爵士唱片集（中级篇，25页以后）

schiff

艺术家：Stephane Grappelli
专辑名：Parsian Thoroughfare [巴黎大道]
公司：BLACK LION
时间：1973年 小提琴

在长达近70年的演奏生涯里，格拉佩利始终坚持自己欧式摇摆的做派，无论和谁合作，他的小提琴流淌出的永远是充满法国浪漫情调的优雅之音。

60年代末到70年代初，格拉佩利录制了一系列重奏作品，这些作品缔造了他事业的第二个高峰，而这张《巴黎大道》被普遍认为是这一时期最优秀的作品。

爵士乐历史上以演奏小提琴著名的人物很少，格拉佩利或许是其中最著名的一位，少年时代曾接受过专业学院古典音乐教育的他，其演奏明显受到古典乐的影响，很擅长克制自己的情感，始终以优雅华贵的贵族姿态现身。这张唱片，从头到尾流露的，完全是神定气闲的姿态，是那种午后或子夜，坐在香榭丽舍大街的路边咖啡馆，看着路上行人和满眼鲜花，耳朵边油然产生的音乐。

艺术家：Count Basie
专辑名：The Complete Atomic Basic[贝西乐队原子能大爆发]
公司：ROULETTE
时间：1957年 钢琴 大乐队

在新港音乐节的同一年，贝西伯爵率领他的大乐队录制了这张专辑，为了有所突破，他邀请编曲人NEAL HEFTI担任编曲，其结果是诞生了这张极具爆发力和生命力的专辑。

在专辑封套上有这样一个公式：E=MC平方=COUNT BASIE ORCHESTRA+NEAL NEFTI ARRANGEMENTS。NEAL HEFTI的编曲，的确让贝西大乐队的能量发挥到了一个极致，尤其是铜管部分编排，如同火焰般旺盛，每一个节奏都给人感觉随时会弹跳出唱片跃到你身边，而难得的几首慢板作品，又展现出贝西大乐队柔情的一面，这一面在此之前很少为人所察觉。

这是张力度驾驭速度的作品，NEAL HEFTI让贝西乐队站在了一个新的层面之上。

艺术家：Count Basie
专辑名：At Newport [在新港]
公司：VERVE
时间：1957年 钢琴 小乐队

这是贝西伯爵在1957年新港爵士音乐节的演出，其阵容相当豪华，也是领略其堪萨斯流派领军人物风采的又一张名盘。

虽然不是大乐队，但贝西选用了10多人的乐队编制，各乐器声部基本上都有演奏员参与，在他的钢琴定下速度后，乐师按照各声部的顺序先后上场进行即兴表演，与大乐队不同的是整支乐队的集体即兴演奏被省略了，但洋溢其中的摇摆节奏感，因为现场发挥，反而显得更随意更有力，也更有煽动性。

众多摇摆大师参加了这次演出，其中LESTER YONNG、JO JONES、ILLINOIS JACQUET、ROY ELDRIDGE，而两位摇摆乐的演唱大师JIMMY RUSHING和JOE WILLIAMS也都有出场并作精彩表现，专辑结尾曲――长达9分钟的《ONE O’CLOCK JUMP》,诸位名人伦番上阵，几乎将舞台都给摇翻，是极其精彩的摇摆即兴大战。

schiff

交易区新帖推荐

艺术家：Count Basie 专辑名：The Original American Decca Recordings[戴卡公司全录音] 公司：DEECA 时间：1937年－1939年 钢琴 大乐队 美国中部密苏里州的堪萨斯城，在上个世纪30年代得到很大的发展，城市的繁荣，带来的是娱乐业的发达。大量的来自乡村的黑人聚集在这里，将他们的布鲁斯音乐传递给了城市里的黑人乐手，后者在演奏爵士乐时不自觉的融入了大量的布鲁斯的成分，在他们演出时，一种简单但不时来回重复演奏的叫“来复”(RIFF)的曲式变得很盛行，这一受到布鲁斯影响而产生的曲式，逐渐改变了新奥而良流派的只强调一小节中的某个强拍的进行曲式，整段乐曲中节拍被乐手们大大增强，从而在演奏时形成流畅二规则的韵律感，让人闻之不由身体摇晃欲舞，这就是摇摆的兴起。 贝西伯爵率领的大乐队，是堪萨斯城流派的代表，而这套三张套全集，是他们最具代表性的作品，是乐队全盛时期的录音。

艺术家：Diango Reinhardt Stephane Grappelly
专辑名：The Quinter Of The Hot Club Of France [法国热门俱乐部五重奏]
公司：LONDON
时间：1938年/1939年/1946年 吉他 小提琴

放荡不羁的瑞因哈特和绅士味道十足的格拉佩立，两个各性脾气完全不同的人，居然组成了一支摇摆五重奏，彼此坦诚相间配合默契，如果不是二战爆发，他们的合作也许还能维持更长的一段时间，但即便只有短短的三四年工夫，他们合作出的作品，依然成为了最早挂在欧洲爵士乐大树上的一串沉甸甸的果实。

这张专辑里，除了一首作品录制于1946年，其余作品全部是该五重奏于1938、1939年赴伦敦的录音。忠实记录了乐队最风光时期的作品，这支乐队显得和美国的爵士小乐队很不同，在编制上由一把小提琴，一把贝司和三把吉他组成，似乎更像是一支室内弦乐重奏组，他们将爵士乐和欧洲的古典主义乐曲，民间音乐有机结合，演奏出一种不那么黑人化，却在情调上有所地域针对的欧洲爵士作品，弥漫期间的浪漫浓到化不开，他们的音乐里，可以触摸到塞那河的忧郁，却少有密西西比的悲伤。

schiff

艺术家：Django Reinhardt
专辑名：L’ Inoubliable[精选]
公司：EMI
时间：1936年－1946年 吉他

作为美国音乐的重要组成，爵士乐在本土繁盛的时期是从上个世纪30年代开始，与此同时，欧洲大陆对于这一音乐样式还保持着陌生和新鲜。

姜戈.瑞因哈特对于爵士乐在欧洲的兴起起到了很大的作用，这位比利时籍的吉普赛吉他手，有着天生的吟游诗人的气质，长期的流浪和卖艺生涯，使他的演奏充满着浪漫主义的不羁，在接触到爵士乐后，瑞因哈特迷上了这种来自异乡的音乐，他将摇摆爵士和欧洲民间音乐中的浪漫主义传统结合在一起，演奏出的乐曲兼具美洲的奔放和欧陆的感伤，作品多有小夜曲般的惆怅。

瑞因哈特在遇到法国小提琴手斯坦芬尼.格拉佩利后，两人一拍即合，成立了以他们为中心的爵士五重奏，这支五重奏活跃在以巴黎为中心的法国及周边地区。

这张专辑，收录了瑞因哈特在1936-1946年间的作品，二战期间他毅然为国从军，但战后他的演奏生涯开始走下坡，放纵流离的生活，是这位吉他手不久就过早离开了人世。

艺术家：Roy Eldridge
专辑名：Little Jazz[小爵士]
公司：VERVE
时间：1953年－1960年 小号

在爵士乐历史上，许多著名人物都有自己在绰号，埃德里奇人称“小爵士”，哥伦比亚和神韵(VERVE)都曾以该绰号为名字出版了他的精选唱片，这里介绍的是后以款。

埃德里奇曾经是爵士乐坛的急先锋，在摇摆爵士走向高潮30年代初，他用自己演奏为这一新的流派争取了无数听众，也许是他太喜欢摇摆的感觉，在40年代比波普爵士开始登上历史舞台后，他依然坚持自己的摇摆风格，而且至死没有太多的转变，这样一个有个性的人，倒也是很难用保守落伍之类的词语去形容他。

为神韵公司录音时，埃德里奇已经年过五旬，但风采不减当年，与之合作的，多是当时乐坛的名人，比如OSCAR PETERSON、SONNY STITT、RAY BROWN、JOHNNY HODGES、COLEMAN HAWKINS等人，这其中有些人物是比波普的名人，但他们和埃德里奇一起录音时，都染上了浓重的摇摆情绪，而专辑中的一些大乐队录音，是埃德里奇录音中比较稀少的品种。

艺术家：Roy Eldridge
专辑名：After You’re Gone[自你离去后]
公司：DEECA
时间：1936年－1946年 小号

罗伊.埃德里奇也许是摇摆时代最热衷于和别人切磋技艺的演奏家，他爱和别人即兴比试的癖好，即使到了花甲之年依然未减半分。

埃德里奇是典型的草根艺人，他没有受过正规的培训，完全依靠自己的领悟和模仿，逐渐一步步从伴奏者成长为乐队领导者。

也许是太喜欢给自己的演奏留出空间而不太适应大乐队的限制个人发挥的做法，埃德里奇在成名后就基本上没有长时间加入大乐队，而是始终以小乐队的形式演绎摇摆爵士，他的小号演奏，为摇摆爵士提供了优良的示范版本。

这张唱片，收入的是埃德里奇早年的作品，其演奏气势汹汹，充满挑拨性，是年少气盛的埃德里奇的最好写照，值得一提的是，他后来的录音，也并没有随着时间的推移而减少几分火性。

schiff

艺术家：Art Tatum
专辑名：The Complete Capitol Recordings[国会公司全录音]
公司：CAPITOL
时间：1949年－1952年 钢琴

贝西伯爵曾经如此表示，天下有多少奇观？七个？对，但塔腾是第八个。

在国会公司录制唱片时，塔腾刚好40岁。男人四十，正是事业如日中天的时候。塔腾在国会公司留下的这些录音，包含了拉格泰姆，布吉伍吉，跨越弹奏，摇摆等多种类型。曲目选择上则从格什温的通俗名曲《鸳鸯茶》这样的古典爵士经典在到摇摆时代的新作，广泛涉猎；弹奏上，依然保持着飞快的速度和精准的指法，相对于早期过于炫耀的嚣张，塔腾为国会公司演奏的作品，显得更为内敛，炫技的感觉相对要淡化了一些。

从个人角度认为，他在这些录音中的三重奏是最出色的，比一些独奏的曲目更能体现当时塔腾的水准，在早期，塔腾的演奏很难和小乐队的其他成员相匹配，因为太喜欢炫技，而这套双唱片里的三重奏，彼此的配合可谓心领神会。

艺术家：Art Tatum
专辑名：Tidal Wave[早期经典独奏曲(1934-1937)]
公司：DECCA
时间：1934年－1937年 钢琴

美国黑人在19世纪末20世纪初本国工业化飞速发展的时代里，担当了主要的建筑者的角色，而在他们建筑起的现代城市里，他们的生活没有得到很大的改善，许多人从南部乡村来到芝加哥，新奥而良，纽约等大城市，希望找到一种安定的生活，但最后他们得到的却多半是贫困。

盲人在这一时期的黑人音乐史上扮演了极为重要的角色，他们没有能力靠手艺吃饭，只能在街头演奏或演唱维生。许多的布鲁斯大师就是这样诞生的，而阿特.塔腾，是爵士乐坛最具代表性的盲人音乐家。

塔腾的演奏以快速和准确著名，如果没有看见他的演出，谁也不会想到这些手法娴熟，音符飞溅的乐曲，居然是出自一个盲人之手。

这张，全部是塔腾的独奏，分别录制于1934年和1937年，是他早期的最出色的作品，其精湛的技艺随处可见。

艺术家：Fletcher Henderson
专辑名：Tidal Wave[潮流]
公司：DECCA
时间：1931年－1934年 指挥、大乐队

弗莱彻.亨得森是爵士乐历史上第一位著名的大乐队指挥，他是古典爵士向摇摆爵士过渡时期的重要人物。

亨得森获得过化学和数学的学位，他原本想当一个科学家，但在当时种族歧视的背景下，他的梦想注定不可能成功。虽然美国少了一位科学家，却多了一位杰出的音乐家。

亨得森以编曲和作曲著名，他同时也是一位伯乐，他的大乐队力曾经吸收了一大批优秀的爵士乐新人，他们在后来离开亨得森乐队独自发展后都大放光芒，其中包括LOUIS ARMSTRONG、LESTER YOUNG、COLEMAN HAWKINS、BEN WEBSTER这样如雷贯耳的名字。

亨得森乐队在1923-1924年间的录音是其成名作，而他在1927年至1930年间高峰是期的作品，没有留下录音，这张《潮流》中的作品，兼有古典爵士和摇摆爵士的风格，见证了亨得森乐队从高峰到跌落的整个过程。

schiff

艺术家：Sidney Bechet
专辑名：Slippin And Slidin[滑动：蓝鸟公司精选]
公司：BLUEBIRD
时间：1932年－1943年 单簧管、高音萨克斯

