就是小室内空间的现场感强，你甚至可以体会到香烟的烟雾缓慢的升起。。。弥漫在一个昏暗的酒吧里。除了第三首外，第6和第8首的节奏感也比较快。其余的一些慢速的曲子也是“韵味十足”，听爵士乐很讲究“味道”这就是一张很有味道的CD。至于录音水平无可质疑，空间感极好，左右声场的定位可以考验你的器材，而纵深的空间感更是一绝，收银机的开关声，咖啡勺搅拌冰块的声音以及掌声的定位，都让人体会到演奏者与聆听者之间的和谐关系。。。


我喜欢的爵士乐唱片（十）
编号：WILSON AUDIOPHILE WCD-8418
碟名：S'Wonderful Jazz（1988年出品）
演奏者：Eddie Graham爵士三重奏（Eddie Graham爵士鼓，Jane Jarvis钢琴,Jim Dejulio倍司）
录音：录制于Mario餐馆，加里副尼亚，录音师David A.Wilson
曲目：1.S'Wonderful 4:21
2.Cherokee 5:14
3.That Old feeling 5:49
4.You are too Beatiful 4:52
5.Bali Hai 5:51
6.Jitterbug Waltz 4:24
7.You've changed 6:17
音乐播放时间总计 36:48
内容：这是一张发烧音响器材公司WILSON AUDIO公司出品的JAZZ唱片，大家都知道WILSON AUDIO公司也出品一些发烧CD，比如著名的“黄碟”。这张CD就是一张非常出色的爵士三重奏CD，CD的介绍中引用了著名的爵士大乐队的领军人物Count Basie的话：“鼓手是乐队的老板，而不仅仅是乐队的指挥，如果鼓手错了，那么就什么都没了。。。”这张CD就是一个以爵士鼓为主的三重奏组合。前面介绍的一些JAZZ CD里爵士鼓基本是掌握节奏或偶尔即兴发挥一段，主角往往不是小号就是SAXPHONE，在S'Wonderful Jazz里，爵士鼓有很精妙的表现，其实这个组合是很简单的，但是听里面的爵士鼓觉得敲击乐表达了很传神的魅力。斑竹以为人类是比较容易被敲击的乐器调动起情绪的，大家在听“炎黄第一鼓‘的时候是不是有这种感觉，”鼓诗”固然凭震撼的敲击让人激动不已，但后面的一些不以激烈的低频为主要因素的敲击更让人兴奋。这张爵士三重奏就是这样的，鼓手的敲击很轻松的就确立了节奏的主调，而钢琴和倍司应和的也很巧妙，即避免了仅有鼓的单调，偶尔钢琴也即兴做主一番，但爵士鼓总是在最后有完美的结尾。Wilson的录音自然在水准之上。不过有一点需要注意，我个人认为此碟聆听对音响的要求较高，在平价音响特别是采用小书架音箱上或功放力水不够，就比较难达到较好的表现（但此碟的音乐决非靠低频和爆棚做卖点）。斑竹的平价组合只能品尝它的一些韵味，但要再上一层楼，大概又要破费了。。。
最后，这次我喜欢的10张爵士乐CD就道此告一段落，其实10张只是一种通俗的选择，其他诸如“蓝调咖啡屋”等很好的爵士CD都没有很好的介绍，不过么这个形式只是一种形式而已，有了好心情，以后我还会继续给大家介绍一些我喜欢的爵士乐CD，毕竟斑竹跟大家一样只是一个普通的爱乐者，在古典乐上没有很大的兴趣做很多版本的比较，在爵士乐上对新派爵士也没什么研究，希望大家能喜欢这种以个人经验推荐的CD，那斑竹的目的就达到了，下面斑竹初步想涉及谈一些大提琴的CD。请大家等待。。。

schiff

十張古典迷的入門爵士樂錄音

作者：郭思蔚

以爵士樂的即興精神而言，照譜演奏的古典音樂似乎與它格格不入。不過，如果我們將時光回溯到作曲家即是演奏家的時代，也就是巴洛克與古典樂派前期，包括巴哈、莫札特都把即興演奏當家常便飯。古典音樂迷是否想要回歸到不受束縛的自由時代呢？以下十張爵士樂將提供古典迷另一扇欣賞之窗。

「我一直都聽古典音樂，很想也開始聽爵士樂，可是卻不知道怎麼入門。」「到底如何欣賞爵士樂？應該從那些唱片開始聽呢？」「有可能同時喜歡爵士樂和古典音樂嗎？」以上像是你曾經有過的疑問嗎？我在購買指南第三十八期和三十九期裡介紹過兩家再版爵士唱片的Mosaic和Impulse!公司之後，有一些讀者經由電子郵件，向我提出這些疑問，引發了我重新思考自己當初是如何開始欣賞爵士樂的？

爵士樂到底是什麼？ 首先，我絕對不是爵士樂的專家。自己聽爵士樂的歷史，也不過自十年前來美國才開始真正開竅，還不到聽古典音樂時間的一半。和聽古典音樂一樣，我對爵士的喜愛了解，完全是自己摸索，嘗試錯誤中學習。我想因為環境的關係，台灣的愛樂者，幾乎都是先接觸古典音樂或是流行音樂，還沒有聽說過有人是從爵士入音樂之門的。在文字資訊、音樂軟體、現場或電臺接觸機會都極度缺乏的情形下，爵士樂一直是舞台陰暗角落處面目模糊的小配角。甚至不少人對爵士樂有偏頗，甚至錯誤的認識：例如認為器樂演奏的流行曲調就是爵士樂，肯尼．G的音樂就是爵士樂，喬治．溫斯頓的鋼琴獨奏就是爵士樂，節奏與藍調就是爵士樂，靈魂樂就是爵士樂等等。當然，現代的爵士樂也可以包容以上所有音樂的要素，但是我們很難將他們劃上等號而界定出爵士樂的面貌來。那麼，爵士樂到底是什麼呢？ 前不久去逝的偉大爵士小喇叭手「暈眩」．吉列斯比（Dizzy Gillespie）曾經說：「爵士樂是一種你解釋不出來的音樂」。鼓手亞特．布雷基（Art Blakey）也半開玩笑地說：「我不知道爵士樂是什麼樣子的音樂；不過，我知道要是我們演奏出來，聽眾的腳板沒有跟著打拍子，那就不對了！」為什麼他們要這麼故弄玄虛呢？難道爵士樂是一群不會唱歌，不懂樂理，不會視譜的黑人隨興所至現場亂奏的音樂嗎？當然不是！爵士樂有很深的理論基礎，複雜的歷史沿革，交錯分歧的樂派，和古典樂沒有兩樣。著名的爵士樂手中不但有很多白人，還有東方人。他們大多數是受過正統的古典音樂訓練出身的。其實對於一個沒有接觸過古典音樂的人，要用文字語言解釋何謂古典音樂，一樣也是困難無比。但是我們從小耳濡目染，即使在沒有刻意學習的情況下，也經常地接觸古典音樂。例如電視廣告，電影配樂，甚至當年黃俊雄的布袋戲也充斥著古典音樂改編的曲子。因此，我們的記憶中早已把「古典音樂」這幾個字聯結到有聲音的清楚概念了。爵士樂則不然。

經驗分享 本文的目的不在解釋什麼叫爵士樂。我希望以我個人的經驗，提出一些欣賞爵士樂的方法。大家想想看，當年為音樂吸引，不管是古典、流行、國樂、戲曲，是否都是先因為偶而聽了某一段音樂，受到感動，因而產生好奇，進而想更了解剛才聽到的這首樂曲是什麼呢？當然有人會說喜歡音樂是因為從小被逼著學鋼琴、小提琴…而開始的。但是，有可能別人「逼著」你喜歡音樂嗎？還記得伊索寓言裡北風與太陽的故事嗎？沒有發於自我的感動，我們是不可能被迫去喜愛一樣事物的。如果將了解音樂的程度粗分為進門、登堂、入室的話，我自認才不過跨入了爵士樂的門檻，還在往廳堂裡探頭探腦的地步。不敢在此以專家自居，推薦一些「經典」、「必修」錄音給各位。我的想法是根據以上所述一般人對某種音樂發生興趣的程序，將自己如何開始聽爵士樂的經驗和大家分享。我找了幾張市面上應該可以買得到（如果買不到，代理商應該可以進口）的CD，依照當年我聽到這些音樂的經驗，加上一些根據我聽古典音樂的欣賞角度，來解釋這些音樂為什麼迷人（應該說迷我；但是當然希望聽了之後也會迷你！）。

入門何必經典 請不要誤解我是在推薦「爵士必聽經典曲」之類的錄音。這裡除了少數幾張可以稱為經典錄音以外，很多甚至不是其中演出樂手公認為最好的作品。我極力反對聽任何一種音樂應該從「偉大的」、「經典的」曲子著手。因為這些曲子通常需要有某種程度的聆賞經驗，和對音樂的了解，才可以體會出偉大之處何在。以我自己為例，我的「入門」交響曲是白遼士的幻想交響曲，我聽普羅高菲夫第五號交響曲，遠早於貝多芬第五。原因無他，是因為這些曲子對我來說有與眾不同的吸引力。有了喜愛的曲目作為吸引，具備了基本的一點聆聽經驗後，再回頭聽聽所謂的經典曲，方能有更深一層的體會。本著相同的信念，我相信爵士樂也可以用這種方式入門。我撰寫本文時假設本刊的讀者大部分或多或少都有一點古典音樂的基礎了解，因為當初我自己欣賞、認識爵士樂，基本上是以欣賞古典音樂的角度來趨近的。爵士樂和古典音樂一樣，有一大串的專門名詞術語，古往今來的偉大作曲家和演奏家，以及數不清的稗官野史。我都將暫時把它們擱置一旁，還是回到音樂最原始，最吸引人的那種初接觸的心靈悸動。這些唱片的安排，沒有優先順序，是按照主要演出者的姓名字母排列。你覺得那一張的音樂內容可能吸引你的興趣，或找到那一張，就從它開始。每一張錄音的介紹文字前面，除了演出者，專輯標題，唱片編號等資訊以外，我盡量簡單地把這張唱片的風格寫出來，好讓各位作為日後追加欣賞的參考。另外，介紹文字中將採用一種特殊的古典樂欣賞角度，是我的一個大膽嘗試，希望將欣賞古典音樂的經驗，移轉到聆聽陌生的爵士樂之上，以助於了解演出者的音樂內容，從而避免「音樂好聽」、「演奏偉大」、「錄音發燒」等泛泛的「四言絕句」式的樂評。不過，為了顧及注重音效的入門讀者，這幾張CD都是立體聲時代的錄音，幾乎每一張的音效都在水準以上，甚至有令人驚喜的傑作呢！請注意這些錄音曾經多次再版，而且各地區發行者編號也不盡相同。所以所列的CD號碼僅供參考，尋找時應該以演出者和他們的專輯標題為準。

