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我是酒神

原帖由 alma 于 2010-4-18 23:48 发表
我觉得最近20年来的指挥，不注意音效的应该没有了，即使指挥不注意，制片制作肯定会注意。还有一个指挥，迪图瓦，我觉得他改造的蒙特利尔乐团的音色，也是很出色，加上他对非德奥音乐的浪漫主义的塑造显得楚楚动人。

[s:21] alma老师总结非常独到，其实不仅在最近的20年制作制片注意，自从爱迪生在蜡筒上录了“玛丽有一只小羊”让声音也能够像文字一样保留下来，到布拉姆斯的一句“我是布拉姆斯博士”开始由单声道发展到多声道；由单咪、三咪发展成多咪录音，都是为最终目的音效更加出色，从音场、透明度、定位感、质感…这些音响性的美感去要求,更加接近现场的效果,去捕捉指挥大师们音乐风采。

我的唱片柜里有一张52年由富特文格勒指挥爱乐管弦乐团的歌剧《特里斯坦与伊索尔德》，很难想象它是一张MONO的录音(我相信坛上除了余师傅、中庸大侠、AMAL老师这些骨灰级发烧友之外:victory: ，很少烧友会留意MONO的录音唱片,其实很多伟大的演奏录音都来自55年立体声之前，MONO音效实在强差人意.)，音效几乎与优秀的双声道唱片以假乱真，历害！当时的录音师Douglas Larter在伦敦的Kingsway Hallv录音室就凭经验感觉进行摆咪。因为如此优秀录音，才体现富特指挥这场歌剧全过程无与伦比激情,超乎的控制力：男女主角爱情的缠绵、爱之死歌唱感人肺腑、英雄气慨的苏特豪斯，还有优美的船歌…富特将音乐与歌者浑然天成完美结合,如果能坚持聆听到唱片最后一颗音符,你会被富特感染, 富特全神贯注的投入,游走于天才与魔鬼之间”疯狂”指挥状态…

日本现在有个名为“富特文格勒爱好者”协会，以前我是难以理解其中的热情…

所以好的录音制作，能保存下来是那些指挥大师偶尔一刹那激情灵感火花，乐队歌者的深情投入，还有是美妙而伟大的音乐力量。

相比较而言，我不敢太多责备现代的录音技术如何如何新不如旧，一代不如一代，必竟我不是从事录音专业人员；我只是一个徘徊流连于音乐旋律里而忘了归家的人。但有时在思索如果录音师不能把握，录音不能完全体现到音乐的真谛，指挥家的激情神韵,实在是一种罪过。

[ 本帖最后由 我是酒神 于 2010-4-19 18:16 编辑 ]

我是酒神

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原帖由 henry余 于 2010-4-19 13:15 发表


卡老的贝9我第一次全面听得是70年代（77年听，版本年份得回家看，是当年读者文集的廉价版），里面的女高音一开口就把我溶掉，变成一摊水（不是浓血。。。嘻嘻）。

各种乐器的音色接近完美，70、80年代版速度稍 ...

我比较喜欢63年版卡爷的贝集，有朝气蓬勃，不像70或80年版的金漆雕塑。女高音应该喝了冰糖炖燕窝，比较清爽，如果吐出来是浓血，就是血燕了，哈。。。[s:97]

中庸无为

原帖由 我是酒神 于 2010-4-19 19:46 发表

我比较喜欢63年版卡爷的贝集，有朝气蓬勃，不像70或80年版的金漆雕塑。女高音应该喝了冰糖炖燕窝，比较清爽，如果吐出来是浓血，就是血燕了，哈。。。[s:97]

有人说这版贝九“急”，不过我觉得完成度很高，印象最深是男低音，正斗！！！[s:97]

henry余

今天晚上得把出卡爷50年代的贝交，但没有9，不过可以知道未作金雕玉砌的手法如何。

[ 本帖最后由 henry余 于 2010-4-20 00:32 编辑 ]

henry余

原帖由 中庸无为 于 2010-4-19 15:58 发表
阿巴多近年干什么去来？？？

哈哈，他还是那么“文质彬彬、丝丝精致”，他在把玩莫扎特乐团。。。。。。这是一个在意大利博洛尼亚成立由众多优秀乐手组成的乐队，阿巴多担任他们的艺术总监。

这是他的两套新录 ...