在爵士乐历史上，萨克斯几乎是最重要的乐器，在演奏这一乐器方面涌现了无数的大家，而这些大家中的第一位，理推西德尼.伯切特，正是他让这一乐器成为了爵士乐的重要武器。

伯切特在他身前身后都受到广泛的尊敬，虽然在他的同一时期，艾林顿公爵和路易斯.阿姆斯特朗都已经名声赫赫，然而他们在地位上都无法和伯切特相比，他把源自美国黑人内心的情感通过即兴演奏表达出来，同时在他的演奏中，充满了哲学般的思考，理智与情感在伯切特的演奏中被高度结合起来。

伯切特高超的高超的技艺和特立的个性，令许多同辈人对他敬畏不已。

伯切特在蓝鸟公司的录音，被认为是他的最出色作品，这张专辑里的22首乐曲，即是他1932年至1943年在该公司大量录音中的精华之作，《SLIPPIN’ AND SLIDIN’》、《STOMPY JONES》、《ONE O’CLOCK JUMP》等他演绎的版本，被认为是爵士乐最优秀的一批作品。

艺术家：Fat Waller
专辑名：Ain’s I Misbehavin[不信邪]
公司：HALLMARK
时间：1926年－1939年 钢琴

胖子沃勒，食量过人，精力充沛，热爱生活，琴声欢乐。

沃勒是跨越弹奏法的大师，其演奏热情奔放，音符跳跃幅度很大，加上他明快幽默的歌声，使他的音乐，代表了享乐主义的精神：今朝有酒今朝醉。他的速度、力度和技巧都相当出色，是20-30年代早期爵士乐坛最受关注的钢琴师，而他的作品，也是在美国各地的声色场所里最受欢迎的，同样，他自己也过着花天酒地的生活，美酒加美女，是他的生活的重要组成部分，一直到大萧条来临后才宣告终结。

由英国品牌HALLMARK出版的这张专辑，选择了沃勒在20-30年代最受欢迎的20首作品，标题曲是他自弹自唱的名作，直到现在还常被反复演绎，而另一首《HONEYSUCKLE ROSE》则是爵士乐最著名的作品之一，是后世钢琴家的演奏入门作品。

艺术家：James P Johnson
专辑名：詹姆斯.P.约翰逊[雪晨布鲁斯]
公司：DECCA
时间：1930年、1944年 钢琴

在大乐队摇摆时代到来前的岁月里，爵士乐坛最著名的钢琴手，除了艾林顿公爵，另有其它五位也很有影响，他们是EARL HINES、JAMES P JOHNSON、ART TATUM和WILLIAM “LION”SMITH和FATS WALLE。

EARL HINES被认为是现代爵士钢琴的开创者，但毫无疑问，JAMES P JOHNSON对后世的影响要更为深远，尤其是对摇摆时代的钢琴家。在风格上他吸收了爵士乐萌芽时期布吉伍吉舞曲演奏的精华，这是一种快速热烈的演奏方式，同时，约翰逊又在弹奏时融合了古典钢琴的技法，他曾经将格里格和和拉赫玛尼诺夫等人的作品和拉格泰姆音乐组合，这样的创新，加上自己精湛的演奏，令后辈音乐家对他非常尊敬，特别是同时代的艾林顿，一直把约翰逊看作是爵士钢琴的典范人物。

这张唱片，其中曲目分别录制于1930年和1944年，除了钢琴外，最多是加入了一些爵士鼓演奏，令节奏部分更丰满，大家可以清楚地感受到约翰逊的弹奏艺术。

艺术家：Jerry Roll Morton
专辑名：Kansas City Stomp[肯萨斯城爵士顿足舞]
公司：ROUNDER
时间：1938年 钢琴

顿足舞是以新奥而良爵士乐伴奏的一种舞蹈，在当年，新奥而良流派的主要功能就是伴舞。

30年代的大萧条，令许多爵士乐手失去了工作，人们糊口还来不及，谁还会到舞厅、烟花场所去听歌跳舞，最落魄的时候，莫顿曾在华盛顿一家低档酒吧里弹钢琴。

1938年，美国最著名的民间音乐收集者阿兰.罗麦克斯(ALAN LOMAX)受国会图书馆委托，到各地去收集音乐资料，一个偶然的机会，他遇到了莫顿，当时的莫顿已经落魄不堪，他的经历吸引了罗麦克斯，后者采访了莫顿，让他讲述自己的股市，并及时地为他录音，连续几个晚上，莫顿边弹边讲，在叙述中他仿佛有回到了风光万分的昨天，他的故事滔滔不绝，而他的演奏也重又恢复了神采，他将以前自己熟悉的各种的各种钢琴技巧一一弹来，这些难得的音乐资料，成了研究爵士乐早期发展最重要的一批完整资料。

1993年，ROUNDER公司将当年莫顿的国会图书馆录音分成四张CD规模出版，这张《肯萨斯城爵士乐顿足舞》是第一张，其余分别是《ANAMULE DANCE》、《THE PEARLS》、（和上一张推荐的《THE PEARLS》同名但不同碟）、《WININ BOY BLUES》。

艺术家：Bix Beiderbeke
专辑名：Bix Beiderbeke And The Chicago Cornets[比克斯.拜得贝克和芝加哥短号团]
公司：MILESTONE
时间：1924年 短号

比克斯.拜得贝克是爵士乐历史上的第一位叛逆青年，或者说垮掉主义者。

拜得贝克出生于中产阶级家庭，由于对爵士乐的热爱，他没有听从父母的安排，利用父母送他到芝加哥上军校的机会，来到这个当时的爵士乐首都学习爵士乐。作为一名受过古典音乐训练的白人乐手，他创造出了自己的音乐风格；旋律优美，充满了浪漫主意的情趣。拜得贝克选择的演奏乐器是短号，这一乐器在后来的爵士乐发展历史上很少有人用。因此他也成为该乐器的爵士乐演奏第一人。

1923年，拜得贝克组建自己的狼獾乐队，次年他与该乐队录制的一批作品，被认为是他的最优秀作品，是新奥而良爵士的瑰宝，这张唱片力的17首作品，即是狼獾乐队的代表作品，后11首，则是他在当年和其它乐队录制的曲目。

拜得贝克在事业上极其勤奋，通常凌晨就起来练习，最终因为醺酒厌世和如此作息造成的积劳成疾，他于1931年28岁的时候就告别了人间。

行会编辑：66sea

[关闭窗口]

schiff

交易区新帖推荐

艺术家：Various Artists
专辑名：群星[迪克西兰精选]
公司：RCA/VICTOR
时间：1917年－1941年 小乐队

在经过初创萌芽状态的拉格泰姆风格后，爵士乐于20世纪初逐渐形成自己的演奏和演唱特征，随之诞生了在狭义爵士乐范畴内的第一种风格流派――新奥而良爵士，不少专家用另一种称呼来叫他：古典爵士乐。而这一流派的先声，则是被称之为迪克西兰的演奏方式。

迪克西兰的来历是源自一支活跃在1916年至20年代初的白人乐队。其名字为“正宗迪克西兰爵士乐队”(ORIGINAL DIXIELAND JAZZ BAND),他们吸收了拉格泰姆。布鲁斯等早期黑人音乐的精华，演奏出一种欢快热烈的跳舞音乐，某些成员更是用乐器来模拟出动物鸣叫的声音和人声。1917年1月，哥伦比亚公司录制了他们的两首乐曲，这是历史上有案可查的第一次爵士乐录音。1个月以后，他们转投到胜利公司(VICTOR)旗下，推出了一系列乐曲，在当时很畅销。

这张精选集，收集了最具有代表性的17首迪克西兰作品，更包括早期拉格泰姆时代的一些名作，演奏者中最吸引人的，当然就是正宗迪克西兰爵士乐队的录音，包括他们在1917年的录音，这些声响资料，相当珍贵。

艺术家：Bunk Johnson
专辑名：邦克.约翰逊 [管乐团和舞乐团]
公司：AMERICAN MUSIC
时间：1945年 小号 管乐团

邦克.约翰逊是爵士乐草创时期的重要人物，他的活动主要集中在20世纪初的一段时期，曾经在美国南方流浪演出，后来回家务农，当1937年人们重又找到他的时候，他正在种甘蔗。

40年代，新奥而良爵士曾经有过短暂的复兴，其领军人物是邦克.约翰逊，西德尼.伯切特和乔治.路易斯 (GEORGE LEWIS) (单簧管乐手，和70年代后一位前卫乐手同名同姓)。约翰逊早年的录音现在已经无从找到，他留下来的录音，都是40年代后直至1949年他去世前的作品。在这些录音中，这张《管乐团和舞乐团》最为著名，团内的乐师，也都是上了年纪，曾在20世纪初活跃的老黑人手，他们演奏的作品，也多半是黑人民歌和传统民谣。

艺术家：Jimmy Noone
专辑名：Apex Blues[顶点布鲁斯]
公司：DECCA
时间：1928年－1930年 单簧管 钢琴

这张以吉米.努恩名字挂头牌的专辑，实际上是两位新奥而良大师的联合录音，另一位是古典爵士乐大师中被称影响现代爵士钢琴的第一人厄尔.海恩斯（EARL HINES）封面右侧那个人像，即厄尔.海恩斯。

吉米.努恩是新奥而良流派三大单簧管演奏家之一，和琼尼.多兹(JOHNNY DODDS)西德尼.伯切特齐名，但他的演奏，偏向于细腻温婉一路。

厄尔.海恩斯之前，爵士钢琴手都是用右手进行跨越式弹奏，而海恩斯开辟了双手联弹的道路，他解放左手来进行和弦弹奏，右手弹出节奏，在他之后，爵士钢琴手普遍选择了这一弹奏技术。

这张《顶点布鲁斯》，是两位大师合作的精华，众多爵士乐杂志都给以“五星”的最高评价。






艺术家：Bessie Smith
专辑名：The Essential Bessie Smith[必备精选]
公司：COLUMBIA
时间：1923年－1933年 人声

贝西.史密斯被称为布鲁斯女王，她是第一位大量录制布鲁斯和爵士乐作品的黑人女歌手，在这两种彼此相同的美国黑人音乐的早期发展史上，史密斯的地位无人能取代。

从风格上看，史密斯的歌曲主要是古典布鲁斯和古典爵士乐，这是两种更接近于美国黑人音乐原声形态的音乐，保持了在乡村大篷车和帐篷马戏团时代的黑人演唱方式。史密斯的声音，完美地传递出布鲁斯的悲伤的情感内核，这是当时地位底下的黑人面对悲惨生活的绝望的呻吟，声声皆泪，许多时候是用悲凄的拟音词来表达无法抑制的悲情。

史密斯自己的一生，也是充满了悲剧色彩，她有着悲惨的童年，成年后的卖唱生涯，也在风雨中飘摇度过，成名后有不断受到3K党徒和种族歧视者的骚扰，最后在人老珠黄后又被公司一脚踢开，当30年代中期她的艺术再次被引起重视，其演唱生涯出现转机时，一次车祸和迟到的治疗结束了她苦难的一生。

艺术家：Duke Ellington
专辑名：First Time! Meets Count Basie [第一次！遭遇贝西伯爵]
公司：COLUMBIA
时间：1962年 钢琴 指挥 大乐队

艾林顿公爵和贝西伯爵，有很多相同之处，都是摇摆流派的一代宗师，都领导着一支在30-40年代叱咤风云的大乐队，都是一流的钢琴手……

可惜的是他们在自己的黄金时代并没有彼此合作过，直到1962年，爵士乐历史上的这两大强手才终于有机会在一起录音。他们用了2天的时间来完成了这次爵士乐历史上的弥足珍贵的两强交手的录音，同时也为传统摇摆大乐队制造出了最后一道绚烂的彩虹。

后人把这次两人的合作，比作是劳斯莱斯和凯迪拉克车技比拼，到也确实是如此，专辑的第一首作品便预示了后面内容的火爆场面，此曲名为《神圣战役》。在近40分种8首作品力，两大师指挥各自的全明星乐队，与对方展开了一次结构谨严又天马行空的比试，相互间的乐手大肆炫技，场面煞是热闹，而最后的结果，自然是惺惺惜惺惺，英雄爱英雄。

schiff

艺术家：Duke Ellington Charles Mingus Max Roach
专辑名：Money Jungle[金钱丛林]
公司：BLUE NOTE
时间：1962年 钢琴、贝司、爵士鼓

艾林顿公爵出版的这张唱片，是他不按常理出牌的一次行动，但却成为他个人钢琴演奏的华彩之作。

多年以来艾林顿就是以大乐队的指挥和杰出的创作者而闻名，而他的另一个重要身份――钢琴手，则因为前两者太过灿烂的光芒而被掩盖，也许正式因为这样，才有了《金钱丛林》的问世。

