金瑯主动至尊到手，开箱，开声

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如今，能完整演奏Godowsky肖练全集的钢琴家凤毛麟角，哈默林的录音虽非史上第一套（此前有Geoffrey Douglas Madge的尝试），却以其无与伦比的完成度震惊乐坛：音准零误差，节奏如钟表般精准，音乐表现力更是直抵灵魂。这些曾被遗忘的曲目因他的演绎重获新生，越来越多的年轻钢琴家开始挑战它们，而哈默林的录音已成为标准范本。仅凭这一点，他足以在古典音乐史册中镌刻下自己的名字。
    回想当年接送女儿学琴时，我刚接触钢琴，对Godowsky的难度毫无概念，甚至觉得“单手弹肖练改编版”是天方夜谭。随着聆听曲目增多（从巴赫的赋格到阿尔坎的交响练习曲），我逐渐理解了钢琴艺术的博大精深，也因此更加钦佩哈默林——他不仅征服了技术高峰，更赋予了这些“音乐化石”以现代生命力。

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    我收藏了哈默林的大量录音唱片与视频，他的演奏风格独树一帜：触键方式与霍洛维茨异曲同工，手臂完全松弛，力量从肩部自然流淌至指尖。仔细观察慢动作视频，会发现他的手腕在弹奏快速音群时轻微起伏，如同弹簧般缓冲冲击力，而肘部与肩部始终保持稳定。这种“以柔克刚”的发力方式，在演奏爆裂和弦时尤为明显——动作幅度极小，声音却如激光般集中穿透（例如在布索尼《恰空》改编曲的结尾和弦中，一个看似轻巧的触键竟能爆发出管风琴般的轰鸣）。国内许多音乐学院教师已将其方法纳入教学，认为这是解决高难度曲目发力问题的有效方法。
   哈默林的现场零失误堪以称神，无论多快的音阶（如阿尔坎Op.39 No.10的双手交替半音阶），多险的大跳（如Godowsky改编的Op.25 No.11左手十度跳跃），还是多复杂的复调（如巴赫《赋格的艺术》四声部赋格），他都能在音乐会上完美呈现。当今钢琴界，录音室唱片占主导（可后期剪辑修正），敢做现场录音的寥寥无几。而哈默林的现场视频（如2002年瑞士独奏会）堪称教科书，从开场的巴赫-布索尼《恰空》到安可的肖邦《黑键练习曲》，2小时的高强度演奏竟无一个错音，连最挑剔的乐评人也叹为观止。相比之下，鼎盛时期的霍洛维茨与鲁宾斯坦虽伟大，现场仍偶有失误，而哈默林的稳定性已接近“非人”境界。
   他以超技为根基，却从不炫技：八度跳跃如履平地（如李斯特《匈牙利狂想曲No.6》的结尾段），双音跑动清晰如珠（如斯克里亚宾《第五奏鸣曲》的快速双音群），长时间巨型乐曲（如阿尔坎《交响曲为独奏钢琴》全长40分钟）也能保持充沛精力。更难能可贵的是，他征服了众多“技术禁区”——格多夫斯基的复调迷宫、阿尔坎的超前和声、布索尼的宏大结构，这些曾令无数钢琴家望而却步的作品，在他的指尖重焕光彩。正是哈默林，让我们得以聆听这些神作的真容：阿尔坎Op.39中如管弦乐齐鸣的密集和弦，布索尼《钢琴协奏曲》中如史诗般磅礴的华彩段，格多夫斯基改编曲中如万花筒般绚丽的复调网络，这一切都建立在他那大象无形的超技之上。

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     他的曲目库更是包罗万象：从巴洛克的巴赫《第五法国组曲》（演绎出古钢琴般的清脆音色），到古典时期的莫扎特《K.533奏鸣曲》（赋予其现代节奏感），浪漫派的舒伯特《D.960奏鸣曲》（挖掘出深层的悲剧性），乃至现代派的兴德米特《第三奏鸣曲》（诠释出其尖锐的现代性），他无所不涉。更令人惊叹的是，他大量挖掘被遗忘的杰作，那些因技术太难或风格超前而被埋没的作品，如梅特涅的奏鸣曲（他录制了全部10首，共4张CD）、卡普斯汀的爵士古典融合曲（如《音乐会练习曲Op.40》）、雷格尔的变奏曲（如《巴赫主题变奏曲Op.81》），这些作品经他演绎后，竟成为音乐会的热门曲目。例如卡普斯汀的《托卡塔Op.40》，原本只有作曲家本人录制过，哈默林的版本却因其“爵士节奏与古典结构的完美平衡”被全球钢琴家争相学习。
   