中庸兄有否基顿克莱马的或穆特的莫小协，与阿巴度的（我没有）比较如何？给我个概念。

alma、酒神、中庸各位大侠的豪介绍，一时三刻不能到手，更消化需时，一天24小时不大够用，嘻嘻




至于大卫的完美，当然还是纯刚阳的了，用在卡老身上也无不可呵，哈哈！慢章是卡老也是呆若木鸡沉思。。。。。。。。。

中庸无为

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原帖由 henry余 于 2010-4-20 01:35 发表


中庸兄有否基顿克莱马的或穆特的莫小协，与阿巴度的（我没有）比较如何？给我个概念。

alma、酒神、中庸各位大侠的豪介绍，一时三刻不能到手，更消化需时，一天24小时不大够用，嘻嘻




至于大卫的完美 ...

我有DG2005年莫扎特250周年诞辰那套，穆特演奏并指挥伦敦，其他没有。如果说格雷米欧的华丽别致，那么穆特的属于素雅细腻，她是“反”本真主义者，所以她的演奏更符合现代人的聆听习惯。关于这套唱片，你可以参考下边的一段引用，看后很受启发！！！
还有，DVD同步发行的。[s:6]


=========================================================================================================================
原载于DG公司2005年11月发行的“穆特演奏莫扎特小提琴协奏曲&交响协奏曲”专辑的小册子中：
2006年，穆特将用这张莫扎特小提琴协奏曲全集来庆祝莫扎特250周年诞辰——同时也是穆特首演30周年——这张无以伦比的双张CD中也包括她与巴什梅特一起合作的交响协奏曲。从她13岁那年第一次为卡拉扬演奏开始，莫扎特就总是出现在她的生活中：“我从未停止对他的思考——他是我与之一起成长的作曲家，他就好像一直在我事业的关键时刻等着我一样。”
穆特以她那种对她所喜爱的作曲家的全方位的把握而闻名。对于莫扎特，这一点意味着，所有将被演奏的小提琴协奏曲都将由我们今天最大名鼎鼎的独奏家指挥，是的，她自己。
一系列的录音计划会引起评论家和她广大听众的注意。穆特的CD迷们会很乐于在那些精致的作品中听到她的演奏，而行家们也将被穆特的方式和成就所吸引。
穆特自己用来描述隐藏在这个工程背后的动机最能反映它的重要性：“我非常热爱莫扎特的音乐，因为它使我感动得无以复加，热泪盈眶，也因为它最能接近听众的心。这个工程是对他的庆祝，也是对他的天才深深的致敬。
安妮-索菲 穆特2006年将迎来她演艺生涯的30周年，同时也将以一些列莫扎特主要小提琴作品来庆祝莫扎特250周年诞辰。她将在巴登-巴登与安德烈 普列文爵士和丹尼尔 ;穆勒-肖特一起现场录制三重奏；在伦敦与伦敦爱乐乐团一起录制协奏曲，与巴什梅特录制交响协奏曲；至于奏鸣曲她将和兰伯特 奥基斯一起录制。三张专辑中的第一张是协奏曲，于2005年秋季面世。此次将没有指挥，穆特将自己领导乐队。

以下是她和Michael Church谈论关于莫扎特，现代作品以及她的莫扎特工程的本质和起源。

您最早关于莫扎特的印象是……？
Anne-Sophie Mutter：我六岁的时候听到了哈斯基尔弹奏的莫扎特录音，对我来说，她弹奏莫扎特的方式胜过任何人。那种触键的轻盈，断句的精致，律动的自然，没有任何过于浪漫的东西。就我而言，她声音的美妙听来就像莫扎特本身所期望的一样，她就好像莫扎特在给他父亲信中提到的那位演奏家一样，能够通过美妙的声音传递强烈的情感。