查理。明戈斯是硬波普流派的一代大师，在这张专辑录制的1962年他正开始转向自由爵士；马克思。罗奇是著名的波普大师，历来以热情奔放著称。这三个风格完全不同的爵士名家形成奇妙的组合，他们彼此间的合作，创造出一种现代感强烈的声音，融合了摇摆、比波普和硬波普，彼此间的互动，配合相当默契，是钢琴三重奏的经典篇章。

艺术家：Duke Ellington
专辑名：At newport[在新港]
公司：COLUMBIA
时间：1956年 钢琴、指挥、大乐队

这是艾林顿在后摇摆时代最杰出的摇摆作品，他将大乐队现场演出的气势渲染得淋漓尽致。

新港音乐节是美国重要的音乐节，分爵士和民谣两大门类，新港位于罗德岛，每年的音乐节一般在夏天举行，全国各地的爵士、蓝调和民谣爱好者在这个时候都会云集该地，为他们演出的，则是上述三种音乐类型的名家。

这张专辑录制于1956年7月7日，在此之前的几年，艾林顿公爵和他的乐队一直处在事业的低谷，比（BEBOP）流派的兴起，使得大部分的爵士乐迷远离摇摆大乐队而投向BEBOP小乐队的怀抱，摇摆时期风光一时的大乐队纷纷解散，作为领军的艾林顿乐队也是在苦苦支撑中走了过来，但这次现场演出，为他们带来了转机，艾林顿指挥他的乐队，在长时间的连续演出中，将乐队严格的演奏编排和明星乐手精彩的即兴发挥完美的组合在了一起，体现了爵士乐现场演出的魅力，其中最精彩的片段，是上一年刚归队的尊尼.霍奇斯，另两位大师低音萨克斯手哈里.卡尼和小号手克拉克.泰瑞在长达23分钟的《新港爵士节组曲》里的相互飙音表演，以及次中音萨克斯手保尔.刚萨瓦斯在《渐弱渐强布鲁斯》中如上足马达般的马拉松式连续吹奏。

艺术家：Duke Ellington And Johnny Hodges
专辑名：Back To Back[背靠背]
公司：VERVE
时间：1959年 钢琴、萨克斯
多年以来，尊尼.霍奇斯一直是艾林顿的得力助手，从1928年开始加入艾林顿的乐队，到1951年离开，他始终是艾林顿乐队中最重要的萨克斯手，其位置只有另一位萨克斯大师本尼.卡特才能与之抗衡。1951年离队后霍奇斯曾经自组过一支乐队，但4年后他又回到艾林顿的乐队，直到1970年去世，他再也没有离开过艾林顿的乐队。
艾林顿和霍奇斯曾经出版国两张以两人名义共同发表的专辑，1958年的《SIDE BY SIDE》和这张《背靠背》，内容都是摇摆小乐队作品，风格上优雅从容，与他们合作的大乐队作品相比，显得更为随意恬淡。
这张专辑的副题为《PLAY THE BLUES》,顾名思义，玩的是布鲁斯风格的摇摆作品，形式是六重奏。
霍奇斯个人的代表性作品是1964年的《EVERYBODY KNOWS JOHNNY HODGES》。

schiff

爵士名盘300（权且当序）

很久之前就想写这样一本说，算是对自己多年听碟的一次总结。

喜欢的音乐很多，但听得最多，收藏最齐全的，是爵士乐和摇滚乐，有关后者名盘的介绍，是我第一本书的内容，3年前的事了。

现在，写完这本书，自己的家低，也基本上被拿出来亮得差不多了，虽然不敢自称是藏家，但看着家里那些东找西寻来的CD，满足感还是很有一点的，毕竟，7000张已经不算是个小数目。

不打算多谈自己如何如何喜欢爵士乐，一方面，在《爵士乐的一个世纪》里我已有过这样的文字；另一方面，本书的目的，是让大家都喜欢上爵士乐，并且如何找到便捷的途径去喜欢。

收藏爵士乐唱片，很费钱，很费精力。首先，一个稍有些名气的乐手，一生的专辑至少在40、50张，大牌的乐手，专辑的数目至少在百张以上，如果你喜欢一个人，要收藏齐全他的作品，那么真够你受的；其次，正如古典音乐一样，一首爵士乐作品，会根据演出场地的不同，演出时间的不同，演奏乐手的不同，被放置在许多专辑中，而哪个版本更出色，刚听爵士乐的朋友，肯定会晕头转向，又何况，爵士乐的一些名曲，从诞生以后以后就被无数的乐手演奏过，甚至于用小号来演奏原来是为钢琴创作的作品、流行音乐、摇滚乐讲究“原人原唱”的标准，对于爵士乐完全行不通；还有，爵士乐百年历史，烟波浩渺，名人名盘数，其发展历史正和唱片工业发展史紧密相联，就此而言，它的数量之多，决不逊色于古典乐，要远远超过流行乐.

这本书想要达到的目的，是在如此之大的爵士音乐库中，挑选出300张至少无愧于“精华”的作品来推荐给大家，难度的确有一些，在具体专辑的挑选上，我至少进行了3次，但最后肯定还是会挂一漏万，这一点，要请大家原谅。

爵士乐各个流派各主要的名人代表作品，在这本书里都有介绍，90％以上的专辑，都是爵士乐历史上已有定评，并被许多本爵士乐权威刊物书籍评以四星办（五星为最高标准）上高分的名盘，以乐手的最佳专辑为第一标准，即使是一些由于收藏所限还没有找到其最佳专辑的乐手，也至少是介绍到汇集其最佳曲目的精选集。对于一些很受中国爵士乐迷喜欢的流派、群体，如ECM人群、冷爵士流派、融合爵士等的名盘，都有较多篇幅的介绍，在这样的基础上，当然也有个性的筛选，60年代之后的现代爵士作品在本书中占据了1/3的位置，这是我个人爱好的反映，一本没有个性的书，想必也不大会受欢迎。

多年以前开始听爵士乐的时候，周围能与之交流的朋友真可以说是凤毛麟角，后来同道多了起来，但却感觉到资料的缺乏，在那个时候，互联网还没有普及，而市面上有关爵士乐的书籍也实在是少得可怜。到了今天，听爵士乐的朋友，是越来越多了，可是资讯的速度依然没有跟上，虽然爵士乐的书在这一两年里有一些出版，却始终没有一本系统介绍爵士乐经典作品的书籍问世，曾经在海外的唱片店里看到，爵士乐迷至少有十来册爵士乐专著可以选择，其中多的就是专门用来介绍名盘以供他们买碟时参考的指南。

这本书的文字应该不是晦涩的，介绍类的小书，如果要卖弄学问，真是很可怕的事，何况我也不是做学问的人，一个乐迷罢了。在介绍唱片时，用的文字都是比较平实的，求的是把专辑的经典性，音乐的感觉尽可能清晰的表述给读者，最后的目的，当然就是大家能拿着这本书很方便找到自己各自喜欢的唱片，这肯定不是一本畅谈自我感受的乐评著作，我宁愿大家把他看做一本浅显而有用的工具书。

书中有关村上春树评论爵士名人的文字，参照了林少华先生译的村上春树《爵士乐群英谱》（上海译文出版社2002年版），特此证明，并致谢意。

感谢吴志超，没有你的邀请和催促，我也没有动力去完成自己的这次总结。

张炜，我的书总是献给你的，虽然你实在是不太喜欢我听的那个东西。

写书的过程，确实是很辛苦的，而写完的那一刻，也确实是很轻松的，看着自己完成的文字，想像她们被印刷成页装订成书摆在书架上，那种满足感单单用“愉悦”来形容是不够的。

王昕
2003年6月 上海西区

schiff

看古典音乐会着正装，看摇滚演唱会穿仔裤、超短裙的道理谁都懂，怎么一到爵士乐就懵了呢？其实就差那么一点点——只要放松一下，把领带摘掉，衬衫领扣解开一颗，把表情放缓和一些，喝上一听啤酒，就好了，这才是爵士乐的气氛和精神。

　　爵士身材只有一胖一瘦这两种极端是最有味道的，爵士女歌手中身材中庸者往往以无名之辈居多。至于为什么，我想是因为爵士乐是用灵魂待人的吧，它无须任何标准规范——它将人的眼睛、耳朵和心灵逐层地解放，让拘束者闭目魂游，自由者更加自由。

　　秋天来了，裙子和双腿之间多出了一层厚袜，夏日薄裙抚膝的美妙感觉被风卷走，让人难免有点多愁善感。秋天似乎无聊，如果不想开车去香山看红叶，好像只剩在家和花花草草们一起晒太阳了。唉，北京的秋天，好像不应该是这样的。

　　那一年，深秋下了一场大雪。当时还没买车，坐地铁到北京保利剧院大门口，衣领竖起来，噔噔地爬上台阶，跨进像家门一样温暖的大转门……哄的一下，季节改变了。

　　据说有的气功师家里的洗衣机是不用甩干功能的，因为湿衣服穿上身一发功就能冒蒸汽，两分钟不到就全干了。此刻的剧院大堂就热得让所有人过了一把大师瘾，头发上的雪花瞬间变成了玲珑的装饰，然后每个人都像发了蒸汽功一般，神采奕奕，精神抖擞，气氛酷似江湖中一年一度的武林盛会。

　　爵士音乐节，每年一度，最美的秋天就应该这样度过。

　　大爵士衣领

　　堂里挤满了各式各样的爵士人，闹哄哄的。以貌取人的话，大体能分出音乐家和爱乐人两种。

　　在人群中辨认出音乐家本不难，而辨认出爵士音乐家就需要一定的功夫了——不同于摇滚乐或者古典音乐家们的是，男爵士音乐家很少有长发的，并且他们衣着整洁毫无颓废之感。有人曾开玩笑说，当看到梳着辫子的男人西装革履仪表堂堂时，只有两种可能——看他手中的道具，如果拿的是乐器就是爵士音乐家，如果拿的是枪就是黑手党。剧院大堂里的爵士音乐家不拿乐器也非常好认，因为他们早早就到了，与可怕的空调交过手之后，身上该脱的都脱了，基本上都是一件解开领扣的深色衬衫加上胸口的演员证，衬衫下摆绝对不会捆在裤子里，领带在这里一条也找不着。女歌手则罕见，基本要到演出开始才肯在舞台上显露身姿。

　　爱乐人的成分就复杂了，有职业与非职业之分。所谓职业爱乐人，有演出经纪人、专业乐评人、电台或电视台DJ等等。他们的打扮显得神秘，似乎既不想被人一眼看穿与音乐有关，又忍不住要表现一下职业特征(毕竟来了就要社交的嘛)。所以男人一般是高领毛衣套休闲西装，女人则少不了一条花样披肩，化妆稍浓但毫不刺眼。就是这种介于正式与非正式之间的打扮，让人觉得很有味道，他们热爱音乐却并不崇拜音乐，如此姿态，不高不低，恰到好处。

　　职业爱乐人有时比音乐家还狂傲，但他们有着很好的着装素养，尤其是女人，无论如何都遵循着"你去看演出，不是演出看你"的准则。演出场地的灯光一般是不太明亮的暖光，化淡妆会显得憔悴，稍微浓艳一点就精神多了，但是无论化妆还是穿衣都切忌像舞厅里的转球灯——满脸满身的珠光、亮片，以为是参加晚宴或者珠宝展示；更不要裸露太多或以纱遮掩，那样只会显得轻浮做作。

　　比较之下，非职业爱乐人是最容易辨认的。尽管他们是自己买的票，是最货真价实的观众，而着装却显得最不搭调，太老外了，令人摇头。

　　其实爵士乐的"领子"在西方分两种颜色，既有着蓝领阶层的自由意志，也有着白领阶层的教养与文化修养，这和它的起源与发展分不开。爵士乐本是从美洲黑人奴隶的劳动号子源起的，当黑人布鲁斯(Blues，也称蓝调或怨曲)音乐的煽动性和娱乐性被白人庄园主注意到以后，一些有音乐才能的黑奴便被庄园主送去接受古典音乐训练，然后为主人带来新品种的娱乐。黑人音乐与古典音乐的混血音乐——爵士乐就这样产生、一路发展至今。在欧美，爵士乐既能在街头演奏，又上得音乐厅，无法用通俗或高雅来衡量。但在中国，爵士乐显然是属于高雅艺术范畴的，在酒吧里，国产爵士乐队也通常显得比菲律宾乐队有格调。

　　了解了爵士乐的背景和国情，就不难理解为什么我说非职业爱乐人穿着太老外了。看那些西装穿得最笔挺的，领带扎得最规矩的，皮鞋比眼镜还亮的，天啊，还有提着公文包的，肯定是非职业爱乐人。真是太不“入乡随俗”了。看古典音乐会着正装，看摇滚演唱会穿仔裤、超短裙的道理谁都懂，怎么一到爵士乐就懵了呢？其实就差那么一点点——只要放松一下，把领带摘掉，衬衫领扣解开一颗，把表情放缓和一些，喝上一听啤酒，就好了，这才是爵士乐的气氛和精神。