演出者：Ray Brown/Duke Ellington

專輯標題：This One's for Blanton

唱片編號：Pablo 2310-757

爵士風格：搖擺（swing）／即興創作

古典欣賞角度：弦樂與鋼琴二重奏

初聽爵士的第一個印象，很可能就是像布雷基所說的，腳尖不知不覺跟著打拍子，或是身體情不自禁地搖擺起來。強烈的節奏，的確是爵士樂的要素之一。這張唱片雖然只有一台鋼琴和一個貝斯，卻有著古典樂團也難以達到的鮮明節奏感。古典二重奏的主角，通常是弦樂器演奏主旋律，鋼琴擔任和聲提供和音和分解和絃的伴奏。爵士樂的主要弦樂器－貝斯（即低音大提琴），卻擔任著伴奏的地位。它多半時候是用撥弦演奏，不用琴弓。優秀的貝斯手，不但要精準地點出明確的節拍，還可以用基音的行進，指示出樂曲和聲的演進和轉換。布朗是當今貝斯手第一把交椅，在這張和已逝的著名樂團領導人艾靈頓公爵合作的難得二重奏唱片上，布朗還多了一份任務，就是需要經常演奏主旋律，和提供鋼琴演奏主旋律時的對位音符。爵士樂大量地使用對位的手法，而且對位的旋律經常都是演奏者即興創作出來的。第二首的Pitter Panther Patter，布朗就在開始的時候以一個和鋼琴主題完全不同的旋律，和鋼琴進行對位。艾靈頓公爵除了是他自己著名樂團的指揮以外，更是爵士樂最重要的作曲家之一。這裡有許多首他的曲子，恐怕各位都曾經聽過。一般人比較不清楚的，是他還具有優秀鋼琴家的身分。在這些耳熟能詳的曲目中，他表現出創作者的豐富幻想力，不但演奏出頗具新鮮感的即興變奏，還一面和布朗做出給與取，迎與合，退與進的遊戲。第一首Do nothin' till you hear from me開頭那段俏皮的鋼琴和貝斯對談，就是個例子。這幾首曲子的演奏方式，每一首都不同，布朗有時用規則的四拍，有時使用切分音，滑音和雙音和絃也經常交替出現。艾靈頓公爵在Things ain't what they used to be一曲開頭好像在獨奏；其實是提供一個沒有填滿的五線譜，讓布朗自在地在其間遨遊。Sophisticated Lady的中段，艾靈頓公爵又毫無預警地演奏出極為浪漫的主題旋律。最後一首是個四樂章的組曲，兩位樂手在此表現出更嚴肅，更抽象的演出。這張極具巧思的錄音，兩位樂手沒有主從之分，是真正達到相輔相承的室內樂最高境界。這樣子的組合演出極為罕見，因為要找到搭配良好的樂手非常困難，更何況沒有其他樂器的輔助，一人必須同時身兼節奏、旋律、伴奏等數角，沒有躲在其他樂器背後摸魚喘息的機會。不但如此，他們還得要同時即席創作，配合另一個人的靈感做互動。當然，最重要的，是最後的成果是個生動有趣，能夠迷人的演奏。這樣的唱片，太難得了！

演出者：David Brubeck Quartet

專輯標題：Time Out

唱片編號：CBS 40585

爵士風格：清涼（cool）

古典欣賞角度：不規則變化的節拍

傳統的爵士曲子，大部分都是四拍的結構。鋼琴家布魯貝克從這一張唱片開始，進行了一系列以節拍變化的實驗性爵士樂錄音。請聽第一首Blue Rondo a la Turk開宗明義地以奇妙的9/8拍分割法（兩－兩－兩－三），架構出令人耳朵直豎的節奏，然後中音薩克斯風手德斯蒙（Paul Desmond）以吹古典音樂般制約、豐潤的音色，演奏帶有異國情調的快速音符。這是否讓你聯想起土耳其古都伊斯坦堡街頭藝人吹奏的木管音樂呢？第三首Take Five更是用上連古典音樂都少見的五拍節奏。開頭鋼琴、套鼓、貝斯以類似持續低音（basso continuo）的手法，頑固地重複演奏一個伴奏的樂句。德斯蒙稍後加入，以中音薩克斯風富磁性的低音域演奏這個爵士樂極知名的迷人旋律（我在美國至少聽過兩個爵士樂的廣播節目以此曲作為開播主題），只要聽過一次，就會深留腦海中。第四首有著海頓或莫扎特室內樂作品般簡明天真的樣式，但是幾小節之後，卻可以發現它是建築在類似史特拉汶斯基「大兵的故事」般變幻無常的不規則節拍。它的組成是三－三－四－四，給人的聽感是意想不到的驚奇和新鮮。布魯貝克這張專輯太成功了，以至於他後來的作品，都難免要被提出來和Take Five相比。他的鋼琴演奏能力，可能不及這次介紹的其他幾位鋼琴家的想像力。不過，正好也可以拿他來做一個對比，了解一位出色的鋼琴家，和一位偉大的鋼琴家到底差別在那裡。

演出者：John Coltrane Quartet and Johnny Hartman

專輯標題：John Coltrane and Johnny Hartman

唱片編號：Impulse! IMPD 157

爵士風格：抒情曲（ballad）

古典欣賞角度：男中音演唱藝術歌曲

這張唱片，我在本刊第三十九期的介紹Impulse!的文章中，已經大力推薦過了。如今他們又重新推出二十位元製作的一系列CD，包裝以紙製的精緻三摺式封面，編號也改成IMPD開頭。如果還沒有代理商進口，實在就太令人失望了。這裡面的六首歌，隨便那一首都應該是電臺點播的熱門情歌，或是唱片行招徠路客詢問的最佳選擇。有多少癡情男子，會希望能有這種磁性的男中音歌喉，以委婉適切的情意表達，唱給自己心目中的人兒呢？哈特曼雖然以唱早期大樂團伴奏的流行曲起家，不過他對歌詞內涵和情緒的了解與掌握，實在有演唱正統藝術歌曲的水準。這些歌曲，由他詮釋起來，一點也不會肉麻或流俗。他忠實原曲調的演唱之中，仍然有適度的自由彈性。而寇全帶領的四重奏，更是超越基礎的伴奏，而達到同等重要的地位。尤其寇全的次中音薩克斯風在哈特曼演唱時輕柔地吹奏的對位旋律，是所有編寫流行音樂伴奏者所應該聆聽學習的。

演出者：Miles Davis Quintet

專輯標題：Kind of Blue

唱片編號：CBS 40579

爵士風格：清涼／調式（modial）

古典欣賞角度：豐富多變的和絃演進

這一整張唱片的音樂，從頭到尾都彌漫著一種慵懶，一點宿命，一絲頹廢的氣氛。難怪專輯標題也叫做「有點藍調」，形容他們的風格，似乎音譯的「酷」，要來得比意譯的「清涼」貼切些。這張一九五九年三月錄音的專輯，可是「酷」的老祖宗了。當時爵士界最新的流行，就是火辣辣的包勃熱奏，樂手無不競技般地奏出最多、最快的音符串。戴維斯和他領導的一班年輕樂手，則反其道而行，以冷靜、內省、沈思，幾乎像古典或浪漫派室內樂般的條理清晰，情感節制。例如第一首So what的開場白，是由鋼琴和貝斯擔任。簡單的幾個音階，卻讓人有欣賞史克里亞賓鋼琴獨奏般的神秘感。看似無心的漫奏，模糊了調性，掩藏了節奏，直到套鼓加入，在後面輕輕地提醒沈醉在白日夢中的鋼琴手此曲的重心，他們才重整琴鼓，堅定地建築出一個穩固的伴奏形式，等待幾小節後銅管樂器以遠古的平行音和絃吹奏出好似在說So what?般的擬聲斷奏導句。此時貝斯擔任極為重要的主題角色。接著主角的小喇叭登場了，引導出一個饒具趣味的自由即興旋律，然後中音和次中音薩克斯風輪流出場主奏根據小喇叭旋律樣式的變奏。音樂又回到銅管斷奏的和弦樂句，在貝斯的先前主題夢囈般的反覆中，漸漸沈入深不可測的藍色國度。第二首Freddie freeloader像是第一首的延伸，不但前奏－主題－變奏1－變奏2－主題－尾奏的古典形式仍在，連掀開序幕的銅管和絃，也幾乎是So what的變形。第三首的Blue in green時間最短，而且套鼓從頭到尾只有用鼓刷，沒有用鼓棒，但卻是整張唱片的重心。戴維斯那註冊商標的加裝弱音器的小喇叭，由鋼琴家伊凡斯（以下會介紹一張以他為主的專輯）充滿想像力的觸鍵和和絃變化襯托下，緩緩地奏出如煙似霧的迷濛旋律。我不只一次看過這樣的電影場景：都會的男女，相約在遠離塵囂，俯瞰夜景的摩天大樓公寓小聚，此時背景放的音樂，就是此曲。Flamenco sketches以少見的（下期帶續6/8拍為基礎，鋼琴的顫音，貼切地模仿佛朗明哥吉他常用的左手打絃震音。戴維斯只做出最精簡的自由調式變換旋律，讓其他的樂手發揮。這張唱片彌漫著的神秘感之來源，一大部份是他們使用所謂調式進行的演奏。這裡指的並不完全相同於古代教會調式的嚴格音階型態，而是泛指在各種調性之間自由地穿梭來去。其中居功闕偉的，還是擔任鋼琴的伊凡斯。沒有他精妙的演奏穿針引線，這張專輯將不會達到它在爵士樂錄音中里程碑的地位。最後一首All blues，我就廢話少說，請各位找個寧靜的夜晚，一張舒適的沙發，一杯濃釅的咖啡（烏龍也可！），慢慢地融入戴維斯音樂的世界吧。