有没有小提琴家演奏的莫扎特令你印象深刻？
Anne-Sophie Mutter：有些艾萨克 斯特恩的早期录音特别不错，还有阿瑟 格雷米欧。但是这之后我就从没有听到过任何弦乐演奏家以我认为应该的方式演奏莫扎特了。

他们缺少什么呢？
Anne-Sophie Mutter：现在的演奏方式都过于大师化，缺少那种优雅，纯净和谦虚。柴可夫斯基对莫扎特“天使般”的描述实在太准确了。莫扎特的音乐像是灵魂的X光线，它能照出你的灵魂中有什么，没有什么！然而，现在年轻的一代已经不把莫扎特当回事了。他的音乐被看作相对简单而被轻视，人们希望一些炫技的更加气势磅礴的音乐。但音符的多少不是关键，乐器之间的互动以及乐思的发展才是重要的事情。这就是为什么对于一个艺术家来说演奏诸如贝多芬或是莫扎特奏鸣曲全集是很重要的，这样就可以找出它们从哪里来，又将到哪里去，以及小提琴和钢琴之间平等的合作关系。

那么关于你的工程呢？
Anne-Sophie Mutter：我的莫扎特工程其实并非始于现在。早在我九岁首演，与一个地方乐队演奏他的第二小提琴协奏曲的时候，它就悄悄地展开了。我13岁时在萨尔茨堡与卡拉扬一起进行了一次有更多听众的首演，演奏的是美妙的G大调协奏曲。从此莫扎特成为日常生活的基础：我从未停止过对他的思考，即使当我在演奏当代作品，我也在试图用新的方式接近他。他是一位陪伴我成长的作曲家，一位总是在我事业生涯的关键转折点等待我的人。

有一些作品你以前已经录制过了。再次录制有何感想？
Anne-Sophie Mutter：过了20或30年你才开始了解一部作品，这点对于莫扎特尤是如此。但我总是要和这种熟悉感作斗争：我总是乐于从谱子中找出一些新东西，即使只是一小段第二小提琴声部上重要的但我过去没有注意到的东西。而且，无论如何，过去的30年中在我的生活中发生了许多事情，仅仅是这个原因也足以让我进行第二次尝试了。我常常想到T. S. Eliot关于第一次发现一个新地方的话，即使那个地方你以前到过。我也常常想起奥地利画家Arnulf Rainer，他说过，他的每一幅作品背后都是另一幅作品，即使看画的人并没有真正看到那表层的背后，他知道那也一定存在着。这对于音乐家来说也是一样的。12岁时候拉出来的音乐基本上是出于本能，如果你继续处于本能演奏，那是不够的——那样的话，你只是在重复你自己。你只能通过把本能天赋和一颗细腻好奇的心联系在一起才能在艺术上成长起来。

谈谈你的莫扎特工程的起源……
Anne-Sophie Mutter：那是6年前，当我发现我可以没有指挥一个人演奏莫扎特的协奏曲，我就萌生了这个念头。我突然产生了一种“就现在干吧”的急迫愿望。但是最后一件我要做的事情是假定我对莫扎特的观点是明确的。这部分是因为他不需要我的帮助——他会一直永存于世，即使在我已经被完全忘却很久之后。我这样做只是因为我非常喜爱他的音乐，他的音乐常常让我激动不已，感动得热泪盈眶。这项工程是对他的庆贺以及对他才华的深深的致敬。我希望对于听众来说会有一些积极的惊喜，但是这些录音并非想要替代那些已有的作品。