　　爵士身材

　　爵士也讲身材吗？当然！看，现在灯光已经熄灭，演出开始，我们可以静静地欣赏一下女音乐家的身姿了。

　　其实，世界著名的音乐家有几个是女性呢？我们心知肚明。放眼寰球男人把世界霸占得太多，爵士乐也不例外，他爵 们包揽了从创作到演奏甚至到歌唱的所有工种，从来没有出名的女爵士乐演奏家，只有女歌手甜柔委婉的歌声能被音乐史记录，这成了爵士乐的另一特点。

　　黑人女歌唱家比莉·哈乐第(Billy Holiday)、爱拉·菲茨吉拉德(Ella Fitzgerald)、贝蒂·卡特尔(Betty Cater)都是爵士乐史上璀璨的宝石。贝蒂·卡特尔在逝世前一年出现在北京爵士音乐节的压轴舞台上，迷倒了中国观众。她将爵士乐的招牌好戏——即兴演唱发展到了惊人的高度。不同于其他爵士女歌唱家的是，她把人声完美地融入音乐，与器乐共同成为一个声部。看似随意的演唱，却深深触及了爵士的精髓和灵魂。

　　在爵士乐演出中，只有女歌手是最有权利穿露肩低胸晚装的，无论白色、红色还是黑色，越是银光闪耀越是摄人魂魄。已经上了岁数的贝蒂·卡特尔身材丰满，在一个小时的演出中只换了两套衣服，比起流行歌手来她太不花哨，但是韵味压人。似乎著名的爵士乐女歌手都是体态丰满的。浑厚的低音似乎只能出自厚厚的胸脯和浑圆的腰肢。张惠妹曾经表示不在乎老了以后会否发胖，她说：“长胖了好啊，长胖了就可以去唱爵士了！”呵呵，倒不失为一个好主意。

　　日本女爵士歌手Keiko Lee一出场就爆出冷门。空旷的舞台上，一把高脚椅依傍在三角钢琴边，寂寞的锥光中，一位30岁左右的瘦削女子羞涩地坐在那里，琴声响起，一个与体重完全不成正比的低沉女声震惊了舞台上下。天啊，这是奇迹。你看她，一件白色的尖领衬衫、一条黑色长裤而已，单薄的身躯在歌声中变得坚强——纯粹的东方简约之风，肃穆又深邃，令人过目难忘。

　　爵士身材只有一胖一瘦这两种极端是最有味道的，爵士女歌手中身材中庸者往往以无名之辈居多。至于为什么，我想是因为爵士乐是用灵魂待人的吧，它无须任何标准规范——它将人的眼睛、耳朵和心灵逐层地解放，让拘束者闭目魂游，自由者更加自由。

　　起风了，套上爵士秋装，我们看演出去。

schiff

TAS 20世纪100张最佳爵士乐CD榜单


1、Cannonball Adderley: Somethin’ Else [1958, Blue Note/Classic Records]*

2、Louis Armstrong: Vol. 4: Louis Armstrong and Earl Hines [1928, Columbia/JSP]

3、Louis Armstrong: Vol. 2: The Hot Fives and Sevens [1927, Columbia/JSP]

4、Louis Armstrong: Plays W.C. Handy [1954, Columbia]

5、Count Basie: The Complete Decca Recordings [1937-39, Decca/GRP]

6、Count Basie: The Complete Live Roulette Recordings [1959-62, Mosaic]

7、Ran Blake: That Certain Feeling [1990, hatART]

8、Art Blakey & the Jazz Messengers: A Night at Birdland [1954, Blue Note]

9、Anthony Braxton: 6 Monk’s Compositions [1987, Black Saint]

10、Clifford Brown & Max Roach: Daahoud [1954-55, Emarcy]1

11、Ornette Coleman: The Shape of Jazz to Come [1959, Atlantic]

12、Ornette Coleman: Change of the Century [1959, Atlantic]

13、Ornette Coleman & Charlie Haden: Soapsuds Soapsuds [1977, Artists House/Verve] *

14、Ornette Coleman: Sound Museum: Hidden Man [1996, Verve]

15、John Coltrane: The Complete 1961 Village Vanguard Recordings [1961, Impulse!/GRP]

16、John Coltrane: Giant Steps [1959, Atlantic]

17、John Coltrane: A Love Supreme [1964, Impulse]

18、John Coltrane: My Favorite Things [1961, Atlantic]

19、John Coltrane: Blue Train [1957, Blue Note/Classic Records] *

20、Miles Davis: Kind of Blue [1959, Columbia/Classic Records *

21、Miles Davis: The Complete Live at the Plugged Nickel [1965, Columbia/Mosaic] *

22、Miles Davis & John Coltrane: Live in Stockholm 1960 [1960, Dragon]

23、Miles Davis & Gil Evans: Miles Ahead [1957, Columbia]

24、Miles Davis: Cookin’ [1956, Prestige/Analogue Productions/DCC] *

25、Miles Davis & Gil Evans: Sketches of Spain [1959-60, Columbia/Classic Records] *

26、Miles Davis: Miles Smiles [1966, Columbia] 2

27、Paul Desmond: Easy Living [1964, RCA]

28、Eric Dolphy: Out to Lunch [1964, Blue Note] *

29、Eric Dolphy: Outward Bound [1960, Prestige/Fantasy OJC]

30、Eric Dolphy with Booker Little: Far Cry [1960, Prestige/Fantasy OJC]

31、Duke Ellington: The Far East Suite [1966, RCA] *

32、Duke Ellington: And His Mother Called Him Bill [1967, RCA] *

33、Duke Ellington: The Blanton-Webster Band [1940-42, RCA]

34、Duke Ellington: Ellington at Newport 1956 (Complete) [1956, Columbia]

35、Duke Ellington: Such Sweet Thunder [1957, Columbia]

36、Bill Evans: Waltz for Debby [1961, Riverside/Fantasy OJC/Analogue Productions] *

37、Bill Evans: Sunday at the Village Vanguard [1961, Riverside/Fantasy OJC/JVC XRCD]

38、Bill Evans: The Final Vanguard Sessions [1980, Mosaic] 3

39、Gil Evans: Out of the Cool [1960, Impulse/Alto Analogue]

40、Ella Fitzgerald: Gershwin Songbook [1959, Verve] *

41、Ella Fitzgerald & Louis Armstrong: Ella & Louis [1957, Verve/Analogue Productions]

42、Ella Fitzgerald: Clap Hands Here Comes Charlie! [1961, Verve/Classic Records] *

43、Ella Fitzgerald: Cole Porter Songbook [1956, Verve/Mobile Fidelity] *

44、Chico Freeman: Spirit Sensitive [1978-79, India Navigation/Analogue Productions] *

45、Dizzy Gillespie & Roy Eldridge: Roy & Diz [1954-55, Verve] 4

46、Jimmy Giuffre 3: 1961 [1961, ECM] 5 *

47、Dexter Gordon: Our Man in Paris [1963, Blue Note]

48、Dexter Gordon: Go [1962, Blue Note]

49、Herbie Hancock: Maiden Voyage [1965, Blue Note] *

50、Coleman Hawkins: Body and Soul [1939-56, RCA]

51、Andrew Hill: Point of Departure [1964, Blue Note]

52、Billie Holiday: Greatest Hits [1933-42, Columbia] 6

53、Billie Holiday: Body and Soul [1956, Verve/Mobile Fidelity] *

54、Billie Holiday: Songs for Distingué Lovers [1956, Verve/Classic Records] *

55、Hank Jones/Billy Higgins/Dave Holland: The Oracle [1989, Emarcy]

56、Roland Kirk: Rip Rig and Panic [1965, Limelight/Emarcy]

57、Lee Konitz: Motion [1961, Verve] *

58、Jackie McLean: Let Freedom Ring [1963, Blue Note]

59、Charles Mingus: Tijuana Moods [1957, RCA] *

60、Charles Mingus: Pithecanthropus Erectus [1956, Atlantic]

61、Charles Mingus: Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus [Impulse!]

62、Thelonious Monk: Monk’s Music [1957, Riverside]

63、Thelonious Monk: Thelonious with John Coltrane [1957, Riverside]

64、Thelonious Monk: Brilliant Corners [1956, Riverside]

65、Thelonious Monk: Thelonious Alone in San Francisco [1959, Riverside]

66、Thelonious Monk: Genius of Modern Music [1947-48, Blue Note]

67、Jelly Roll Morton: The Birth of the Hot: The Classic Chicago "Red Hot Peppers" Sessions [1926-27, RCA]

68、Gerry Mulligan & Chet Baker: Complete Pacific Jazz Quartet Recordings [1952-57, Pacific Jazz/Mosaic/Blue Note]

69、David Murray: Ballads for Bass Clarinet [1991, DIW]

70、Oliver Nelson: Blues and the Abstract Truth [1961, Impulse!] *

71、Charlie Parker: The Complete Dial Sessions [1946-47, Dial/Spotlite/Stash/Jazz Classics/Definitive Recordings]

72、Charlie Parker: Jazz at Massey Hall [1953, Debut/Prestige/Fantasy OJC] 7

73、Charlie Parker: The Charlie Parker Story [1945, Savoy] 8

74、Charlie Parker: The Complete Verve Recordings [1946-54, Verve]

75、Charlie Parker: The Complete Live Performances on Savoy [1947-50, Savoy]

76、Art Pepper: Today [1978, Galaxy]

77、Art Pepper: Meets the Rhythm Section [1957, Contemporary/Analogue Productions/ DCC] *

78、Bud Powell: The Amazing Bud Powell [1949-50, Blue Note]

79、Bud Powell: Jazz Giant [1949-50, Verve]

80、Bud Powell: The Genius of Bud Powell [1950-51, Verve]

81、Sonny Rollins: Our Man in Jazz [1962, RCA/Classic Records] *

82、Sonny Rollins: Saxophone Colossus [1956, Prestige/Fantasy OJC/DCC]

83、Sonny Rollins: Night at the Village Vanguard [1957, Blue Note]

84、Sonny Rollins: Way Out West [1957, Stereo/Contemporary/Analogue Productions] *

85、Wayne Shorter: Speak No Evil [1964, Blue Note]

86、Frank Sinatra & Count Basie: Sinatra-Basie [1962, Reprise] 9 *

87、Sonny Stitt (with Art Pepper): Atlas Blues (Blow and Ballad) [1980, Atlas] *

88、Sun Ra: Sunrise in Different Dimensions [1980, hat HUT]

89、Sun Ra: Jazz in Silhouette [1958, Saturn/Impulse!/Evidence]

90、Art Tatum: Solo Piano [1949, Capitol]

91、Art Tatum (with Ben Webster): The Group Recordings, Vol. 8 [1956, Pablo/JVC XRCD]

92、Cecil Taylor: For Olim [1986, Soul Note] *

93、Sarah Vaughan: With Clifford Brown [1954, Emarcy]

94、Sarah Vaughan: Swingin’ Easy [1954, Emarcy]

95、Sarah Vaughan: Crazy and Mixed Up [1982, Pablo/JVC XRCD] *

96、Sarah Vaughan & L.A. Philharmonic: Gershwin Live! [1982, Columbia] *

97、World Saxophone Quartet: Revue [1980, Black Saint]

98、World Saxophone Quartet: Plays Ellington [1986, Nonesuch]

99、Lester Young: The Lester Young Story, Vol. 1 [1937-40, Columbia]

100、John Zorn: Masada 8 [1996, DIW]

schiff

爵士座談會 -- 從年度十大唱片談起


主講： 小威、黎時潮、蘇重

》寫在爵士座談會紀錄之前
》黎時潮的爵士樂趨勢分析
》小威的十大之外，狀況之外
》這年頭的古典樂與爵士樂
》Ken Burns‧最高指導原則‧自由爵士
》歌手 伴奏樂手 與黎時潮的打擊率
》歐洲鋼琴手Bobo Stenson和台灣的吳書齊
》Dave Douglas‧Mary Lou Williams‧尾聲
》Bill Evans最後華爾滋
》當爵士樂手的條件
》爵士座談完結篇 樂士浮生錄

■寫在爵士座談會紀錄之前
我先聲明一下，這次因為座談講的東西天南地北，扯得很遠很雜，所以我自告奮勇要幫忙整理，卻拖了十天才整理出一部份，我很忙，很懶惰很笨手笨腳很惡劣很離譜。但是不管有什麼藉口，拖了這麼久才貼，而且還沒貼完，真是很爛，對不起donotforget和兩位站長以及一起主講的小威和黎時潮，這裡先譴責自己一下。