演出者：Duke Ellington and his orchestra

專輯標題：Indigos

唱片編號：CBS 44444

爵士風格：搖擺／大樂團（Big band）

古典欣賞角度：浪漫派的協奏曲、交響曲 大樂團的演奏，可能讓很多人印象很不好，因為這種音樂起源是二、三○年代跳舞用的背景音樂，難登大雅之堂。而且演奏的人數眾多，勢必沒有辦法像小組重奏一樣讓每個人自由發揮，一般都是按照編好的樂譜演奏，因此聽起來缺乏爵士樂最顯著的靈活即興感。艾靈頓公爵帶領的大樂團可不一樣。他是首位將大樂團演奏的音樂提升到藝術地位的指揮，同時也是爵士樂中最重要的作曲家。前面我們也已經欣賞過他難得展現的鋼琴功力，現在介紹的，是他作曲、編曲最有名、最具代表性的一張選集。即使你不聽爵士樂，也難免會聽過這裡面幾首艾靈頓公爵最為人知的曲調，像是Solitude，Mood Indigo，Willow weep for me等。他除了作品曲調高雅迷人之外，編曲的想像力更是所有流行樂製作人所應該學習的。Solitude開頭的鋼琴獨奏，像是那一位浪漫派作曲家失傳的協奏曲過門。Mood Indigo搖曳婆娑的主旋律，足可為一個美好昇平世代的音樂最佳代表。Autumn leaves巧妙地使用了小提琴獨奏和男高音獨唱，傷感而不濫情。Prelude to a kiss中，艾靈頓讓樂團的中音薩克斯風好手Jhonny Hodges徹底表現他那繞指柔的魔奇音色，盡量讓伴奏部份不要僭越。Willow weep for me中原本嘹亮的小喇叭，吹出感人的音色來。如果還嫌不夠，Tenderly這首著名的旋律，單簧管和德布西風味的鋼琴伴奏，交織出與眾不同的印象派風味來。聽完這張唱片之後，相信你必然會對大樂團演奏的音樂另眼相看！

演出者：Bill Evans Trio

專輯標題：Sunday at the Village Vanguard

唱片編號：Riverside/OJC 140

爵士風格：清涼

古典欣賞角度：印象派鋼琴三重奏

伊凡斯實在可以是一位極佳的印象派鋼琴演奏家。他細膩的觸鍵控制，明暗交錯的音色，水銀瀉地般流暢的指法，以及公認最豐富的和聲變化，不知讓多少古典鋼琴家羨慕。更重要的，他的音樂讓人感覺不像吃棉花糖、速食麵，過喉即忘。他給我的印象，是演奏時也不斷在思考。思考著樂句的進行，和絃的結構，音樂的函旨，期待著伴奏樂手的反應，節奏的改變。這張在紐約市的爵士表演聖地前衛村現場演出的錄音，聽眾顯然也都沈醉在他這種附有哲思的演奏當中而渾然忘我了。不但不見酒肆中杯觥交錯的雜音，連交談聲也低至不可聞。甚至曲終的鼓掌聲也似乎戰戰兢兢，深怕驚擾到舞台上樂手的樂思。一流的音樂家，有化腐朽為神奇的功夫。傳說中帕格尼尼把琴弦釘在鞋底，也照樣拉得虎虎生風，令聽者目瞪口呆。伊凡斯也有這種本領，例如這裡的一首曲子Alice in Wonderland原本是迪斯耐的卡通電影「愛莉斯夢遊仙境」的配樂。他卻把像兒歌似的簡單曲調，提升到充滿幻想和詩意的藝術境界。一般尋常的鋼琴三重奏，總是以鋼琴為主唱者，貝斯和套鼓僅負責節奏。此地的三位音樂家，有同等重要的地位。例如伊凡斯經常利用切分音後起拍之前的空檔，讓貝斯的基音決定和絃的進行，讓鼓手打出節奏，然後很快地加入附和。如果你覺得比較斯文、安靜，但充滿智慧的音樂適合你，那麼伊凡斯將是最好的選擇。他們這個組合還有一個姊妹作Waltz for Debby，是同一天演出的其他曲子，表現一樣傑出。

演出者：Ella Fitzgerald

專輯標題：Clap Hands, Here Comes Charlie!

唱片編號：Verve 835646-2

爵士風格：搖擺／抒情／藍調

古典欣賞角度：女聲演唱藝術歌曲

這一張費玆潔洛演唱多種風格的精彩唱片，正是前面介紹過哈特曼CD的對比。她的音量不大，但是音色甜美悅耳，咬字異常清晰（請聽Clap Hands, Here Comes Charlie!那像嚼舌口令般快速的唱詞吧！）。在她的詮釋之下，一些原是屬於藍調的歌曲，也少了一分淒苦，多了一點樂觀。她的這種直率、真誠、樂觀的演唱個性，讓人很容易聯想起女高音阿梅琳（Elly Ameling）或是麥克柰兒（Sylvia McNair）唱的藝術歌曲。費玆潔洛的有名絕技之一，是以人聲模擬樂器的所謂scat唱法。這裡面的例子多得不可勝數。請注意她經常在一段歌詞結束之後的間奏部份，以各種「嘟」、「噠」、「咿」等沒有意義的音節，取代樂器演奏。例如第一首的突尼西亞之夜（Night in Tunisia）幾段scat，她的唱法，唱「詞」都略有不同。這首原本樂器演奏的曲子，開頭的敲擊樂器伴奏節拍很有創意，貝斯的快速琶音撥奏絲絲扣人心弦。費玆潔洛精準的音感，在第一句高難度的上行音階時就表現無遺。精彩的伴奏，讓你聽不出只有基本的鋼琴、鼓、貝斯和吉他各一而已。多變的樂曲風格，甚至包括一首古典曲：德布西著名的早期鋼琴小品Reverie改編的演唱曲。其他還有傷感而不傷心的情歌You're my thrill， Cry me a river， Good morning heartache等，充滿赤子之情的Music goes 'round and around，鮮活蹦跳的搖擺曲Jersey bounce，以及爵士代表曲調之一'Round midnight的風情萬種。你聽完這張的內容，一定會對她這樣不斷求變，永遠新鮮的演唱感到意猶未盡。許多流行藝人可能偶而找到一個成功的表達方式，或限於才華，或僅是懶惰，整個專輯都套用類似的公式。費玆潔洛的演唱，足可作為這些人效法的對象。

演出者：Stan Getz Quartet

專輯標題：Getz Au Go Go

唱片編號：Verve 821725-2

爵士風格：清涼／南美節奏：婆娑諾伐（Bossa Nova）

古典欣賞角度：女聲獨唱與木管獨奏

這是一張一九六四年在紐約格林威治村Cafe Au Go Go餐廳中的實況錄音。在這一年中，蓋玆完成了許多張既暢銷又影響深遠的唱片。他和本張錄音中另一位主角，巴西女歌手Astrud Gilberto，以及她的丈夫吉他手Joao Gilberto，把南美洲的流行舞曲節奏婆娑諾伐介紹到爵士樂中，獲得極大的成功，引起其他音樂家的模仿。Gilberto別具一格的唱腔，在天真的嗓音中，帶有一絲慵懶的性感。她此後聲名大噪，接續錄了多張類似味道的唱片，都十分賣座，許多爵士、流行的女歌手，也群起仿效她的演唱。這種節奏明快輕緩，令人聞之不禁陶然起舞的舞曲，很適合結合當時正在流行的清涼樂風。它的特色是在三拍黏滯的長音之後，接著兩個短半拍。蓋玆在許多首開使演奏之前，都會輕輕哼出這個明顯的節奏，帶領其他樂手進入正確的速度。其實不用我解釋，大概許多讀者只要聽了第一首的幾個小節之後，馬上就會說：「喔，這是小時候聽過的流行音樂節奏嘛！」沒錯，爵士樂的特點之一，就是它是個活性的音樂，會不斷吸收其他的音樂元素，融合消化成為爵士樂的特色。在爵士樂短短的百年歷史當中，它吸納了黑人靈歌、工作歌、藍調、宗教音樂、南美、非洲、印度等各國民俗音樂，甚至流行音樂的種種節奏，使得它能夠跟隨時代的腳步，產生出各種風貌來。古典音樂其實也有同樣的演化過程，例如巴哈將當時各種的舞曲節奏提升為純音樂的境界；海頓把小步舞曲帶入交響曲之中；貝多芬、舒伯特寫作過許多德國舞曲；布拉姆斯、李察．史特勞斯經常愛用維也納最著名的圓舞曲形式，另外一家史特勞斯父子就更不用說了！二十世紀的古典音樂，更是一個大融爐，不但各國的民族音樂被利用，每個時期的流行音樂也廣泛地結合到藝術音樂的領域中。甚至籠統定義的爵士樂，也被運用到許多著名作曲家的作品當中。只聽古典音樂的朋友，實在沒有必要對其他類型的音樂嗤之以鼻而加以排拒，認為是格調不高的音樂。其實正是這種自命清高的象牙塔心態，使得近年的一些古典音樂作曲家走入學院派的死胡同，喪失了聽眾。而聽眾本身，如果能從多種角度來欣賞音樂，應該也會更有體會，提高聽音樂的樂趣。這張唱片，請儘管放鬆心情來聽，你將會很快融入它迷人的一面。欣賞的重點當然是薩克斯風和女聲的配合、對比，以及vibraphone（類似馬林巴琴的敲擊樂器，但是共振管中有馬達轉動的金屬片，可以製造出迷離奇妙的揉音）的使用。