真正当指挥的感觉如何？
Anne-Sophie Mutter：我并不是在假装当一个指挥。我从来没有学习过当指挥的技巧，而且我也没有这方面的天赋，但我是一个领导者——这和我的性格有关，也因为我清楚地知道我要从谱子里得到什么，知道如何把这些告诉乐队并且使他们信服我的观点。莫扎特自己并不是指挥，但谦虚地说，我在试图效仿他，使用一个扩大编制的室内乐组，使他们统一并激励他们。激励是很关键的——让其他人愿意听从你的意见，并成为能够二度创作的一个整体的一部分，当这两者之间的对话完全同步时，那真是一种令人兴奋的奇妙过程。排练是很重要的，但是它却不及在早上发现29小节有一个弱奏，而晚上就使作品完全得到新生来得重要。没有指挥，演奏者必须反应迅速，并且保持同步。

你是怎么开始这次新的“冒险”的？
Anne-Sophie Mutter：我第一次尝试（没有指挥）是与Salzburg Camerata一起。然后我就想为什么不能和维也纳爱乐一起这样做呢？——和他们一起，我从谱子中学习到了很多，因为乐师们总是能想到好主意。我们有过很多讨论，一开始我的意见受阻，但是我想我最终能说服他们。与我一起录音的是伦敦爱乐乐团，那是一群相当时髦的乐手。有些乐队的声音听上去就像天鹅绒一样柔软，但是LPO（伦敦爱乐的简称——译者注，下同）的乐手们更像保时捷——生气勃勃，富有朝气，他们能做到任何事。他们总是坐在椅子的边缘——他们的莫扎特速度飞快，而且并不是按着拍子来得，而是即时做出反应的。这是一场不靠椅背的室内乐，你知道的，有些室内乐演奏过于舒服而缺乏力度了——只是为自己演奏，然后美美地喝上一杯茶，向在家里一样放松，不用考虑观众的存在，神经放松。和LPO在一起我并不是以一位独奏者来演奏而是乐团的一员。

莫扎特对你作为独奏的技术挑战是什么？
Anne-Sophie Mutter：把莫扎特演奏好是一件难事。分句是很重要的，因为在莫扎特中你常会遇到一连串的16分音符，一组是用连奏的而接下来的一组是用跳弓的。在这些跳跃的部分中你要能区分附点和长弓的不同。谱子里每一个音符都是很重要的。现在，我看到在我的基金会里的学生在和这种弓法作者斗争，但这种弓法对于演奏莫扎特是很重要的。这意味着你必须在音符之间找到合适的空间。如果一连串的16分音符都是完全相等的，那么它听上去就会像是练习曲，或是不太优雅。在音符之间安排合适的空间是演奏莫扎特艺术的一部分。另一项其中的工作是对音色的磨练，特别是那些舞蹈般的回旋曲乐章，这种曲式曾经特别鼓舞在巴黎的莫扎特。这也不容易。在莫扎特的音乐里，每一个音符都值得重视，而且不得不考虑——尤其是乐队的配器，它们可能很重要或无关紧要，但是会把独奏孤零零地暴露在外。在浪漫主意的音乐作品中是没有这样不可思议的为你创造出这样诱人的背景的音符。但是在莫扎特的音乐中，每一件乐器都必须在合适的地方出现，而且音色，节奏都必须恰到好处——这对于其中的每一个人都提出了很高的要求。也许这些让人畏惧的知识就是为什么我迟迟不再次录制莫扎特的作品的原因。那些东西不是你唾手可得的。

在关于“本真”的辩论中你站在哪一边？
Anne-Sophie Mutter：我认为所谓的“本真”的演奏对我们来说是不可能的。我们所听到的与莫扎特的同辈人听到的已经绝然不同了。我们不能装作能够回到250年前那样的演奏中去，我们已经习惯了与过去不同的审美方式，我们期待着更加丰富的内容。我不用羊肠弦：我是一个现代琴弦的坚定拥护者，因为它不只是增加了音量，更丰富了音色和层次。这些东西正是莫扎特的创作风格，也是他在演奏音乐中所喜爱的一部分。