上個禮拜天的年度爵士十大唱片座談，小威和黎時潮都講的非常精采，但是有一點要先講，我覺得來現場參與的聽眾，或者接下來看到紀錄的網友們都可以了解，整場座談，就是在閒聊，希望大家也能抱著聽三個樂迷聊天的心態看這次座談，用不著太嚴肅，有任何不同的意見，或者任何想進一步討論的地方，都歡迎在板上提出來。
蘇重
■黎時潮的爵士樂趨勢分析

蘇：這次座談是由543音樂站主辦，主題是由中國時報舉行的年度十大爵士唱片來談去年這一年的爵士樂，我是蘇重，我右邊的是黎時潮，台北愛樂電台的主持人（黎：我是工程師！）另一位是網路上人稱小威，政大的孫秀蕙老師。（黎是543音樂站柯川板的板主，小威則不但是駐站作家，同時也在543主持爵士板。）

黎：因為詹宏志的明日報倒了，所以我們大家都可以代替他來談談趨勢，2000年的爵士樂，最明顯的一個當然是跨音樂種類的融合，舉個例子來講，可能很多人買了尤瑞肯恩（Uri Caine）的《郭德堡變奏曲》，卻聽不懂，在這裡教大家一個訣竅，這張唱片的第一曲叫Aria，以歌劇來講指的是詠歎調，在巴洛克時期的用法呢，是「主題」的意思，也就是巴哈的原曲的第一首，接著有Variations，也就是第幾號第幾號變奏，那是照著巴哈原曲的No.，你可以找一個古典樂的版本，比如說顧爾德，最好是五零年代的那個版本來聽聽看，在Variation的曲目，是按照巴哈的曲子作變奏，沒有作太大的更動，也許是一些配器的變化，但是在兩段Variations中間的曲子，就是根據前一段再作變奏，你可能覺得很奇怪，明明是變奏，為什麼聽起來好像沒有關連？其實他變奏的不是旋律，而是Bass Line，就是低音聲部，你仔細聽低音聲部，就可以聽到有關連的部分。

其中最好玩的變奏，就是〈極微主義變奏〉，這一曲最容易被辨識出來，我問過肯恩，他說這一段最簡單，就是把巴哈原曲的節奏放慢八倍就成了，大家只要聽的時候把八個小節變成一個小節，就是巴哈。

我自己聽到的第二個趨勢，就是自由、前衛爵士的變形，最明顯的就是戴夫荷蘭（Dave Holland）那張唱片（最高指導原則Prime Directive），那張唱片非常了不起，即興當中可以聽到強大的衝突張力，非常厲害，這就是六零年代歐涅柯爾曼（Ornette Coleman）想作的事情，但是當時作不到，經過四十年的努力，終於開花結果，這對爵士進入21世紀是件好事。

第三個就是爵士樂滲透到其他地方，尤其是流行音樂當中，最明顯的例子，瑪丹娜的《Music》，我今天帶了另外一張唱片，赫比漢考克（Herbie Hancock）的《Dedication》，你要是聽過這一張，你會覺得《Music》是赫比漢考克的作品。瑪丹娜在歌詞裡唱得很清楚，"I Like Boogie-Woogie"，Boogie-Woogie是爵士樂的名詞，是很古老的東西。

第四個，最好的趨勢是543的成立，我說最好的意思是，比如說這一套非常棒的唱片，Bill Evans（比爾伊文斯）的《Last Waltz》，他最後的現場錄音，唱片公司只進了20套，因為他們不知道543的存在，按照543的實力，至少可以賣40套，我有這個信心，《Pet Sound》一分半鐘就賣完了，所以《Last Waltz》也沒有問題，按照這樣的相乘效應，到22世紀的時候，當我們都不存在的時候，543會變成台灣最大的唱片公司。
top ^

■小威的十大之外，狀況之外

小威：我可能是今天來講的人裡最不進入狀況，對十大瞭解最少的，一年多來都在作行政主管，精神都花在一些瑣事上面，錯失了很多好唱片，過去這一年，有很多精彩的作品，不知道是不是進入二十一世紀的巧合，還是好的樂手本來就非常多。我們比較幸運的一點，是有一些認真的代理商，比如說Verve，然後Universal就不是很好，不過大家忍耐一下，去年Reissue（重發片）作的很好得像Sony，有一位很棒的電吉他手John Mclaughlin（約翰邁可洛夫林），他有一張絕版很久的作品叫做《Birds Of Fire》，去年都已經出來了，所以我從八個字開始談，就是「狀況之外、十大之外」。

我簡單講一下我所理解的趨勢，這一兩年來，比如說溫德斯拍了《樂士浮生錄》那個紀錄片，所以古巴音樂等於是席捲全球，還不只是美國而已，古巴音樂普遍化，變成非常主流，去年的十大有一張很不錯的唱片，就是Chucho Vlades（裘丘瓦德斯），原本藍調（Blue Note）唱片最有名的古巴樂手應該是Gunzalo Rubacaba（魯巴卡巴）可是他比較年輕，瓦德斯是一個前輩，他的知名度本來只在一些樂迷之間流傳，在台灣不是很多人知道他，就是因為懶惰的EMI，我要在這裡譴責EMI，第二個要譴責的是BMG，還有華納。

黎：華納就不用譴責了，直接一個雷打下去就好了。

小威：Chucho Valdes很棒的地方，就是把Bebop（咆勃爵士）誕生以來，像是Bud Powell（巴德鮑威爾）的一些曲子，還有一些芭樂曲〈My Funny Valentine〉之類的，用一個非常流暢的拉丁節奏的方式把它彈奏出來，我覺得爵士樂就是要這樣子，你生長在一個地方，你很熟悉這裡的旋律，就要把你熟悉的東西和爵士樂作個結合。台灣以後也可能有這樣的爵士樂，我一直覺得台灣的牽亡曲、倒退嚕裡面，嗩吶的吹法很像Albert Ayler在那邊鬼哭神號。所以世界音樂的融合，看起來絕對是一個趨勢。

那第二個趨勢就是老將，老將出的新專輯，我們這次有選Sam Rivers，但是他的這張唱片其實在台灣代理商沒有進，是靠唱片行的專單。我覺得很可惜，因為Sam Rivers六零年代在藍調唱片出的專輯一直被刻意的忽略，因為他一直走在時代的前面，到現在還是，他現在作的東西是大樂團，可是非常有自由前衛的味道，去年的老將除了Sam Rivers，還有Andrew Hill，也非常精彩。另一個老將是Flip Philips，他去年的這張專輯出版之前，心臟動過手術，他最大的抱怨就是，以後不能再抽這麼多煙了，真是非常嚇人。他在50年代的表現就非常傑出，Philips那種強勁的搖擺風味薩克斯風，無人能及。

除了老將之外，就是這一兩年來我們都非常期待的一些新銳，慢慢的獨當一面，最明顯的就是Dave Douglas，幾年前Dave Douglas跟John Zorn、Joey Baron' Greg Cohn來台灣在皇冠小劇場演出時就非常精彩，我當時只買了一天的票，後來聽說他們四場的演出內容都不相同，讓我非常後悔。

他們讓我印象最深刻的就是把猶太音樂放到自由爵士的架構裡，用「同時即興」（Collective Improvisation）的方式表達出來，Dave Douglas是一個非常好的編曲家、樂團領導人也是個非常好的小號手。他作很多不同風格的音樂，像是他會用取樣器（sampler）去作一些效果，或者是錄製向Joni Mitchell致敬的專輯，這些東西的變化性都非常大，所以他是個很有創造力的樂手，也是個很好的表演者。

我要特別講一下去年為什麼很難選，因為好的唱片實在非常多，舉個例子講，去年有很多精彩的Reissue，重發的唱片不在我們的評選範圍，因為這樣根本選不完，舉個例子，Sony去年出了好幾張日野皓正（Terumasa Hino）的唱片，以前只是覺得他很像Miles Davis，但是仔細聽，才發現他絕對不是只像Miles Davis而已，日野皓正有Dizzy Gillespie的Bebop風格，也有Woody Shaw的調式爵士以致於Post-bop的一些東西，日野皓正是一位非常有彈性的小號手。有興趣的人可以去找他一些日本版的唱片，特別是他和菊地雅章（Masabumi Kicuchi）合作的東西。

蘇：我們來聽一下剛剛提到的Chucho Valdes，他像是一本「活生生鋼琴百科全書」，爵士樂的鋼琴百科全書，所有的風格、所有的技巧都掌握的非常好，而且還加入他自己的拉丁音樂的風格。

（播放Chucho Valdes的唱片：《Live At Village Vanguard》EMI發行）

黎：我第一次聽到Chucho Valdes的感覺是：這很像霍洛維茲，不過他會彈藍調！

蘇：事實上，就像小威老師剛剛講的，Chucho Vlades在台灣的知名度不高，在美國可能也是一樣，Valdes的一些小老弟，他以前帶出來的團員像是小號手Arturo Sandoval，已經都非常有名獨當一面了，但是Valdes因為一直待在古巴，可能呆的太久了，知名度不是很高。

我覺得現在聽到的音樂融合，不論是拉丁音樂或者自由爵士，都已經到了一個非常圓融成熟的境地，以往我們會聽到一些生澀的，不成熟的東西，就好比你明明在作爵士樂，卻硬插了一段〈望春風〉進來，兩者之間，油是油水是水，格格不入，但是到現在，經過幾十年的努力，似乎現在樂手已經都能完整的掌握不同風格音樂的融合處理，可以表現他個人以及他的族群的聲音。
top ^

■這年頭的古典樂與爵士樂

黎：（舉起一張CD）這張唱片很爛，大家不要買。

這是Simon Rattle，他指揮一個古典樂團，加上一群爵士樂手演奏Duke Ellington的作品，Simon Rattle是個很棒的指揮，我很喜歡他的馬勒，不過這張唱片確實很爛，因為古典樂團和爵士樂手的訓練不一樣，聽他們演奏Ellington，Ellington會在地底下翻身。可是這張唱片代表一件事情，以前可能有一些古典樂的人跨過來玩爵士，也許是為了好玩，也許是受到邀請，最著名的就是帕爾曼跟Oscar Peterson他們曾經合作過一張，那張唱片當然很好玩，聽那張唱片會發現，帕爾曼拉帕爾曼的，然後Oscar Peterson嘗試著跟他對話，可是帕爾曼總是不理他。當然很多爵士樂手會玩古典樂的東西，像Uri Caine這樣的是個特例，當然有一些人本來就是怪胎，像小提琴手甘乃迪，他出過一張Bartok的小提琴協奏曲，唱片的後半是她和一位爵士樂的Double Bass合作Duke Ellington的一首曲子，就是〈Black, Brown And Beige〉裡面Beige的那一段，那張唱片在全世界賣不到一千張，我在英國碰到甘乃迪，拿出來請他簽名，我跟他說：「你所有的唱片我最喜歡這一張。」甘乃迪回答說：「我也是，可是，噓......不要告訴唱片公司的人！」甘乃迪本身也很喜歡爵士樂，他對爵士樂的瞭解當然比那個時候的帕爾曼多。

爵士樂跟古典樂最大的差別，古典樂是在一個追求精確完美的狀況下，表現自己的個性。就是說你一方面要精確完美，像海飛茲那樣。一方面又要表現自己的個性，如果你沒有個性，你就只是機器，只是精確完美，什麼都不是。爵士樂的樂手，我自己的感覺是，即使他是在獨奏的狀況下，他也一直要和其他的樂手對話，沒有對話就沒有爵士樂。即使是獨奏，即使是一個人，也是左手和右手對話，甚至兩隻手產生好幾個聲部，不同的聲部之間彼此對話。有一邊大聲，另一邊就退縮，或這兩邊爭吵，或者兩邊和好。

爵士樂是個對話的藝術。

剛才講這麼多都是廢話，最重要的是，以往古典音樂家演奏爵士，往往是個人行為，而且也沒什麼大牌。現在，公元兩千年，有個叫Simon Rattle的，被人公認是未來大師級的指揮家，領導著他一手帶大的伯明罕交響樂團，現在的世界十大樂團之一，他來參與爵士樂，這代表什麼，這代表爵士樂翻身了！也就是說在21世紀，會有越來越多的古典音樂家來玩爵士樂，按照這個趨勢發展下去，我那本書的結論就會變成真的，未來只有兩種音樂，一種叫爵士樂，一種叫不是爵士樂。

就是說所有音樂都結合在一起，你只要有對話的精神就是爵士樂，各說各話的就不是爵士樂。不然我真的不知道爵士樂有什麼定義。根據今年Ken Burns的爵士樂紀錄片和它所引發的討論看來，另外一個趨勢也是確定的，就是說關於「爵士樂是什麼？」這個爭論，到地老天荒都會持續下去。或者我們應該說未來只有音樂，好的音樂跟不好的音樂，我們在543聽到的就是好的音樂。