演出者：Coleman Hawkins

專輯標題：Desafinado

唱片編號：MCA/Impulse! MCAD 33118

爵士風格：搖擺／南美節奏：婆娑諾伐

古典欣賞角度：木管和吉他、敲擊樂器的室內樂

這是上一張介紹中提到，婆娑諾伐風潮所引起的迴響之最佳例證。郝金斯是搖擺樂時代就起家的次中音薩克斯風「大老」，其穩健低沈的勁吹，開啟了後輩演奏家的一扇大門。以他這種地位，仍然不排斥時尚的樂風，充分表現出真正偉大音樂家的寬容胸懷。在這裡，純粹演奏的婆娑諾伐音樂，流行中更帶有一份比較嚴肅的深入。從兩張唱片重複選擇的曲子中，可以了解當時熱門的幾首音樂，還可以比較不同詮釋之下給聽者的感觸。以「單音森巴」（One note Samba）這首絕妙的曲子來說吧，開始的第一個樂句，正如其名，只有一個音，但是經由不同的音符時值，強調此曲的巴西森巴舞曲韻律。郝金斯以深厚的吹奏功力，表現出不同音色的微妙變化，有別於Gilberto的滑音使用。此地的樂器組合，也有別於其他幾張：兩支尼龍絃吉他（爵士吉他多半是鋼絃）、貝斯，以及三個樂手負責的各種敲擊樂器，製造出傳統的南美洲民間音樂風味。如果你對婆娑諾伐的節奏還不是很明白，這張唱片去蕪存菁的伴奏，叫你聽過以後對這種節拍永難忘懷。我在這篇文章中總共介紹了寇全、蓋玆、德斯蒙、郝金斯、羅林斯等五位薩克斯風演奏家，並不是我特別偏袒這種樂器；而是印證了它在爵士樂中舉足輕重的角色，以及各路英雄薈萃的情形。其實我才介紹了這樣樂器的代表人物的四分之一不到呢！你可以聽聽他們不同的演奏風格，決定自己的偏好，作為下一步聆聽的取向。

演出者：Oscar Peterson

專輯標題：My Favorite Instrument

唱片編號：MPS 821843-2

爵士風格：包勃（Bop）／抒情

古典欣賞角度：多種面貌的鋼琴獨奏

我印象中這是這位目前還活躍樂壇的加拿大爵士鋼琴巨匠，第一次的獨奏錄音。他早期以三重奏的組合享譽樂界，近年則有Telarc唱片的許多現場錄音。可是獨奏的唱片卻如鳳毛麟角。獨奏是古典鋼琴家展露頭角的必經之路；卻被爵士鋼琴家視為畏途。因為爵士樂不像古典樂有既定的途徑可循（樂譜）；都是演奏家的創作。因此爵士樂獨奏，作曲的成分比重至少和演奏一樣重要。所謂「沒有三兩三，不敢過梁山」，不是面面俱到的音樂家，都不敢輕易嘗試獨奏。因為失去節奏組的陪襯，所有的優缺點都毫無掩飾地暴露在聚光燈下，供人品評。即使是重量級（地位和體重皆然！）的彼得森，也一直不願貿然從事。一九六八年，他才有足夠的信心，錄下可供他人參考研究的一批獨奏唱片。和另一位也錄過不少獨奏的鋼琴家伊凡斯比較起來，彼得森的演奏風格可能包含的範圍更廣闊。從他著名的包勃風快速熱奏，早期繁拍子（ragtime）風的輕快，到不輸給伊凡斯的豐富和聲，都一一呈現出他對爵士鋼琴各流派完整的深入了解和過人的表現能力。他的觸鍵可剛可柔，快速的琶音可以如機關砲般又急又準；抒情樂段輕盈的觸鍵，又像極品的小羊毫筆寫出來的字一樣，柔中帶勁。他最早接觸的，其實是正統的古典訓練，各位可由他的演奏結構之嚴謹，技巧之札實，變化之豐富體會出來。我曾在最近出版的一集他的記錄影帶中，見識過他日常彈奏布拉姆斯等人曲子的實力，絕對有改行彈古典音樂的潛力。例如Bye, bye blackbird一曲開頭的序奏，可以聽出他由巴哈鍵盤音樂的聖詠風演奏得來靈感。輕柔的幾曲，如Who can I turn to, I should care等，顯然又有對蕭邦夜曲和德布西早期鋼琴曲風格的透徹了解。Little girl blue一曲，更是似乎寫下琴譜來，將是古典鋼琴家一首極好的抒情演奏曲。聽過這張獨奏唱片之後，希望原先對爵士鋼琴有誤解，甚至蔑視的讀者，能夠改變印象。值得一提的，是彼得森當年應唱片製作人朋友之邀，在他家中的錄音室即興錄下來的這些錄音，全都是沒有準備之下，臨場發揮，一蹴即成的結果，沒有事後的修改或重來。更增加聽者對他演奏和作曲實力的肯定、贊歎。

演出者：Sonny Rollins Trio

專輯標題：Way Out West

唱片編號：Contemporary/OJC 337

爵士風格：包勃

古典欣賞角度：節奏俏皮的木管室內樂 羅林斯的這張專輯，輕快俏皮中充滿了他與眾不同的構思。例如組合吧，除了他吹奏次中音薩克斯風之外，只有一般爵士樂組合中擔任節奏部份的套鼓和貝斯。也就是說，他以只能吹單音的管樂器，取代了能同時提供和絃、節奏，和旋律的鋼琴。換言之，在這個縷空了的架構之中，兩個有音調的樂器－貝斯和薩克斯風的重要性，就相對提高了許多。這對羅林斯和擔任貝斯的布朗來說，是極大的挑戰。第一首的I'm an old cowhand，鼓手謝利．曼（Shelly Manne）以敲擊木魚來模仿馬蹄的聲音，塑造出可愛的西部音樂效果。第二首Solitude，各位可以和前面原作曲者艾靈頓公爵的版本做一比較。艾靈頓多愁善感的演奏，演奏者很少超越主旋律的範圍。在羅林斯的吹奏之下，他以帶包勃風格的快速音階，裝飾這個有名的曲調，還不時根據它，演奏出幻想風的變奏。欣賞爵士樂入門之後很重要的一個課題，就是首先熟習某幾個大家都演奏的基本曲（standard）的旋律樣式，然後欣賞不同風格，不同樂器組合的演奏，聽聽看各路英雄豪傑的創作和即興演奏的能力。因為爵士樂貴在那種自由奔放，飄逸灑脫的即興演奏，雖然根據同一首歌曲，每個人都可以創作出完全不同面貌的版本來。打個比方，安魂曲的「神怒之日」簡單的旋律，可以由葛利果聖歌曲調中的平鋪直敘，到拉赫曼尼諾夫「帕格尼尼主題變奏曲」中的威嚇、白遼士「幻想交響曲」中的諧謔，到李斯特「死之舞」中的狂亂。效果如何，但看各家所好而已。爵士樂中的即興演奏，就是帶有這種精神，只是曲式更自由，更不受拘束，甚至同一批人的兩次演奏都會有不一樣的作品。羅林斯和布朗都是即興的高手，整張唱片中不斷有他們應答之際，靈感突發的神來之筆。貝斯不是一成不變的彈撥出固定拍子的基音，偶而也會擔任主角。薩克斯風更是以源源不絕的音符填滿缺少和弦樂器的空間。尤其羅林斯在寬廣的音域間快速的游走時，聽者會有幾個樂器同時演奏的錯覺。請注意他常在一串音符後稍做休止，這種留白，造成的不是上氣不接下氣的感覺，而是藕斷絲連，利用消失的重音強調節奏感，更可以和其他兩位樂手互相挑戰、競爭、引導、附和。這的確是一張需要以研究室內樂精神來欣賞的佳作。值得一提的是，一九五七年三月的錄音，效果好得會讓你大吃一驚。

　

欣賞音樂，「聽」還是最重要的。希望我挑選的這些爵士唱片，能夠藉由不同風格和組合演出的演出和迷人的音樂，吸引各位以比較深入分析的方式，來接近爵士樂。即使只聽過幾張，相信對於爵士樂是什麼的問題，也會稍有了解。最好是能夠喜歡上某位音樂家，某種演奏（唱）風格，甚至某一首曲子的旋律，進而依循著剛剛建立的良好第一印象，以像當年喜歡古典音樂一樣的精神，去了解爵士樂。本刊即將「上網」，有屬於自己的網址。希望讀者除了傳統的溝通方式外，也能多利用這個網址，提供給我讀後感和建議指教，進行討論。喔，請不要質問我的算術有問題，明明說十張爵士CD，結果列了十一張！我的用意，是假設有一張可能目前暫時買不到，因此多列了一個選擇！另外，LP迷有福了，目前可以買到羅林斯、伊凡斯（以上由Analog Production出版），費玆潔洛、布魯貝克（Classic Records出版），以及哈特曼（Impulse出版）等人專輯的再版唱片。其他可以選擇的爵士LP，也將會越來越多種。

schiff

爵士大餐後的四道甜點   

大餐之後，端出這五道精緻可口的甜點，它們的材料不同，味道也互異。每一道您都可以嚐嚐看。

作者：劉漢盛

可不要以為我是隨便找出五張CD來充數的，這五張爵士樂CD是我從幾千張的CD架子上辛辛苦苦挑出來的（只有最後一張是剛好搭上尾班車）。寫它們的時間我大概只花了二個鐘頭，不過找它們、聽它們的時間我卻花了一、二個星期。它們當然不能說是最好的，不過，可以說是最好的之一。我不保証這五張CD通通可以買得到，可是，如果您不去唱片行問，我會相當的鬱卒。