所以如果他今天还活在世界上，他不会是一个古乐专家是吗？
Anne-Sophie Mutter：我想他偶尔会倾心于古乐演奏者没有揉弦的演奏方法，以及他们的声音的轻盈——莫扎特不喜欢太厚重、缺乏弹性的声音。但是他会喜欢一个更大的乐队的——他的乐队规模取决于别人提供给他多少。我的乐队将是8-8-6-4-1模式的，相对于古乐要大一些，而且更美妙！但是声音同样很轻盈单纯。但同时会保持必要的音量，我们也记得一个太小的乐队在一个很大的音乐厅里显得是多么惨淡，疲软无力。我们现在需要一个更大的乐队的原因之一就是我们得对付一个更加大的音乐厅。并不是很多人能拉出一个弱音使他的弱音能够带着真正地音乐到达第一排观众。弱音一定要能够传达给观众，并且随之增强，而不能像个灰老鼠一样不起眼。

对于速度的选择有多重要呢？
Anne-Sophie Mutter：绝对是很关键的。虽然有些速度一定是错误的，但正确的速度从来不是唯一的。我对于速度的选择取决于乐章之间的关系。对我来说乐章之间的关系是固定不变的。如果我要开始一个快板，那我必须知道行板和急板和它使如何建立联系的。但至于快板的速度具体是多少要看音乐厅的大小，声学效果还有其他因素，比如如果是一首奏鸣曲，在钢琴的伴奏下，就要看它重复音型的具体情况而定。在莫扎特晚期的一些奏鸣曲中快乐章的速度很大程度上决定于那些重复的音符。当时的乐器在演奏这些重复音符时比现代乐器更有优势，因为它们的共鸣要小得多。这就显示了莫扎特的音乐至少有两方面我们是无法复制的。（如果用古乐器）你需要用更加急切的速度来演奏第二乐章，因为这里的声音比较单薄甚至干枯。但与一架现代钢琴一起你就不必这样做了，如果在一个较大的音乐厅你必须让乐器歌唱起来，否则它们会重叠起来。对末乐章来说也是如此，不幸的是我们不可能演奏得像莫扎特那时那样快。因为乐器不断重复的能力比较慢，而且余音也更加长了，总的来说，速度会慢一些。不过当然，兰伯特 奥基斯会试着不用踏板演奏莫扎特的大多数奏鸣曲，这样可以使声音尽可能的干净透明。我们尽量接近莫扎特时代的声音，所有这些想法使得我们不能把速度定死。

你对协奏曲有什么看法？它们都是早期作品。
Anne-Sophie Mutter：萨尔兹堡宫廷乐队的首席，小提琴大师安东尼 布鲁奈蒂委约莫扎特写了作品，但是莫扎特自己演出了全部作品并且大获成功。第一小提琴协奏曲还是保留着那种意大利式的炫技。当小提琴一个人在前面玩杂耍时，乐队只是在后面腼腆地哼哼。第二协奏曲比较优雅，反映出受到法国风格的影响，这种影响还体现在法国式的回旋曲的结尾。但是与后面的三首协奏曲比，从各方面来说这两首协奏曲还是比较保守的。音乐学者艾尔弗雷德 爱因斯坦曾经这样描述K.216的柔板乐章——就好像掉进了天堂里。弱奏的弦乐效果新颖并且赋予整个乐章一种奇妙的气氛。回旋曲乐章比之前更加大胆。并且，小提琴和乐队开始变得同样举足轻重，这与前两首协奏曲中，乐队只是充当一个配角是完全不同的。这里莫扎特构建了理想的小提琴协奏曲模式。