蘇：我們現在來聽聽古典和爵士的融合，來聽聽Uri Caine的《郭德堡變奏曲》。

（播放Uri Ciane的〈Hot Six Variation〉和〈Vilvadi〉）

黎：我們剛剛聽到的是Uri Caine的兩段變奏，Hot Six 跟Vilvadi，Hot Six的典故出自路易士阿姆斯壯的Hot Five跟 Hot Seven，五加七的中間就是六。風格就完全模仿阿姆斯壯，這裡有個trick，如果你有這張唱片，你可以聽第三曲，那是演奏巴哈原曲，低音聲部和這裡是一樣的。節奏組的部分就是巴哈的數字低音。Vilvadi的部分也是一樣，小號的演奏和偉瓦地的小號協奏曲是一樣的，聲音的處理、音色的處理和韋瓦第是一樣的，同樣的trick也是在Bassline。

蘇：其實大家應該注意到一件事了，剛剛的兩首曲子，是同一個樂團演奏的，同一群人，你聽到的Hot Six和韋瓦第變奏，他的極微主義、音樂劇變奏、福音詩歌變奏，都是同一個樂團演奏的。早個五十年，懂爵士又懂古典，兩邊都能夠演奏的人很少，現在就多了，像Uri Caine和他的這些朋友們豎笛手Don Byron、小號手Ralph Allessi等人，都有古典訓練，也有爵士背景，他們就比較有能力處理這樣的音樂。

小威：不知道有沒有人去聽NHOP的音樂會，他第一首曲子就是演奏巴哈。其實現在的爵士樂樂手，經常在演奏時會回到古典樂或是傳統的東西。不知道去年有沒有人去聽Diana Krell的演唱會，我對她有很多刻板印象，覺得她就是學50年代的白人女歌手，加上一點黑人唱腔，她就是個穿的美美少少的橫臥在鋼琴上。但是現場聽到她彈了一長段Stride，就是「闊步」，一種在20年代哈林區非常流行的的鋼琴風格，下巴簡直要掉下來。後來才聽黎時潮講，Krell的父親是Fats Waller的樂迷，Waller就是一個Stride的演奏者。我覺得很多好的東西不會因為時間而被淘汰成博物館音樂，反而不斷的活化，像Stride，或者像Uri Caine這樣變奏巴哈的東西。

Ken Burns‧最高指導原則‧自由爵士

小威：所以去年Ken Burns拍的十九個小時的爵士樂片子，把時間停在1960，也難怪很多人會不以為然。因為他其實就是：「好，我把歷史講完了，這些東西都可以收在櫃子裡，那我們也不用再討論爵士樂。」反正Ken Burns覺得這就是20世紀美國最偉大的三樣東西：一個是憲法，所以拍了《Civil War南北戰爭》、第二個是棒球，所以他拍了《Baseball》第三個就是爵士樂。但是他的觀念是非常錯誤的，因為爵士現在不是美國特有的東西，世界各地都有自己的爵士樂，爵士樂也不是像Wynton Marsalis講的很Groovy很紐奧良風的，然後一切都好像停留在六零年代。那個觀念是不對的。我們要了解爵士樂不是一個固定風格。去年的評選，我們就遇到很大的挑戰，不容易瞭解像Uri Caine郭德堡這樣融合許多東西的音樂，但是後來當然就比較清楚。

蘇：Ken Burns所做的事，上次聊天的時候小威老師有個比喻，就好像現在公視跟天下雜誌合作，來拍個發現台灣，發現台灣原住民音樂的影片，然後大家看了就覺得吾土吾民、吾國文化，我們的同胞我們的鄰居有這樣的創意這樣的音樂，實在太偉大了，然後大家看了掉眼淚。Ken Burns會把時間停留在六零年代，因為他的音樂顧問是Wynton Marsalis，Wynton有他的地位，他的音樂概念要捍衛，Wynton既然講爵士樂就是要有Groovy、要有紐奧良元素等等，當然不能提六零以後的音樂，因為現代的爵士樂不只是這個樣子。就好像Dave Holland的《最高指導原則Prime Directive》儘管入圍葛萊美，卻絕對不會得獎，因為《Prime Directive》如果得獎，等於推翻了很多老美樂評人對爵士樂的定義。

黎：我要替Ken Burns說句話，他當然不能講六零以後的爵士樂，那就好像我寫書也不敢碰七零以後的東西，因為現在很多人都還活著，我們要談七零到現在的爵士樂，要旅行世界各地去蒐集資料，到Rudy Van Gelder的錄音室去問他當年Coltrane站在哪裡演奏？（蘇重插話：「你這是觀光客心態！」）我們要去訪問還活著的重要人物，聽聽他們的說法，才可能釐清這幾十年的音樂是怎麼回事。

蘇：話題好像岔遠了，我們來聽聽《Prime Directive》，這是去年讓我非常震驚的唱片，我覺得他做到了很多人想作，卻無法完成的東西。

（播放Dave Holland的《最高指導原則Prime Directive》）

蘇：我覺得這實在不是即興，結構上有很多精妙的設計，現場聽到，會覺得這個團真的是「活的」，完全是一體的，很多強弱之間的牽引，非常自然，也非常厲害。

黎：我倒覺得這還是即興的東西，因為對現代的爵士樂手來講，即興真的難不倒他們，我相信Dave Holland可以做到現在這個樣子，是因為六零年代有Ornette Coleman，Coleman提出集體自由即興的概念之後，樂手們一直在試這樣的方式可以怎麼表現，經過幾十年的努力，才會有今天的成果，我們來聽Ornette Coleman一個二重奏的東西，就是完全即興的作品，一九九六的作品，因為只有兩個人，大家比較容易聽的出來樂器之間的互動關係。

（播放Ornette Coleman和Joachim Kuhn合作的《Colors》）

黎：這是完全即興的東西，我只能說Joachim Kuhn很倒楣，他在這張唱片裡一直被Ornette Coleman壓著打，可是我們可以清楚聽到Ornette Coleman跟Joachim Kuhn之間的互動，當鋼琴表現不錯的時候，Ornette Coleman就會退縮起來，退居幕後，但是當鋼琴不是這麼精彩的時候，Coleman的薩克斯風就會衝出來，彌補音樂的不足。這張唱片很有趣的是，我們在六零年代聽Ornette Coleman，從來不覺得是這麼悅耳，自由爵士曾經是洪水猛獸，但是到了九零年代，成了家裡的寵物，大家仍然是作集體即興的東西，但是現代的樂手就能把它演奏的非常悅耳，我們才會聽到像Dave Holland這樣的東西，有結構、有即興、有張力、有樂團默契，同時又這麼好聽。

小威：講到自由爵士，我要再提一下Sam Rivers，他是美國第二代黑人菁英，他的媽媽是大學老師，剛剛已經說過他六零年代在藍調唱片的錄音並沒有受到重視，如果你想知道一個老先生經過Hard-bop音樂的洗禮，而又沒有拘泥在那樣的風格當中，持續有新的東西出現很推薦大家聽聽Sam Rivers的作品。我們就來聽聽看。

（播放Sam Rivers的《Inspirations》）

蘇：以往我們想到Sam Rivers，如果對自由爵士有一點瞭解，會有個印象就是他非常鬼哭神號，很激烈，很凶猛，但是現在聽到的，他的作品其實很悅耳，有許多新意出現。
top ^

■歌手 伴奏樂手 與黎時潮的打擊率

蘇：這次的年度十大，我們選了兩個歌手，我們現在來聽Dee Dee Bridgewater，她是很老牌的爵士女歌手，我覺得她在這張唱片裡也融合了跨界的東西，有很多有新意的表現。

黎：聽這張唱片，一定要注意一下那三個伴奏樂手，完全名不見經傳，去查All Music Guide，只有出生年月日，有一個還不詳。但是他們非常厲害，我們就來聽聽看。

（播放Dee Dee Bridgewater《Live At Yoshi's》專輯裡的〈Sex Machine〉）

蘇：這個鋼琴手的表現實在很棒，但是他的名字我卻想不起來，真的沒什麼名氣，其實能夠做到剛剛這樣的演出，真是很了不起，早生個五十年，他就是神，會受到大家的崇拜。但是他是二十世紀末的樂手，在二十世紀末，沒有練到這個程度，你可能沒辦法畢業，根本就不要出大學校門。

黎：我們來聽十大唱片裡另一位歌手的表現，Teri Thornton。這是爵士「阿信」，很不幸的是她已經過世了。

蘇：這位Teri Thornton出道的時候只有十八、九歲，出了幾張唱片沒紅，然後就沈寂下去，隔了三十幾年，才再得到出唱片的機會，當時她蠻潦倒的，在一些小酒館走唱，遇到一個她以前的Fan，這位樂迷小姐是音樂經紀人，她就說要幫Thornton作經紀人，安排演出、唱片合約等等，但是Thornton這時卻得了癌症，本來已經想死了，經紀人又安排她參加美國規模最大的Monk爵士音樂大賽，和一群新人競爭。決賽時，為歌手伴奏的樂團是主辦單位請來的三重奏，當時那個鋼琴手一直掉眼淚，根本沒辦法好好彈，因為那個鋼琴手正是三十五年前Teri Thornton上一張唱片的製作人。

（播放Teri Thornton《親切如我I'll Be Easy To Find》專輯裡的〈It Ain't Necessary So〉）

黎：講到這裡，有一個東西一定要講，就是我的打擊率。幾年前巴黎傳播問我可以邀哪位爵士樂手來演出，我就說：「Gerry Mulligan啊，找他來一定很精彩。」第二年，Gerry Mulligan掛了。九八年，渴望經紀公司問我可以找誰，我就說：「Michel Petrucciani，他這幾年表現多好啊！」九九年，Michel掛。去年和Henssy聊到他們可以請誰來，我說Teri Thornton，老太太又掛了。我推薦過的四個人，只有Hal Singer真的到台灣，也還健在，不過他七、八十歲了，也很危險。所以我目前的打擊率是七成五。
top ^

■歐洲鋼琴手Bobo Stenson和台灣的吳書齊

蘇：黎時潮沒有推薦Kenny G來台灣是他的不對。

小威：應該推薦Wynton Marsalis。

黎：不行，Wynton如果現在掛了，會變成神。

蘇：我覺得去年的年度十大，真是有很多不同的風格，我覺得大家聽爵士樂，不妨聽聽和我們同一個時代的東西，比如說你現在去唱片行，會有一些爵士唱片的標題叫做什麼什麼dot com之類的、融合電子舞曲、世界音樂等等，和我們的時代同步，和社會現況連接的東西，很多新的想法、新的東西，聽聽這些會是滿有趣的。

小威：講一下歐洲的鋼琴手好了，去年其實有一些精彩的歐洲爵士鋼琴，比如說玖玖出的Gyorgy Szabados，那位匈牙利鋼琴手的專輯其實滿好的。歐洲的爵士樂可以聽出和美國爵士樂不同的地方，這一點可以從鋼琴中聽出來，俗果說美國的爵士樂是Hot Jazz的話，歐洲爵士樂，因為他們的古典樂背景，就有點「慢火」慢慢燉的感覺，我現在滿喜歡這種味道的，也許不是很炫技，但是像Bobo Stenson的鋼琴三重奏，就是非常平衡的，聽這樣的音樂是需要慢慢累積的，就是說隨著音樂的流動，可以慢慢感覺出來音樂的美麗，而不是說，像你聽Art Tatum那樣一開始就被嚇到，覺得好像有四隻手在彈鋼琴一樣。我覺得歐洲人能夠把樂器的聲音充分的發揮，好像你在聽的時候，那些雨聲啊等等外面的聲音就可以跟音樂融在一起。一些新秀歐洲鋼琴手，像Enja這個品牌有一個法國的鋼琴手Antonio Farao就很值得期待。

蘇：我們來聽Bobo Stenson，他是一位瑞典的鋼琴家，這是他的三重奏作品。

（播放Bobo Stenson的《寂靜Serenity》）

黎：543來團購個十加一的Pack好了，年度十大加上吳書齊，因為吳書齊的《存在》是評審團大獎。跟大家報告一個好消息，「五百張救書齊」的活動成功了，玖玖正準備幫他出第二張，吳書齊正在積極的籌備新作品，其實這幾年來，台灣爵士樂，至少一直都有本地的樂手出唱片，好不好不談，因為在台灣的這個環境，真的是非常辛苦，樂手明知會賠錢，明知沒有人會看見，還是錄了這些作品，這種精神很了不起。