★爵士加上古典的結果就是「瑰麗壯闊」（Eastwest 4509-92004-2.目前不知道誰代理）

爵士樂與交響樂撞對板 Lalo Schifrin是有名的作曲家、編曲家、電影音樂配樂家。Ray Brown是有名的爵樂貝司手，Grady Tate則是有名的爵樂鼓手。這三個人的名字在樂界大概沒有人不知道的。如果把這三個人加上倫敦愛樂，以及非常好的錄音效果，那該是一張怎麼樣的CD呢？當然是一塊可口的爵士蛋糕。 1992年11月，這三個人在倫敦聞名的CTS錄音室會合，倫敦愛樂的團員早已在那裡等候。當家錄音師Dick Lewzey（1991年我去CTS時錄音師也是他）早已準備好，大家都等待著一場爵士樂與古典樂「撞板」行動的開始。地球大陸板塊相撞的結果會產生地震，而爵士樂與古典樂相撞的結果，就產生了這張精彩的CD「Jazz Meets the Symphony」。 先說音樂有多精彩，管弦樂團的表現不必說，瑰麗壯闊是唯一的形容詞。就是他們三個人也都各有表現的機會。Ray Brown的大貝司彈起來真的彈跳得抓不住，那種拍打、扣抓、彈撥所產生的音響效果絕對是要迷死人。Lalo Schifrin的鋼琴彈得既輕又柔，充滿詩情畫意。鼓手Grady Tate呢？您聽那腳踩大鼓的撲撲低頻質感，還有細細碎碎的鈸聲，說有人會不喜歡這種聲音我才不相信，音響迷保証愛死。 再來說到錄音效果。我們都知道CTS錄音室清一色都用ATC喇叭鑑聽，由於ATC喇叭的特色就是寬厚飽滿溫暖，所以在這個錄音室中錄出來的CD大多具有這種特質。這張CD當然也不例外。整張CD聽完，您聽不到有任何刺耳的地方，但是，該光輝的銅管還是很光輝，該細緻的弦樂還是很細緻，該沈的低音還是很沈，該透明的音色還是很透明。前面我也提到，Ray Brown的大貝司與Grady Tate的鼓錄音效果真的要迷死人。如果您聽了無動於衷，那就算了，我自認被您徹底打敗。

★傳奇的爵士大師，漢考克的恩師Chris Anderson（Mapleshade 512692L.欣毅）

又盲又跛的孤獨老人 著名爵樂鋼琴家Herbie Hancock剛來過台灣，他在爵樂界的地位勿庸置疑。如果他說：「他的音樂…深深的影響了我的音樂精髓…」您會不會對Herbie Hancock所提到的「他」感到有興趣？可是，如果這位「他」的名字竟然查遍所有爵樂工具書都查不到時，您是否會感到震驚？Chris Anderson就是這位「他」的名字，這位1926年2月出生於芝加哥的藝人，由於又盲又跛，幾乎只有芝加哥的老爵樂迷，以及一些親近他的藝人才知道他，以至於幾乎（我的意思是我查過很多本）所有的工具書都漏掉他的名字。 Chris Anderson的鋼琴是自學的，高中時就經常以彈鋼琴賺外快。學校畢業後也隨著早期一些爵樂大師彈彈琴、打打工。因為替當時相當有名的吉他手Leo Blevin彈鋼琴，Leo欣賞他的鋼琴，得以被引介給許多人如Sonny Stitt、Charlie Parker、Howard McGhee等。幾十年來，他的活動範圍不出芝加哥，不過，只要有爵樂藝人來到芝加哥，都會去聽他的演奏。 1960年，Herbie Hancock聽到了他的演奏，要求與Chris Anderson學習。要知道當時Herbie Hancock的鋼琴已經相當出名，可是他仍然願意與一位幾乎遁隱的藝人學習，可見Chris Anderson的琴藝有多迷人。1990年，為了要替這位藝人錄音，Mapleshade的製作單位將他接到紐約。Chris Anderson雖然孤獨，但是非常和善，隨時掛著微笑。不僅大家喜歡他，連製作人的牧羊犬也立刻成了他的保護者。二天的休息過後，Chris Anderson替Mapleshade錄下了這張CD「Love Locked Out」。 在這張CD中，只有一個人彈鋼琴，還有他也唱歌。在我聽來，他的鋼琴雖然音符簡單，但是卻散發著一股特殊的韻味。這種韻味很難去刻意學習，好像很自然的就從他的內心發舒出來。還有，他的歌聲單薄乾亮，談不上迷人，但是聽了卻令人感到很淒楚。聽著聽著，我好像在聽陳達唱民歌般。只不過陳達用月琴伴奏，而Chris Anderson用鋼琴伴奏。 這張CD的錄音雖然非常好，但是談不上具有迷人的特效。我著迷的是Chris Anderson的琴聲與歌聲所散發出來那種發自心底的情感。音樂家與聆賞者的共鳴我相信就是如此。

★美國滾石爵士評鑑五顆星最高評價「豪華人生」（滾石 JA1011.滾石的爵士樂現在已經轉給魔岩）

短命天才，豪華人生 假如有一個人，無論他說話說得很快，或說話說得很慢時，他都能夠保持清楚、有條理的敘述；無論他是在說正經事，或是輕鬆的在開玩笑時，他的話中都含有豐富嚴肅的人生哲理。像這種人，您會想與他交朋友嗎？我想，每一個人都喜歡和他親近交朋友。如果把說話變成演奏薩克斯風，那麼，John Coltrane 就是這樣一位人物。 1926年生，1967年就去世，享年才41歲的John Coltrane 人生並不算豪華，但是他卻在1957-58年替Prestige唱片公司錄下這張「豪華人生」Lush Life。在當時的美國，黑人還是沒有人權，南方許多州黑人與白人還不能共搭汽車。雖然自己是爵樂界巨人，但是黑人還是黑人，天生的被歧視一定讓John Coltrane 心裡很不好過。有一陣子，John Coltrane 迷上酒精與嗑藥，日子過得相當不堪，幸好這都無損於他精彩的演奏。爵樂界很多人在吹薩克斯風，每個人的即興演奏都是飛天鑽地。但是，我認為John Coltrane 吹得最深沈、最嚴肅。即使抒情時，也是富有人生哲理。我想這也是為什麼他會讓人懷念的原因之一。 這張CD的錄音師是 Rudy Van Gelder，這位大哥替爵樂界留下相當多的好錄音，以後，如果您看道他的名字，錄音年代又在1957年之後，我想錄音效果應該都不差。當然，這張CD也不例外。以1958年的錄音水準而言，這張CD無疑是超水準演出。音質清晰透明，樂器質感真實，音像凝聚浮凸，而且音場寬廣。對了，「豪華人生」獲得美國滾石爵士評鑑五顆星，Down Beat雜誌五顆星，這二者都是最高評價。而英國企鵝爵士評鑑只給三顆星評價，可能是不對胃口吧。如果是我，當然也是五顆星評價

★新生代的爵樂鋼琴手 Fred Hersch最適合音響迷喝下午茶（Chesky JD116. 福茂）

音響迷的下午茶爵士樂 今天（5月15日）早上，我才與Chesky的老板David Chesky喝茶聊天。「音響論壇」與「唱片音響購買指南」的二位訪問者在訪問他，我則坐鎮一旁，偶而打打邊鼓，聊聊天氣。在訪問時，桌上擺著一本樂譜，那是Chesky自己寫的爵士樂，因為回紐約後馬上就要舉行演奏會，所以他把譜帶在身上，有空就找機會練練手指。 說實在的，Chesky的爵士樂錄音水準都很高，那是拜David與錄音師Bob Katz之賜。為什麼？因為David自己就是音響迷，對於聲音有清楚的認識。而Bob Katz對聲音的品味也很正確。二人合作之下，自然就產生了很多好錄音。我可以這麼說：「Chesky的爵士樂CD就怕您對於音樂的內容有意見，假若談及錄音，幾乎都可以放心。」而這張CD，就是我認為錄音效果與音樂內容都很棒的一張。不過，它的名字可長得很，長到CD的包裝盒側面都只用點點點表示。它的全名是：The Fred Hersch Trio Plays Coleman、Coltrane…對不起，連我也要用點點點，因為以下一堆名字。 Fred Hersch是新生代的爵樂鋼琴手，自己彈得一手好鋼琴，也會作曲。在這張CD之前， Fred Hersch已經在Chesky有過三張CD（JD 55、90、113）。所謂爵樂三重奏當然就是鋼琴、貝司與套鼓。而在這張CD中，如果要說三者之中何者音響效果最迷人，我一定要說是套鼓中的鈸，那簡直就是用純銀打造的鈸，鼓刷一落下去整面鈸都好像變成細細脆脆軟軟的純銀薄片，這些亮晶晶的薄片還會在空氣中飛。任何一位音響迷，如果無視於這張CD中鈸的迷人，肯定他一定耳朵有問題。 鈸當然不能當下午茶喝，鋼琴才能。 Fred Hersch的鋼琴輕鬆寫意之至，音符少得讓人幾乎要誤以為他的琴音都是手指不小心落在琴鍵上所敲出來的。這手工夫就像我們中國的醉拳，明裡看不出什麼章法，實則厲害得很。就是這種捻花手似的鋼琴與鈸的音響效果營造出下午茶閒適的氣氛。我想台北市各大飯店餐廳應該都要買它一張，時時播放，保証顧客滿意。至於三重奏中的貝司，對不起，他的運氣比較不好，不像Ray Brown那樣能夠大彈特彈大鳴大放，只是安分的作片綠葉而已。