很多小提琴家都惧怕K.218的开头。您呢？
Anne-Sophie Mutter：它被认为非常难，但我却从来不这么觉得。它是一句E弦的上行乐句，有一点夸张。我的一些同行在这里犹豫了——就好像魔笛中的花腔女高音，要么你能达到那个高音，要么不能，这是显而易见的——但是这仍是一部显赫的作品，乐队部分很有戏剧性，而且比以往都更精致，展开得更充分。柔板由双簧管的歌唱引出。回旋曲一开始让所有人都惊讶于情感和速度上的变化。然而最为登峰造极的作品是K.219，因为在这部作品中莫扎特试验了很多新的理念。这是最为大胆丰满的一首协奏曲。它有一个不同寻常的开头。虽然这个乐章的主体是快板，却有一个柔板的引子。这个开头展现了一个可爱的全新的音乐理念。接着是一个抒情的第二乐章，一个真正的柔板。最后是一首迷人的小步舞曲，不过其中穿插了一个野性的“土耳其”式的快板。实际上这是匈牙利风格的，不是土耳其的。只是当时的奥地利人喜欢把东欧的音乐风格都称为土耳其式的。

你怎么看交响协奏曲呢？
Anne-Sophie Mutter：1779年莫扎特回萨尔茨堡写了这首作品，那时他对巴黎和曼海姆的音乐风格都比较熟悉了。这部作品完全是带有两样独奏乐器的交响曲，独奏成为与乐队平等的一员。这部作品很明显是写给他心目中萨尔茨堡杰出的独奏家的。这是一部带着暗色调，充满戏剧性和强烈对比的感情色彩的作品，在乐队和独奏之间要取得精细的平衡。特别有趣的是使用了分开的中提琴声部。C小调行板也许是最动人的慢乐章。整部作品构思丰满，是当时莫扎特正在发展的音乐语汇的一个极好的佐证。

而且这次你和巴什梅特合作……
Anne-Sophie Mutter：对我来说他是最伟大的中提琴演奏家，他已经花了30年时间来扩大中提琴的演奏曲目，为后人留下了许多能够启发后世中提琴演奏者的作品。我特别喜欢他那种充满激情的演奏方式，也许你会认为这与莫扎特的作品并不相符，但是这意味着他能在演奏中加入一些我想都没想过的东西。我喜欢和那些与我志同道合并且常有不同想法的人共事，这样可以使我们互补互进，就像中国的阴阳轮一样。

你使用谁谱写的华彩？
Anne-Sophie Mutter：我用了一些不同小提琴家写的华彩，当然也融合了我自己和一些不知名人士的创意。很遗憾，莫扎特没有像给他的钢琴协奏曲一样写下自己的华彩。

一段好的华彩应该起到什么作用？
Anne-Sophie Mutter：它应该回到主体的素材，但听起来要有一些即兴感。不幸的是像我这样的现代演奏家必须得把它们写下来而不能即兴演奏。一段华彩不能打破作品原有的风格。它更应该像一个总结，一个尾声或是激发人们额外的想象。

你是怎么选择和安德烈 普列文爵士与丹尼尔 穆勒-肖特一起录制哪些三重奏的？
Anne-Sophie Mutter：坦白说，我选择了那些小提琴占有最大分量的三重奏！但是它们都是非凡的作品，继承了海顿的风格，在一些早期的作品中有传统的双重结构，小提琴和大提琴部分分别在钢琴的左右模仿并发展它们之间的关系直到一个相同的水平。这些作品纯属娱乐尽兴，并且用了最好的音乐语汇。

你认为作品和作曲家的生活情况有多少联系？
Anne-Sophie Mutter：这些时日以来，我们过于急切地钻研作曲家的个人生活。音乐是给我们，其他的则属于私事，应该不为人知。不过有些奏鸣曲可以和他生活中的一些事件联系起来。比如K.304就反映了他母亲的过世，但是我们应该注意到同时他也写了很外向的巴黎交响曲，以及同样奔放的D大调奏鸣曲作为一组作品。我认为了解他小提琴作品同时期的作品很重要。比如他那意气风发的K.526奏鸣曲就是与《唐璜》和“朱庇特”交响曲同一时期创作。

最后一个问题，我注意到为了表现这一工程，你已近选择了一位新的摄影师。
Anne-Sophie Mutter：我总是希望用摄影的语言来传递我对音乐的感受。过去我和一个非常好的摄影师一同工作，但是对于莫扎特我需要一个全新的视觉语汇，一种全新的表达，因为他的音乐是那样与众不同。Tina Tahir的摄影语言中的那份恰到好处的诗意似乎正能诠释我的理念。