我碰到台灣的爵士樂手，站在朋友的立場，實在應該勸他們別再玩了，去買股票，賣美而美早餐可能都好一點，這是實話，比較容易賺到錢，生活不會那麼辛苦。

吳書齊是個特例，一方面他非常年輕，不像我這種變態叔叔的等級。但是吳書齊出道很早，累積了足夠的現場經驗，又有夠開放的態度，可以從他自己的聆聽經驗中吸收靈感，我覺得他真是值得我們期待，未來他作的東西很可能會超乎我們想像。

蘇：吳書齊的《存在》側標是我寫的，我覺得上面的文字得罪很多人，但是唱片公司居然把我的名字放上去，不管怎麼說，既然這樣，我還是會負起責任。我一直覺得台灣的爵士樂手，不論在錄音還是現場演出，都有種交考卷的心態，應該說大家都在做一件像是交考卷的事情，就是說我學習了美國、歐洲的爵士樂，我學得如何，程度到哪裡，我把它表現出來，然後成績怎樣，聽眾可以自己評斷。我一直強烈感覺到那樣的態度，所以吳書齊這樣能夠掌握自己的樂器，同時有很多自己的東西要表達，想說一些話的樂手，就很可貴。那張唱片是一場在十方樂集的音樂會，當時現場的聽眾好像都是他的朋友，掌聲零零落落的。

黎：掌聲會零零落落，可能是因為大家根本搞不清楚他彈完沒有。

蘇：我們來聽聽吳書齊。

（播放吳書齊的《存在》）

黎：不要聽了，大家買回家自己聽好了，反正543還有，唱片也很便宜。
top ^

■Dave Douglas‧Mary Lou Williams‧尾聲

黎：接下來我們來聽這張唱片《靈魂對談Soul On Soul》，這是小威老師剛提過的小號手Dave Douglas的作品。但是我們聽到的不是Douglas，而是偉大的女性音樂家瑪莉路威廉斯，因為這是Douglas獻給鋼琴家Mary Lou Williams的作品。我在蘇重那本書的序裡寫過，當初上帝造了一男一女，女的是Mary Lou Williams，男的是Cecil Taylor，他們兩個在被創造出來的第一天就在天堂開雙鋼琴音樂會，結果人類就被上帝趕出伊甸園。

會用這個典故，是因為他們兩個真開過這樣的音樂會，那張唱片被所有批評家嫌到不行，因為Cecil Taylor一直在敲鋼琴，大家知道，他有句名言說：「鋼琴不是弦樂器，而是打擊樂器」。Mary Lou Williams則是真正的鋼琴百科全書，爵士樂歷史上只有她一個人可以說所有的風格她都演奏過了，從Boogie-Woogie、Stride到前衛即興她都彈過。在和Cecil Taylor的完全即興前衛雙鋼琴演奏之後六個月，Williams又和Benny Goodman大樂團合作搖擺風格的音樂，短短六個月，她演奏了發展時間相差四、五十年的音樂風格，而且都掌握得很好。當年Charlie Parker這些年輕人的Bebop風格到處被人批評，大家都覺得他們在亂搞，只有Mary Lou Williams覺得這些年輕人很不錯，提供他們吃住，還資助他們練習，她應該被稱為Bebop的媽媽，但是爵士樂的歷史完全遺忘了她，一直到最近才開始翻案。Mary Lou Williams為什麼會被忽視呢？一方面因為她是黑人，一方面因為她是女性，受到雙重歧視，非常非常不公平。過去她的作品很少，完全被遺忘了，幸好在世紀末，逐漸開始平反，我們現在可以看到很多她的錄音，許多音樂家和評論也開始正視Williams女士的影響。

Dave Douglas這張唱片裡有一曲〈Aries〉就是Williams的作品，我們來聽聽看。

（播放Dave Douglas的《Soul On Soul》專輯中〈Aries〉一曲）

蘇：Dave Douglas是創作力非常旺盛的樂手，他在2000年出了三張專輯，但是光討論這首曲子，他並沒有脫離Williams女士在五零年代創作時的範圍，這張專輯的致敬色彩仍然是滿濃的。

爵士樂約略在二十世紀初開始，去年，2000年世紀末，我們聽到許多傑出的錄音作品，確實令人非常高興，今天講座的時間也差不多了，不知道大家有什麼問題、想法，可以提出來一起討論。

沒有問題嗎？大家不會要我講笑話吧？我講的笑話一定不好笑。或者，我們請543的派站長來作個指導講評。

■Bill Evans最後華爾滋

Honeypie：我們知道三位主講人的號召力一定很強，但是來的人能把藍調擠爆，到了椅子都不夠用的程度，實在是非常驚人。黎時潮剛剛提到的《Last Waltz》這套唱片，我們目前正和風雲在談，希望能夠團購。

黎：我來講一講這套唱片，我之前在543看到有人想買Bill Evans的《Secret Sessions》那套東西，我的建議是買《Last Waltz》，反正都是八張，價錢差不多，《Last Waltz》為什麼好呢？說到Bill Evans，大家比較熟悉他的《Waltz For Debby》和《Sunday At Village Vanguard》這兩張唱片，那都是非常偉大的作品，為什麼偉大呢？因為在1961年，Ornette Coleman的自由爵士才剛開始，沒有人搞得懂「同時即興」是怎麼回事，只有Bill Evans、Scott LaFaro、Paul Motian這三個非常厲害的傢伙，才有能耐在調式爵士的框架裡作同時即興，真是很了不起，但是一、二十年之後，兩個默默無聞的小伙子居然也能跟的上Bill Evans，和他一起即興，這實在是讓人非常驚訝。

我們聽Bill Evans，會發現他絕對不會停留在固定風格，這個人一直在變化，在進步，我插句話，講到Bill Evans，我是瘋子，他的唱片我有差不多一百張，這個人的每一張唱片我大概都有。

我那天聽了《The Last Waltz》之後，就回去從頭開始掃瞄他的所有作品，我覺得Bill Evans實在太厲害了，尤其晚期的時候，當時大家都討厭他，不知道他在彈什麼，原因是他晚年彈了很多荀白克、很多十二音列、也很多巴托克那種匈牙利民謠的東西，他把很多東西融合在他的調式爵士的框架當中，但是，重點就是，始終那麼好聽。《The Last Waltz》是Bill Evans去世那一年的作品，讓我訝異的是，不管Evans彈什麼，這兩個毫無名氣的年輕人都能夠跟得上。

（蘇重插嘴：「貝斯手Marc Johnson後來還有點名氣！」）

他們三個人根本從頭到尾就在玩同時即興的極限在哪裡，一直都在玩這個東西，Bill Evans一直都在變，有的時候是Boogie-Woogie，有時是傳統的Bebop的和弦行進模式，有時又換到調式爵士，有時彈十二音列，十二音列很難，聲音都非常怪，但是這兩個人還是跟得上，真是非常優秀。

（播放Bill Evans《The Last Waltz》，黎時潮說隨便放，結果放到一首Evans獨奏，風味很像德布西的曲子，結果另放一曲。）
top ^

■當爵士樂手的條件

honeypie：我們前幾天在蘇重家談今天座談的rundown，其實講到一些很有趣的東西，黎時潮還說要幫爵士樂算命排命盤……

黎：之前其實講過的趨勢，就已經是在幫爵士樂算命，我覺得，要算爵士樂的命，要看它還能維持多久，基本上在六零年代，John Coltrane過世的時候，很多人都說：「Jazz Is Dead！」事實證明沒有這回事，那時Herbie Hancock來台灣，當時有人說七八零年代真正的爵士樂已經死了，大家玩的都不是真正的爵士樂，韓良憶問他這個問題，Hancock很聰明，他說：「我還活著啊！」他的意思是說他彈的是真正的爵士樂，他還沒死爵士樂就不會死。

爵士樂不會死的原因是因為這個音樂很麻煩，你要有很多錢，買很多唱片，比如說Bill Evans就要買一百張，然後要很有時間，不然唱片買了只是堆倉庫，沒時間聽也不行。然後這個音樂很複雜，它和社會的律動、和其他音樂的互動都有密切的關係。舉例來講，如果不瞭解黑人在美國社會遭受的種族歧視和變遷的話，有很大一部份的爵士樂你會聽不懂。然後如果不瞭解日本近代的政治社會運動，學生運動等等，那很大一部份的日本爵士樂我們會聽不懂。比如說七零年代，山下洋輔和阪田明、小山彰太怎麼能夠演奏成那個樣子？他們為什麼會把〈紅蜻蜓〉等日本民謠用那麼火爆那麼激烈的方式表達出來？他到底心中在憤怒什麼？回去翻報紙就懂了，當時外面已經打打殺殺了，你還在屋子裡唱〈My Funny Valentine〉，這個樂手會先掛。所以其實爵士樂會反映到當時的社會律動。

現在的爵士樂更麻煩，尤其是對樂手來講更麻煩，他必須要有Parker的演奏技巧、Dizzy的結構，像Coltrane一樣冥想，然後每天早上游泳、吃素，不抽煙不喝酒，然後才能成為偉大的爵士樂手。

蘇：這些條件之外，你至少要像Uri Caine一樣很會說話，要有政府發言人等級的應對氣度，也就是說，在你的技巧、視野、音樂上的理想之外，你還要是個公眾人物。

黎：對聽眾來講，也是很嚴酷的，你要去聽、去想，花很多時間才能真的瞭解爵士樂，不然聽到的只是表面。我本來覺得台灣真的沒有讓爵士樂受歡迎的條件，但是最近看了Suntory威士忌的廣告，他們不是都用對照組嗎？有一支廣告就說一個學音樂的學生，他選擇了爵士樂，多年後他的老師提著威士忌來看他，說：「還不難聽嘛！」我看了這個廣告就嚇一跳，爵士樂在台灣居然有這種地位，台灣爵士樂手的未來好像多了一點可能性。

但我覺得樂手可以作的，就是把爵士樂融入流行音樂當中，作流行音樂沒什麼不好，如果你是一個爵士樂手，而你還不具備剛剛講的那些條件，你可以把把你能作的東西放到流行音樂裡，這個方向就還不錯，對聽眾來講也是好事，至少流行音樂不會讓人聽了那麼難過。

小威：聽這麼久的爵士樂，其實心在滴血，因為敗了實在太多錢。現在的音樂發展很多元化，剛剛黎時潮講瑪丹娜的《Music》，那張唱片確實融合了很多音樂風格，從boogie-woogie到Funky、Country的東西。爵士樂是個很活的東西，他一直在往前走，一直在變化，比如說我們聽Bill Evans的東西，他死前還一直要轉型，他從出道以來就一直在吸毒，他吸毒就是用海洛英打在手上的血管，一度打到手都腫起來，然後我們聽他的演奏，就覺得右手旋律的部分很流暢，但是左手的低音部分就沒什麼聲音，因為他當時打太多毒品，左手都快廢了，只能用右手彈。但是這樣一個大毒蟲，在爵士樂沒落的七零年代，他還是非常努力的演奏，一直有新的東西要出來，只是很不幸的就掛了。

或者說Mary Lou Williams，她幾十年的音樂生涯從來沒有拘泥於一種音樂風格，一直在進步，我甚至覺得她如果是男的，她的成就絕對比Duke Ellington偉大。

現在其實有很多相當好的女性樂手可以期待，比如說Enja唱片出的Ingrid Jensen（英格麗簡森，加拿大的小號手。）還有像老將，已經七十歲的秋吉敏子，她也是非常了不起的，那我想爵士樂有無限的可能性，在此與大家共勉之。
top ^

■爵士座談完結篇 樂士浮生錄

一位現場的朋友問：我聽說《樂士浮生錄》的古巴樂手們在香港演出，不知道各位對他們的音樂有什麼看法？

黎：其實去年我聽到最好的古巴音樂，是Winter & Winter出的《哈瓦那日記》，五張一套的CD，不過五張實在太貴了。那是W&W的老闆帶著錄音師到古巴去錄的，原本他們只約了一個樂手，但是古巴的好樂手實在太多了，他們就邊走邊錄，在酒館、公園、餐廳、路邊，聽到人家有很棒的音樂就過去錄，那個錄音師很厲害，聲音錄的很棒，即使室外的錄音質感都很好。

如果是《樂士浮生錄》的風格，我覺得，我不是要潑冷水或怎麼樣，我真的覺得有個更棒的團：Chico O'Farrill的Machito樂團，他們一九九五年出過一張唱片，這個團我覺得遠遠比《樂士浮生錄》更好，因為我覺得《樂士浮生錄》這些古巴老藝人很了不起，但是他們有個問題，視野侷限在古巴，我會覺得我真的很喜歡這些人，但是這樣的風格，我不是那麼喜歡，因為我知道這樣的風格延伸出去，和20年代好萊塢音樂結合，和進行曲結合，作更多的即興、更好的編曲，我知道世界上是有人作得到的，那是Chico O'Farrill他們作得到的。

小威：對啊，像McCoy Tyner的拉丁大樂團，他在TELARC的作品也很精彩。我覺得古巴音樂或者說拉丁音樂最精彩的地方是它的打擊樂器，還有就是他們那種熱情洋溢的感覺。

蘇：《樂士浮生錄》是非常好的音樂，但是那部電影，溫德斯拍的電影，太、感、人、了，會影響到大家聽音樂的態度，畢竟台灣不像歐洲美國，原本就有聽古巴音樂的傳統，我們的舞廳、酒吧沒有樂團演奏Salsa、頌樂，很多人是受了電影感動，才透過音樂去重新回味那樣的感動。當然音樂是很棒，沒有問題，但是，如果把音樂獨立出來看，要聽古巴音樂，有沒有其他選擇？我覺得當然有，現在就有很多古巴樂手正活躍著，我們有可以給他們一些機會，不然，50年後再來拍一部《樂士浮生錄Part II》，再來悲憫樂手的窮困潦倒時運不濟，這有點好笑。

Honeypie：接下來可能也沒有時間讓大家問問題了，講座到這邊結束。很感謝三位，請給他們最熱烈的掌聲。（啪啪啪）今天543音樂站出最多力氣，整個規劃統籌的是我們的donotforget，她躲在後面，我們幫她鼓鼓掌。（啪啪啪啪啪啪啪啪啪）今天的講座相信大家都很多收穫，也歡迎大家隨時回到站上一起分享。非常感謝大家，謝謝，再見。

schiff

另外一本非常好的书.看音响论坛对作者不会陌生.