★艾靈頓公爵「運行中的藍調」（Columbia CK-44051. 新力）

沒有大樂隊？像爵士嗎？ 時間已經很晚了，大街上車少人稀，紐約第三十街哥倫比亞唱片公司有名的錄音室卻正忙著。工作人員進進出出擺麥克風、調音。樂手們三三倆倆的相互調音暖樂器。錄音製作Teo Macero今天也有點緊張，本來，公爵艾靈頓的錄音都是由公爵的好友Irving Townshend負責監製，今天卻改由他來掌舵。「公爵剛率團從歐洲巡迴演出歸來，今晚的錄音可不能搞砸了。」他對著自己這麼說。 錄音在午夜前開始，公爵艾靈頓邊彈鋼琴邊指揮他的大樂團，一直錄了幾首才聽下來吃宵夜。享用過牛排、葡萄柚、黑咖啡與檸檬的大餐之後，公爵恢復了體力，錄音繼續進行。當天，錄音一直進行到凌晨五點才收工。 1959年12月2日，公爵艾靈頓風塵僕僕從歐洲回來，馬上就進錄音室錄下這張「運行中的藍調Blues In Orbit」。並不是只因為錄音室正好白天沒檔，所以才要在半夜錄音。而是公爵自己喜歡晚上錄音的氣氛，他認為爵士樂就是要在那個時辰演奏才有味道。說得也是，不要說錄音或演奏，就是在白天聽爵士樂，也少了夜深人靜時那種迷離憂鬱的氣氛。在此我順便建議，爵士樂是「夜行」音樂，爵樂迷恐怕也是夜行動物。在白天，如果周遭環境很吵，我強烈的建議您不要聽爵士樂，因為那會完全抹煞爵士樂的氣氛。 爵樂迷都知道，公爵艾靈頓的大樂隊（其實也不大）爵士樂在爵樂歷史中佔有最重要的地位。許多後來成名的獨奏家都曾經在他的樂隊中待過。雖然與Count Basie、Benny Goodman一樣都是大樂隊，一樣都是以銅管為主，加上木管、鋼琴、爵士套鼓、貝司以及其他少量搭配樂器。但是我總爵得公爵艾靈頓的大樂隊銅管比較火辣、比較夠味。這就好像美國的芝加哥交響樂團以銅管部門著稱一般。 通常，大樂隊在自由即興的表現上比較受限制，他必須兼顧到整個樂隊的協調與樂曲的進行。不過，在這張「運行中的藍調」中，我們依然可以聽到銅管很精彩的即興片段，感覺上就像是大海中激起的浪花般。假若您對大隊樂的音樂不是很熟悉，我要建議您先從第四首聽起（雖然第一首是主打曲）。聽過之後您一定會對銅管的抒情表現以及錄音水準的高超讚不絕口。接下來可以聽第八首，除了音樂好聽，那小提琴的錄音簡直就是最高示範級。如果您沒有這種感受，那就有問題了。聽完第八首再聽第十首，這也是一首浪漫抒情的曲子。 雖然是1959年12月的錄音，這張「運行中的藍調」的效果放在今天仍然是發燒級的，尤其是銅管的表現。不是我愛嘮叨，如果您聽了銅管覺得沒什麼，可能就是您的音響系統表現有問題，那真是太可惜了。

大餐後的甜點 大餐之後，端出這五道精緻可口的甜點，它們的材料不同，味道也互異。每一道您都可以嚐嚐看。這樣，您就會知道爵士樂除了比較難以消化的正餐之外，原來也還有這些入口即化的小點心。


先來五張拔尖的Verve CD吧！

五十張CD到底要怎麼寫？全部不痛不癢的寫過去，我想是不會吸引人的，反而會糟蹋了這些好東西。我只打算以我自己的意見挑出其中五張給您試吃。如果您口味滿意再來定席。

作者：劉漢盛

翻開各種爵士樂唱片工具書，不論企鵝爵士指南也好，滾石爵士唱片評鑑也好，或「Swing Journal」、「Down Beat」、 「Billboard」雜誌也行，他們所登載、評論過的唱片何只萬千。只要是爵士樂愛好者，多少都會有一些所謂高評價的經典名盤。如果以經典名盤的角度來看，這次日本寶麗金所再版的這五十張24 Bit Verve CD可說實至名歸。 為什麼日本人會從那麼多Verve的老唱片中選出這五十張呢？剛拿到這套CD時，我就存有這個疑問。難道日本人是以市面上已經出版的一些爵士樂唱片工具書的評價來選的嗎？為了解開這個答案，我費了一番功夫逐張去查對它們的既有評論，發現並不是如此。五十張CD中，雖然不乏西方工具書中最高評價者，但是也有許多的CD是那些工具書中二顆星、三顆星，甚至一顆星者。 為什麼日本人不專選那些五顆星的老唱片來出版呢？難道日本專家不看工具書嗎？請放心，日本人做起事來認真得很，他們的工具書保証都翻爛了。我認為真正的原因是他們並不想隨波逐流，而是想選出他們自己認為最好者。日本人有自己的文化背景，有自己的品味，他們對這些Verve老唱片的觀點並不一定要隨著西方爵樂專家的影子起舞。如果純以日本人的觀點而言，這五十張再版24 Bit Verve CD就是他們所認為第一波最好者。否則，他們也不會將之以新技術再製。 或許讀者們會有一點奇怪？為什麼日本寶麗金要選Verve來再版呢？賺錢當然是重要的商業考量，不過，我猜想日本寶麗金裡面一定有很喜歡爵士樂的人，他們深深體認Verve所留下爵士樂唱片的重要性。為了讓廣大年輕的日本爵樂迷也能夠親炙老大師的風範，所以才會有這套Verve CD的出現。而台灣剛好是搭順風車，也進口了一些。就這樣，我們才又有機會聽到這麼有系統的一套Verve CD。

Verve的由來 說到Verve，老爵樂迷當然知道它的歷史久遠，不過新樂迷恐怕就不知道了。其實，Verve早在1950年代中期就正式成立了，創始者就是那位才華橫溢，創立爵樂團在音樂廳內賣票演奏、並有系統拔擢新人的Norman Granz。N. Granz二十幾歲時，還在米高梅電影公司擔任影片剪輯，閒暇時非常喜歡爵士樂，並結交了許多藝人。1944年7月，他將爵士樂演奏帶進洛杉磯愛樂大會堂（Philharmonic Auditorium）。從此以後，跟著他四處演奏的一批藝人就被稱為Jazz at the Philharmonic （JATP） 。這批藝人您在這五十張Verve CD中都可以看到。對於自己將爵樂藝人帶進音樂廳，提升了爵士樂的形象，N. Granz感到很驕傲。他曾說：「我要讓我的藝人像海飛玆、伯恩斯坦一般，在音樂廳中受到人們的尊重。」從那時起，「JATP」變成爵士樂辭彙中重要的名詞。 N. Granz越做人氣越旺，1948年自己就組一家叫Clef的唱片公司，將那些藝人收歸旗下，一方面做現場錄音，一方面也進錄音室錄音。後來又成立Down Home、Norgran二個副牌。五○年代，N. Granz自己任製作人，錄下非常多經典之作。六○年代，他自己覺得累了，就把Verve賣給了米高梅，自己搬到瑞士去住。在六○年代中，Verve也出了一個名製作人Creed Taylor，他在1961-67年間製作的錄音有非常多都是發燒級的。七○年代初，米高梅又把Verve賣給了寶麗金（當時還叫寶麗多）迄今，這也是今天這套Verve 24 Bit CD由日本寶麗金再版的原因。

「老聲」魅力十足 五十張CD要聽多久呢？雖然其中有些我以前就有，但還是花了一個多月的時間才聽完。一面聽，我就一面作簡單的分析，發現： 第一、這五十張CD大多集中在鋼琴手Oscar Peterson（Trio）、Bill Evans、薩克斯風手Stan Getz、Charlie Parker、大樂隊Count Basie、女歌手Ella Fitzgerald、Billie Holiday、Anita O'Day等人身上。此外，算是客串的還有小喇叭手Louis Armstrong、吉他手Antonio Carlos Jobim、Wes Montgomery、Kenny Burrell、Tal Farlow、薩克斯風手Lester Young、男歌手Mel Torm?央C其餘還有許多名家不及備載。在此我要強調，五、六○年代的爵樂大師當然不只這幾位，別家唱片公司還有很多大師。不過，如果您是初入門者，光是這些大師的錄音就會讓您聽出耳油。 第二、這五十張CD中很少艱澀難入耳者，大部分都是很好聽、很容易讓人接受的音樂。雖然這套CD並沒有特別指名是為初入門者而選的，不過從唱片的內容來看，它兼顧了經典性與好聽。它是想讓所有的人去親近的，包括初入門者。 第三、這五十張CD大部分選自N. Granz與Creed Taylor二人所製作的。Verve那麼多的唱片當然不只有他們二位製作人，像Jim Davis、Helen Keane也製作許多好唱片。但是，這次再版大部分都選他們二人的。巧的是，N. Granz主掌五○年代的製作，C. Taylor則主掌六○年代。其中，如果要論最精彩的錄音，大部分出自C. Taylor的製作。而N. Granz所製作者吃虧於五○年代的單聲道錄音（Verve到1957年才進行立體錄音），因此雖然仍有錄音佳作，不過數量就少多了。 不論是N. Granz或C. Taylor的製作，它們的錄音音質都比較「老聲」。換句話說，一聽就可以知道是那個時代的錄音。請注意，我所謂的老聲並不是說錄音不好，而是指那個時代的人就是喜歡那種聲音的感覺，像人聲很飽滿，鋼琴比較輕盈，薩克斯風並不過份的肥大，鼓輕輕的敲打等。當然，當時的錄音器材與錄音場所的裝潢方式也影響了「老聲」的形成。因此，當您在欣賞這些Verve CD時，請您把自己的審美觀調回五、六○年代。正如您在看那個年代的電影般，劇中人物的穿著打扮、言行舉止，甚至影片顏色的基調都異於現代。如果我們硬要以現代的美感框框套在那個時代去批評，那就有點太煞風景了。 對於這五十張再版CD，我不想再從演奏的角度去評它們。我前面已經講過，這些CD在演奏上其實都是經典之作，雖然我不免會有自己對於演奏的看法，但是我不想在這裡講出來影響初入門者，您就憑自己的直覺去感受它們。感受什麼呢？感受那股無拘無束的即興快意；感受那種合作無間的默契；感受那種活生生的音樂感。我想，這才是欣賞爵士樂的真正樂趣所在。要知道，同樣演奏一首曲子，古典音樂家所想到的是嚴守作曲家的風格、旨趣，甚至完全終於原譜。演奏家在音符與原譜之間幾乎是沒有自由的。但是爵士樂就不同，演奏家充分在音符中得到解放與自由，而自由與解放是人性的本能需求。難怪會有那麼多的古典音樂演奏家閒來喜歡演奏爵士樂，他們一定在演奏爵士樂中得到壓力的紓解。