[ 本帖最后由 中庸无为 于 2010-4-20 14:41 编辑 ]

唯恐天下不乱

[s:197] [s:197]

我是酒神

原帖由 中庸无为 于 2010-4-19 21:41 发表


有人说这版贝九“急”，不过我觉得完成度很高，印象最深是男低音，正斗！！！[s:97]

中庸所言极是，这版的男低音的确是抢了头戏。

六十年代卡爷正是哥的年龄，世人所熟知的“卡拉扬美学”尚未成熟，卡爷在此可谓锋芒毕露，最

重要是“贝三”真是所向披靡。贝多芬音乐强横无比战斗性多于哲学家的思想性（这是我一个肤浅认

识），这个年龄卡爷处理每段乐句洋溢着后期所无的生命力。而后期特别是八十年代后功成利就的

卡爷追求乐曲精致化的处理，过分处处修饰，追求极致的完美。但这种“雕塑美学”演释马勒第九却

恰如其分，淋漓尽致。

我是酒神

原帖由 中庸无为 于 2010-4-19 21:41 发表


有人说这版贝九“急”，不过我觉得完成度很高，印象最深是男低音，正斗！！！[s:97]

中庸所言极是，这版的男低音的确是抢了头戏。

六十年代卡爷正是哥的年龄，世人所熟知的“卡拉扬美学”尚未成熟，卡爷在此可谓锋芒毕露，最

重要是“贝三”真是所向披靡。贝多芬音乐强横无比战斗性多于哲学家的思想性（这是我一个肤浅认

识），这个年龄卡爷处理每段乐句洋溢着后期所无的生命力。而后期特别是八十年代后功成利就的

卡爷追求乐曲精致化的处理，过分处处修饰，追求极致的完美。但这种“雕塑美学”演释马勒第九却

恰如其分，淋漓尽致。

中庸无为

今天才发现，这张碟的第二首就是合唱幻想曲啊！！！

henry余

原帖由 alma 于 2010-4-17 21:33 发表


昨晚有点晕了，阿劳是智利人，巴伦伯伊姆、阿格里姬和flietr才是阿根廷人。[s:18] [s:18] [s:18]

哈哈，现在我在听这个阿劳的贝5，不像以前听其他作品录音那么慢。。。。。蛮“正常的”速度。

这是他衣锦还乡的演奏会，还记录了他如何示范给智利的乐团。。。。等等的记录。话筒是在“太好”，声音较朦胧的单声道，技巧及指法是出奇的好。

原来他不是因为年纪大才慢，看错了。。。[s:18]:loveliness:

henry余

原帖由 我是酒神 于 2010-4-20 12:33 发表

中庸所言极是，这版的男低音的确是抢了头戏。 六十年代卡爷正是哥的年龄，世人所熟知的“卡拉扬美学”尚未成熟，卡爷在此可谓锋芒毕露，最 重要是“贝三”真是所向披靡。贝多芬音乐强横无比战斗性多于哲学家的思想 ...

毒枭老爷的确令我非常心动，一定要找60年代的版本！！

你提到贝三正正击中我的脑门！曾经每天听一次的。

henry余

原帖由 中庸无为 于 2010-4-20 17:15 发表


今天才发现，这张碟的第二首就是合唱幻想曲啊！！！

:Q:Q:funk::funk:我从来都是听完协奏就停，[s:11][s:11][s:89][s:89]

中庸无为

原帖由 henry余 于 2010-4-20 22:19 发表



:Q:Q:funk::funk:我从来都是听完协奏就停，[s:11][s:11][s:89][s:89]

天啊，我更惨，忘了有这张碟，今天偶尔发现看了目录。。。。。。[s:14] [s:14] [s:14]

中庸无为

猜猜我在复习哪张碟？[s:14]