孙秀蕙，美国威斯康辛大学麦迪逊校区大众传播学博士，现任中国台湾政治大学教授。2001到2002年曾赴华盛顿大学西雅图校区大众传播学院担任客座研究员。主要著作有《广告文化》、《走出媒体神话》等。


《爵士春秋》

自序
魔鬼死亡，留下天使
谈切·贝克（Chet Baker）
繁花落尽，枯叶飘零
谈桑尼·克拉克（Sonny Clark）
黑暗王子
谈迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）
灯光辉煌，暮色苍茫
细谈迈尔斯·戴维斯与约翰·科川的哥伦比亚录音全集
高高溅起的湍急河水
谈埃里克·多尔非（Eric Dolphy）
火焰华尔兹
谈埃里克·多尔非在欧洲的录音
如果梦境里也能有配乐
谈比尔·伊文思（Bill Evans）
1995年夏季的加州凉风
谈奇科·汉密尔顿（Chico Hamilton）五重奏
罗森堡事件与《奇异的果实》
谈比利·霍利迪（Billie Holiday）
轻盈与超越
谈博比·哈切森（Bobby Hutcherson）
微笑而圣洁的灵魂
谈玛哈莉雅·杰克逊（Mahalia Jackson）
谈福音诗歌（Gospel）
女性的痛苦汝甘知？
谈埃塔·詹姆斯（Etta James）
壮阔且美丽的永恒生命
谈约翰·科用对埃尔文·琼斯（Elving Jones）的影响
低音贝斯怪杰
谈查尔斯·明格斯（Charles Mingus）
热情之外
查尔斯·明格斯在大西洋唱片公司的晚期录音
巨人能舞
谈瑟罗尼斯·蒙克（Thelonious Monk）
天使死亡的脸孔
谈查理·帕克（Charlic Parker）
法国的爵士年代
谈强哥·莱因哈特（Django Reinhardt）
湿冷水气中洞见烛光
冬雨天谈伍迪·肖（Woody Shaw）
郁闷地吹奏快乐的歌曲
谈杰克·蒂加登（Jack Teagarden）
硝烟弥漫，喃喃低鸣的电风琴
谈拉里·扬（Larry Young）
恣在年少
谈山下洋辅（Yosuke Yamashita）
秋吉敏子（Toshiko Akiyoshi）与她的大乐团
异国想像大拼盘：交会与融合

schiff

爵士春秋》自序
【孫秀蕙 著／商周出版】
從撰寫博士論文那一年，好友Annie借我麥爾‧戴維士（Miles Davis）的卡帶開始，我就與爵士樂結下不解之緣。回國之後，只要有機會，絕不放過任何關於爵士樂的訊息，例如新專輯發行、史料或傳記出版、以及樂手演出等。
曾經有段時間，睡覺前一邊聽台北愛樂電台的「台北爵士夜」，一邊閱讀爵士樂的書籍，是我心靈最大的享受與安慰，無論是卻‧貝克（Chet Baker）或是查理‧明格斯的傳記，還是前《村聲》（Village Voice）雜誌的樂評人Gary Giddins寫的Visions of Jazz。那些彷彿天籟的音符、那些關於音樂的曼妙文字總是帶給我諸多樂趣。即使因為暈眩症而住院檢查時（幸叩模?斷後醫師宣布我只是壓力太大），放在病床邊的書籍也是關於爵士樂的書：法國爵士樂手Laurent de Wilde撰寫的瑟羅尼斯‧孟克（Thelonious Monk）傳記Monk。
狂熱樂迷如我，總想替台灣的爵士樂聽眾做點什麼。最近六、七年來，認真地把自己的聆聽心得與音樂、歷史或社會考察的資料相結合，整理為文，一方?榻B我喜愛的樂手，一方面也藉此推廣爵士樂。這些文章不定時貼在網路上，獲得許多同好的回應，稍稍澆灌了本地的聆聽土壤。此次因應出書需求，曾經貼在網路的文章已有相當程度的添修，特別是以欄框方式加上了文學與電影的相關文字，期盼能使全書的音樂文字更加豐富。
本書之所以能順利出版，要感謝負責編務的何穎怡與龍傑娣費心校稿、編排，爵士同好李怡道、蘇重、黎時潮抽空協助審閱文稿，台北愛樂電台「台北爵士夜」主持人沈鴻元在百忙之中代為寫序。他們的熱忱，我銘記在心，是為序文。

《爵士春秋》麥爾‧戴維士
【孫秀蕙 著／商周出版】
對我來說，寫麥爾‧戴維士（Miles Davis）遠比聽他的音樂困難許多。戴維士於一九九一年九月二十八日去世時，我才剛剛得到一點點忙碌學業之外的奢侈，聽爵士樂和閱讀馬奎斯、米蘭‧昆德拉的英譯小說變成生活中最大的樂趣之一。
我們就稱他為老麥吧。
初聽老麥的音樂讓我迷惑。我不知如何定位他的作品。同年十月，朋友在我生日時送我一片他在一九八九年出品的專輯Aura，老麥在冥想式的電子音樂聲中，用尖拔的小號聲來標示聲質與色彩的關係，讓我不禁想起英文樂評中常見用語「tonal color」。彷彿之間，擬人化的杯盤在狄斯奈卡通的「幻想曲」（Fantasia）中手舞足蹈，暴風雨來襲之前，山林間的獨角獸以一種奇異的舞姿隨貝多芬的音樂幽遊。
原來音樂可以視覺化，可以塗上顏色，可以幻想，可以神遊。
當我還是個初級的爵士聽眾時，老麥的音樂在我有限的收藏中是很變化多端的。年輕時的老麥在一九四五至四八年間曾經是查理‧帕克演出時的搭檔。他也和編曲家Gil Evans開始嘗試更不一樣的音樂，在Gil Evans的公寓中聊天、玩樂器、大膽構想新的音樂想法，為後來Capitol唱片出品的「酷派的誕生」（The Birth of Cool）錄音之濫觴。以Gil Evans為首，老麥和傑利‧莫里根（Gerry Mulligan）等人的九人樂團（nonet），他們構思「新」音樂的過程，已經變成爵士史教科書裡重要的一章。
有人譏評，老麥會成為酷派爵士的旗手，是因為他的小號吹奏不夠炫。我並不同意這種說法。老麥早期的錄音也許偶有吹漏音，但這絲毫不影響老麥在整個爵士音樂史上的地位。綜觀他過去不同時期演出的錄音，老麥出場時只要吹出幾個單音，聽眾就能強烈感受出他的氣勢、準確與畫龍點睛的效果。而過去四十年來，也只有老麥這麼大膽求變，從咆勃、酷派、調式爵士到爵士搖滾（也就是所謂的融合音樂Fusion）一路飆過來，大有「你管別人怎麼想」的大氣魄。
老麥對爵士樂編曲的概念不但是一流的，更是個有高明鑑賞能力的音樂伯樂。他賞識並合作過的年輕樂手，後來幾乎個個獨當一面，各領風騷。一九五五至五七年間，老麥領軍的團員名單日後被視為一個接近完美的夢幻樂團：Red Garland、Paul Chambers、Phily Joe Jones和當時剛出道的約翰‧科川（John Coltrane），錄了一系列經典專輯：Cookin、Relaxin、Workin 和Steamin，全由Prestige唱片公司的Original Classical Jazz(OCJ)系列出品。有趣的是，當時老麥屬意的薩克斯風手是桑尼‧羅林斯（Sonny Rollins）而不是科川，可是完美主義者羅林斯恰好在巔峰時後突然暫別樂團樂壇。就因為這樣，年輕而有爆發力的科川得到在短時間之內竄升的機會，爾後不但大受歡迎，更成為爵士樂界開拓新音樂的代表人物之一。
五○年末，老麥的五重奏錄音及公開演出活動都非常積極。同年，老麥為法國新浪潮導演路易‧馬盧的電影「s刑台與電梯」做配樂。一九五八至五九年間，老麥陸續和多位優秀的樂手合作， 包括比爾‧伊凡斯（Bill Evans）和 Wynton Kelly，加上原來幾個老面孔和加農砲‧愛德利 （Cannonball Adderley），錄了多張經典名盤，例如知名的「泛泛藍調」（Kind of Blue）。
一九六三年之後，老麥樂團的成員更迭頻繁，幾個核心團員包括年輕的天才鋼琴手Herbie Hancock（一九六三至六八年）、貝斯手 Ron Carter（一九六三至六八年）、鼓手Tony Williams（一九六三至六九年）。在這一段期間，老麥換了很多薩克斯風手（例如Sonny Stitt、Jimmy Heath等），最後要等到換Wayne Shorter，才算穩定下來。
六○年代中期，搖滾樂漸漸取代爵士樂成為流行音樂，*戰風潮興起。俗諺說：「If you can\'t beat them, join them.」打不敗搖滾樂，那麼就加入他們的陣營吧。也就是在這個時候，電子樂器漸漸普及，許多爵士樂手開始嘗試一些新的組合，爵士樂與搖滾樂攜手合作的結果，也就是現在俗稱的融合音樂，取兩種樂風聯合之意。七○年代開始，老麥和幾個走融合路線的樂手，包括Chick Corea、Joe Zawinul、John McLaughlin、Arito Moreira等合作過多張專輯。
黑人平權邉语L起雲湧時，老麥並不是什麼有理想有抱負的人權鬥士，只是有天他在演奏的酒吧附近護送一位白人女朋友回家，沒想到被找麻煩的白人jingcha厲聲斥責，不管他怎麼解釋，還是被狠狠揍了一頓。他渾身血跡，又忿怒又驚慌的樣子，可說是當時黑人藝術家的無奈寫照。這件事給戴維士很大的打擊， 讓他開始深刻地思考爵士音樂和社會的關係，如果查理‧明格斯、Max Roach、Ornette Coleman 都開始積極地以音樂來宣示黑人對社會的不滿，那麼老麥究竟應該如何透視爵士樂裡的黑人*抗質素呢？七○年代出品的老麥專輯，均由大廠牌發行，除了大量演奏電氣樂器外，專輯刻意標示黑人之美，風格強烈而印象深刻。七○年代中期，老麥因為肺病和其他感染症狀引退樂壇。一直要到一九八一年才復出。復出之後，他仍然積極提攜後進，與多位年輕的樂手合作，包括 Branford Marsalis、John Scofield、Kenny Garrett，其中還有具實驗精神的電子合成樂器作曲家 Robert Irving III。在更早之前，老麥也和搖滾樂手 Jimi Hendrix 合作過，在他心目中，音樂是沒有邊界的。
很多人都認為爵士樂輕鬆柔和，老麥作品的調性似乎就最符合此一刻板印象。其實老麥的錄音雖然不講究緊湊的和絃變化，但是聽他的作品仍然需要相當的分析技巧。他許多調式爵士的演出拉大了音符之間的距離，在小節之間刻意留白，彷彿幫助聽眾與演奏者拉出三度空間來。以前聽老麥演奏版本的 My Funny Valentine 時，覺得老麥顛覆這首情歌很徹底。他正字標記的小號，從弱音器的縫隙中釋放出一串旋律

cjjdjcl

入门就听三盲鼠

schiff

晚上翻拍了一些ＪＡＺＺ名盘３００．[s:97] [s:97]