五張拔尖之作 雖然我不在演奏方面對這五十張Verve CD下功夫，不過我在「錄音與接受性」（二者合一）方面還是要推薦幾張我認為比較頂尖者。這樣，也好作為您在選購時的先後順序參考。

★CD圖：「歌手中的歌手」Anita（POCJ-9143）

如果您只想先買一張，就來Anita吧！ 太殘酷了，在那麼多優秀CD中只要挑一張！我想，您是想先試吃看味道如何再定席吧。如果是這樣，我建議您先選這張「Anita」（POCJ-9143）。Anita就是女歌手Anita O'Day的名字，我認為她在爵樂界中的地位雖然不如Ella Fitzgerald或Billie Holiday，唱腔與用情也不如她倆精彩深刻。但是，如果要為爵樂初入門者選第一張，而且又要符合「錄音與接受性」二項要求者，我要毫不猶豫的推薦這張CD。為什麼？第一是錄音實在太精彩了。不要說別的，光聽Anita的人聲，伴奏的小提琴真實程度以及爵士套鼓的自然表現，您就一定會被深深的吸引住。在小型管弦樂團的伴奏下，Anita簡直就活生生站在您面前。她不像B. Holiday那麼善於運用顫音來增加訴情的效果；也沒有E. Fitzgerald那麼深沈的爵士樂魂，不過她卻非常的自然抒情，活像她也是伴奏樂團的一項樂器般。難怪她要被人稱為「歌手中的歌手」。

★「Getz Au Go Go」表現出咖啡店的傑出音響效果（POCJ-9138）

如果要選二張先試試看，還有Au Go Go 要二張的話，除了「Anita」之外，我建議您再買一張「Getz Au Go Go」（POCJ-9138）。Getz就是薩克斯風手Stan Getz，他的薩克斯風簡直就是出神入化加上濫情、抒情等味精。這張CD就是他所組成的四重奏團在紐約Au Go Go 咖啡店的首演錄音。為什麼會選這家咖啡店呢？因為這家咖啡店的音響效果是出名的好，而且在這裡演出，與觀眾有很好的親密感。除了New Stan Getz Quartet之外，還有一個很重要的女歌手也同台獻藝，她就是巴西人Astrud Gilberto。如果沒有她，這張CD的吸引力恐怕就要減半。為什麼呢？因為她那低沈、慵懶、磁性的聲音加上巴西Bossa Nova的唱風，簡直就比夏天南風吹起來還要薰人欲睡。您知道嗎？這張CD的一開始就在她的歌聲裡拉開序幕。老實說，光聽完第一首，保証您就決定要買了。歌好聽不說，音響迷還可以聽聽看，當Astrud Gilberto在唱歌時，空間中歌聲的迴盪能否感受得出那家咖啡店有多大？由於是現場錄音，觀眾與樂團的現場氣氛很清楚能夠聽（感覺）出來。而且，錄音中經常會有許多小地方、小細節讓您驚喜，並感歎錄音的真實。 如果您視Proprius那張「當鋪爵士」為絕佳錄音，那麼，這張「Getz Au Go Go」絕對也是如此。

★「Getz/Gilberto」錄音效果真實自然又過癮（POCJ-9128）

如果只想買三張呢？非Getz & Gilberto莫屬 只想買三張？不想多買一點？好吧！我還是要介紹Stan Getz與Gilberto的組合，不過，這張CD的Gilberto與上一張的Gilberto有些不同。在此，Getz還是Getz，他還是吹薩克斯風。不過，這裡的Gilberto是Joao Gilberto，他就是上一張那位Astrud Gilberto的老公。怎麼他們夫妻倆一齊在紐約爵樂界打天下？是的，Joao Gilberto年輕時（還在巴西）就已經聽聞Stan Getz的大名，對他相當仰慕。沒想到來到紐約後，經過朋友的引見得以認識他。聽過他夫妻倆的演唱之後，非常喜歡他們的那種巴西Bossa Nova風，於是邀請他們一起演出、錄製唱片。 「平和安詳是一種美麗的感覺」。這句話是說的，他說他很喜歡安詳和平，他所想表現的音樂也同樣具有特質。老實說，在這張CD中共有四位主角，那就是Stan Getz的薩克斯風，Joao與Astrud夫妻倆的歌聲，以及另一位巴西吉他手Antonio Carlos Jobim的吉他。他們四位簡直就是在比賽誰的聲音比較低沈，誰唱演奏得比較祥和。他們四個人合力所營造出來的氣氛實在美極了。當然，錄音效果也是真實自然又過癮。

★當鋪爵士的祖父「The Trio」（POCJ-9114）

能不能再介紹一張給我？給您當鋪爵士的祖父 聽過上面那三張CD，已經開始覺得爵士樂不那麼令人討厭了嗎？好，既然如此，我就再介紹一張給您。這次是更爵士的囉！我要介紹的是頂頂大名的Oscar Peterson三重奏，這張CD的名字也叫「The Trio」（POCJ-9114）。一直到現在，Oscar Peterson三重奏還在錄音，連Telarc也有他們的蹤跡。只不過，除了O. Peterson還在，鼓手與貝司手已經多次換手。1961年，鋼琴手O. Peterson才36歲，鼓手Ed Thigpen才30歲，而貝司手Ray Brown也才35歲，他們正是什麼都不怕的年紀。他們三個人在當時應該都沒有想到自己會在爵樂界中佔有那麼重要的地位。 若不是這張「The Trio」的即興爵士樂味較濃，我怕剛入門的讀者比較不習慣，我倒是想把它排在第一張要購買的順位上呢！因為這張CD無論是在演奏上、錄音上都太棒了。您知道我要怎麼稱呼這張CD嗎？我要叫它「當鋪爵士的祖父」。這話怎麼說呢？這張CD是在芝加哥的London House酒館裡錄的，在錄音中，您無時不刻都會聽到演奏者的喃喃自唱、酒館裡的各種「雜音」。那些雜音之多已經到了您不想聽都不行的程度。如果是純爵樂迷，聽完這張CD的演奏後一定大呼過癮，這三位「年輕人」演奏得實在自由到骨子裡去了；如果是音響迷，在測試完這張CD的「雜音」表現之後一定也要大呼過癮，那些活生生的雜音以及R. Brown的貝司所創造出來的音響效果也要令人神魂顛倒。不相信嗎？聽聽第四首看看。 或許您會奇怪，既然要介紹The Oscar Peterson Trio，為什麼不介紹那張大家認為錄得很好的「We Get Requests」（POCJ-9101）？那張CD的製作人也是一貫與The Oscar Peterson Trio配合的Jim Davis，錄音師則是大名鼎鼎錄下「Belafonte在卡內基廳」那位Bob Simpson。以我的觀點而言，那張CD的確也錄得不錯，尤其是第六首貝司的表現。可是，那張CD在第一首以及後來有幾首中，有些段落鋼琴的錄音太強了，已經接近失真臨界點。我試過有些喇叭甚至已經會有失真的聲音跑出來。此外，「We Get Requests」沒有那些活生生的現場「雜音」，因此現場的感覺遜色很多。當然，它仍然是一張傑出的錄音。 薑是老的辣，當鋪還是祖父開的比較有味道，您不妨親自印證我的話。

再介紹一張湊足五張吧！Day女士的天鵝之歌 好了，不能再多介紹了，如果您有心，乾脆全套都買下來算了。當然，如果您真的想進入爵士樂的領域，這樣做雖然花了大錢，但是並不過份。這最後一張我一定要介紹爵樂偉大女歌手Billie Holiday（1915-1959）的唱片。而且，這張唱片是她最後的錄音，封面上沒有標題，只有「Billie Holiday」（POCJ-9148）而已。有關她的一生，我想您最好自己去找專書來看才會感動。現在我只想介紹這張CD而已。這張CD錄音完成於1959年3月，而她在同年七月就死了。因此，聽起這張CD來格外令人神傷。 這張CD的好處在哪裡呢？第一當然是唱工，以及錄音師所錄下她那直接沒有渲染的音質。這種音質很純，有時會讓人誤以為沒有麥克風的存在。第二、這張CD的伴奏大樂隊錄得非常好。您要注意，如果您聽到加弱音器的小喇叭聲音會刺耳，或者整個大樂隊的聲音不夠厚實溫暖，那都是有問題的。還有，我認為第八首的錄音是頂級中的頂級，那些弦樂、木管以及所有您能聽到的聲音都會讓您流出耳油。如果您聽了不會感動，那也肯定是錯的。

師父引進門，修行在個人 好了，我不再寫了。什麼？五十張只寫了五張，其他四十五張怎麼辦？單是這五張就寫了五千七百多字，五十張完全寫完還得了？其實，有心人在聽過這五張CD之後，應該自己去尋寶。總之，Verve這些24 BitCD都是經典之作，我所能做的就是引您入門。至於修行如何，那就要看您自己的造化了。

關於Verve唱片公司
Verve唱片公司於1956年於洛杉磯組成，老闆為Norman Granz，當時他也正是爵士女歌手Ella Fitzgerald的經紀人，它們所發行的第一張唱片早在前一年的十二月就已錄製完成。由於Norman Granz的興趣使然，當其他大唱片公司以錄製搖擺與包勃樂手的唱片為主時，Verve卻顯得比較保守，雖然如此，Verve還是發行了相當多這類型音樂的重要錄音。順理成章地，Norman Granz也把自己於1946年成立的Clef and Norgran唱片公母帶買了回來，於是，Verve除了發行新錄音外，也同時再版Clef and Norgran的舊錄音，這其中包括了Charlie Parker、Dizzy Dillespie、Lester Young等與許多JATP（Jazz AT The Philharmonic的縮寫，由Norman Granz於1944年所組成的巡迴演出樂團）的現場演奏錄音。六十年代，由於Norman Granz將他的工作重心擺在歐洲，且長年居住的該地，無心管理美國的公司，於是Verve在1960年被MGM所收購。納入MGM旗下的Verve仍然續發行新的錄音，但大部份錄音都由製作人Creed Taylor所主導（1961-1967），而他也確實搞得有聲有色，憑藉著他過去豐富的經驗，像吉他手Wes Montgomery、薩克斯風手Stan Getz等人就在他精心策劃下，而有很多優秀的專輯產生。 1967年，Creed Taylor離開Verve，唱片公司經營方針變成較多元化，1972年，Polydor唱片公司買下了Verve，最後Polydor轉入寶麗金集團，Verve也正式成為寶麗金旗下的一家唱片公司。由於先前在Polydor時期，Verve幾乎是停止營運，因此並沒有什麼新唱片發行，只有舊錄音的再版。納入寶麗金旗下之後，除了把舊錄音重新整理問市外，並積極製作發行新錄音，同時也邀請一些老牌爵士樂藝人重新錄音，例如女歌手Shirley Horn、薩克斯風手Joe Henderson與伸縮喇叭手J. J. Johnson等等，而且都有相當不錯的成績。 Verve唱片公司經歷了數十年的變革，如今已成為爵士樂錄音的品質保證，不論新手或老鳥都必定能在Verve找到演奏與錄音水準兼顧的唱片。

schiff

爵士樂的重要辭彙

AFTERBEAT 基本上一種是四四拍子的音樂表達，意指每一小節的第二拍與第四拍。——摘自「爵士樂手冊」

BARRELHOUSE 一種小且通常簡陋的酒吧，在那裡有鋼琴手或小型樂團演奏恣意且有時粗糙的爵土樂，此外，泛指在任何環境裡所演奏的這種音樂。——摘自「爵士樂手冊」

BEBOP/BOP 一種由擬聲而引申出來的名稱，用來形容四十年代革命性的爵土樂。由旋律轉變到和聲的意義在於使得演奏者能夠依據既有的和弦進行創作自己的曲子，並因而創造出全新的音樂。——摘自「爵士樂手冊」

BLUES 一種起始於十九、二十世紀轉葉時的黑人民間音樂，基本上它是一種混體的音樂型態，其內在形式取自西非洲的「呼喚與響應」方式，然後再融合了歐洲的和聲，並透過其特殊的十二小節結構、藍調音符（Blue Note）與藍調音階呈現出來，其在爵士樂發展史上佔著舉足輕重的地位。——摘自「爵士樂手冊」

BOOGIE WOOGIE 一種調藍鋼琴的型式，樂手彈奏固定的低音音形，通常為每小節八拍，然後再以右手高音部的即興演奏覆蓋上去，而創造出一種對位的形態。——摘自「爵士樂手冊」

CAKEWALK 一種美國的舞蹈形式，始於本世紀初，以僵直且高跨步的動作為其特色，源自於舞蹈比賽中送餅的習慣。——摘自「爵士樂手冊」

CHOPS 原來是用來形容銅管樂手擁有傑出演奏技巧的名詞，現在則適用於所有有能力的器樂演奏，甚至是以手演奏的樂器如鋼琴、貝斯或鼓。——摘自「爵士樂手冊」

COOL JAZZ 五十年代早期的爵士樂，出身於包勃（Bebop）音樂，但已柔順化以避免和原來風格一樣有稜有角。它主要以美國西海岸為根據地，其稍嫌冷靜的強調語法或許可解釋為早夭的原因。——摘自「爵士樂手冊」

DIXIELAND 原來是指來自美國南部各州的爵士樂，尤其是紐奧爾良，後來則指白人樂團復興這種古老樂風所演奏的音樂。——摘自「爵士樂手冊」

FREE JAZZ 發展於五十年代末期的爵士樂形態，這種樂風否定了原來的音樂規則，企圖打破以往爵士樂的結構、方向與音色等，同時並引介出不受既有和弦進甚至音樂的拍子的隨興即興演奏，同時還運了非傳統樂器去擴展演奏。——摘自「爵士樂手冊」

HARD BOP 五十年代更強調獨奏的包勃樂風版本，節奏樂手（貝斯與鼓）與管樂搭檔相互親密搭配負責獨奏。——摘自「爵士樂手冊」

JAZZ ROCK 一種在六十年代末期受搖滾音樂影響而崛起的音樂形態，其特色在於運用了電子樂器、funk節奏，並與爵士樂的即興演奏結合在一起。1968年Miles Davis首度以這種音樂風格灌錄了唱片，並而開啟了JAZZ ROCK的音樂大門。這種音樂持續發展之後就成為今日的 Fusion音樂。——摘自「爵士樂手冊」

JUMP MUSIC 「跳躍」（Jump）這個形容詞首度在三十年代末期出現，是搖擺（Swing）的另一種說法。跳躍音樂意思起自於那個時期喧鬧且小型的樂團，演奏時帶有具感染性與活力充沛的節奏。——摘自「爵士樂手冊」

MODES 在全音音階出現之前，在古代音樂中就有很多音階系統或調式音階存在。五十年代的樂手如Mils Davis和John Coltrance將它們由停滯的民間歌曲中拿出來重新運用，並透過它們由歐洲音樂的和聲規範限制中釋放出他們的即興演奏。——摘自「爵士樂手冊」

RAGTIME 爵士樂發展中一種重要的音樂型態，以直立式鋼琴演奏完全寫譜的音樂，並強調切分音，風格略為呆板。——摘自「爵士樂手冊」

THIRD STREAM 法國號專家與作曲家Gunther Schuller所選取的名詞，用來形容融合現在爵士樂與古典室內樂的音樂。——摘自「爵士樂手冊」

WORKING SONG 一種在艱苦作活時當作速度控制器所唱的歌曲。這些音樂後來影響了早期的藍調歌手如Charley Patton與Blind Lemon Jefferson。——摘自「爵士樂手冊」

schiff

提到布鲁斯，首先想到的可能会是ERIC CLAPTON，因为流行；GARY MOORE，因为时尚；VAUGHAN，STEVIE RAY，因为早逝。但以上所有都不是最纯粹的布鲁斯音乐的代表。以更直接，更根源的方式领导这种音乐的应该是产自发源地的黑人，他们来自密西西比，第特律，他们的音乐来自自身的感悟。如果要聆听其中真正精髓的话，MUDDY WATERS，BUDDY GUY，JOHN LEE HOOKER这三位是绝对不容错过的，尽管还有ALBERT KING，ROBERT JOSHSON这类顶尖高手，但其出片量实在太少，影响力也自然稍有欠缺。
MUDDY WATERS，出道于四十年代，特有的滑音吉它演奏方式及其频繁的LIVE演出大大地推动了布鲁斯音乐的发展。手头这张77年的现场专辑保持了MUDDY WATERS一贯的风格，其自创的拨弦手法在专辑中也有相当不错的表现。
专辑以“WHAT IS THAT SHE GO”缓慢而不零乱的吉它作为开场，人声过后，插入一段慵懒的间奏，不太强烈，却极为舒坦。而紧随其后的华彩段落是布鲁斯最吸引人的关键所在，口琴在此时的穿针引线令曲子的过渡更为自然。顺带提一下，口琴的演奏者James Cotton是MUDDY WATERS最为频繁的合作者之一。最吸引我的布鲁斯音乐其实是长时间的精彩独奏或双吉它的重奏，然而这首5分钟左右的曲子竟然也给了我充分的享受，这浓缩的精华也足以让去了的STEVIE RAY VAUGHAN汗颜。唱片播至第五首COUNTRY BOY又是一曲让人大呼过瘾的布鲁斯名曲，滚动的吉它适度慢慢的游走，没有STEVE VAI的喧嚣与刻意的炫技，却在平实中更显功力，此时最根源的布鲁斯魅力得以充分体现。
MUDDY WATERS的独特引力在于每每在听者觉得无甚出奇时偏又“峰回路转”，他的演奏并不是每时每刻均华丽绚烂，但总在最意想不到时给人以加倍的惊喜。至Mudcat时又让人觉得掉入了爵士的旋涡，吉它奏着的还是不折不扣的滑音风格，钢琴弹出的却是类似波普的曲风，原来布鲁斯与爵士也是可以这般如水乳般融合的。BOOM BOOM，一首JOHN LEE HOOKER的作品，MUDDY WATERS也拉过来玩一把，演奏地倒是中规中距，我想此时的MUDDY WATERS也并非想把这首名作翻出什么新花样出来，只是籍此玩一把票。布鲁斯音乐是相通的，就算我是芝加哥流派你是底特律风格，也一样可以借来用一用。
又是一首名曲： She's Nineteen Years Old 。老MUDDY的滑音在曲中显得格外清晰，独奏段落尤其如此，“偶尔炫一回又有何妨”，MUDDY暗地也较了一回劲。唱片最后，又回复了如开始般的宁静，让人于悠悠的吉它声中彻底醉上一回。
好的布鲁斯应该是一杯醇酒，我想。