    哈默林的贡献远不止于演奏。他对冷门文献的发掘堪称音乐考古：格多夫斯基的原创作品（如《爪哇组曲》）此前鲜有人问津，哈默林不仅录制了全套，更在音乐会上频繁演出，让乐迷认识到这位改编大师的原创才华；阿尔坎的作品曾被李斯特誉为“钢琴界的普罗米修斯”，却因技术过难而沉寂百年，哈默林在90年代系统研究其Op.33《大奏鸣曲》与Op.39《12首大练习曲》，录制的唱片成为“权威版本”；梅特涅的奏鸣曲充满俄罗斯民族的壮阔气息（如《第一奏鸣曲》开头的战斗节奏），哈默林的演绎既保留了原作的野性，又注入了理性的结构感；卡普斯汀的爵士钢琴曲曾被视为“非主流”，哈默林却敏锐地捕捉到其价值（如《音乐会练习曲Op.40》中爵士切分与巴洛克赋格的融合），他的录音直接推动了这类作品的复兴。
   
    除了这些小众大师，他还涉足更冷门的领域：维拉-罗波斯的《巴西循环》充满异域风情，他演绎出桑巴节奏的狂热与忧伤；格兰杰的民歌改编曲（如《乡村花园》）简单却动人，他弹出田园诗般的质朴；艾夫斯的《第二奏鸣曲“康克德”》长达45分钟，结构如迷宫般复杂，他竟能清晰梳理出其哲学脉络；希曼诺夫斯基的马祖卡融合了波兰民族色彩与现代和声，他弹出舞蹈的律动与诗意的朦胧。这些作品若非哈默林，恐将永远尘封于乐谱库中。
   哈默林不是偏科生，他的常规曲目库同样惊人：独奏方面，从巴赫的严谨（《第五法国组曲》中的阿勒曼德舞曲节奏精准如机械钟表），到贝多芬的深邃（《Op.111奏鸣曲》的结尾颤音如宇宙星云般浩瀚），舒伯特的歌唱性（《D.960奏鸣曲》的慢板乐章如声乐咏叹调），肖邦的诗意（《第二奏鸣曲》的葬礼进行曲庄重而哀婉），斯克里亚宾的神秘（全部10首奏鸣曲，从早期浪漫到晚期的神秘主义和声），他都有独到诠释。协奏曲方面，他合作过的作品包括贝多芬五首协奏曲（尤以《第五“皇帝”》的磅礴著称）、拉赫玛尼诺夫《第二》《第三》及《帕格尼尼主题狂想曲》（技术毫无压力，音乐表现力更是直追老一辈大师）、格什温《蓝色狂想曲》（弹出爵士的随性与古典的严谨）、布索尼《钢琴协奏曲》（带合唱的史诗巨作，他竟能独力驾驭其复杂结构）。这些演绎绝非“跟风”——舒曼《交响练习曲》的紧凑节奏如军队行进，巴伯奏鸣曲的张力如钢丝紧绷，拉赫玛尼诺夫《第二奏鸣曲》结尾的爆发如火山喷发，李斯特《帕格尼尼练习曲》的精准如手术刀切割，每一首都可作“范本”聆听。
  
    更难得的是，他从不炒冷饭：当红钢琴家常将《拉赫玛尼诺夫第三协奏曲》连演数年，而哈默林的曲目单中，《拉3》仅出现于一场音乐会，随后便切换至冷门作品。这种不重复自己的态度，体现了他对艺术的真诚追求。

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      哈默林还是一位作曲家，其作品虽数量不多，却质量极高：12首小调练习曲中的5首尤为突出——改编自罗西尼《La Danza》的练习曲将原曲的欢快节奏转化为复杂的复调网络；改编自李斯特《钟》的版本加入了现代不协和音程，听起来既熟悉又陌生；改编自里姆斯基-柯萨科夫《野蜂飞舞》的练习曲竟用单手完成，速度比原曲更快；改编自肖邦《黑键练习曲》的版本将右手旋律移植到左手，并新增了一条对位旋律；《向斯卡拉第致敬》则融合了巴洛克的简洁与现代的和声实验。这些作品技术难度堪称“变态”，却已成为新一代钢琴家的“试金石”，不少国际比赛将其设为必弹曲目。
   
    我目前收集到的哈默林专辑约60几张，张张精品：Godowsky《肖练改编全集》是“技术圣经”，Alkan《Symphony for Solo Piano》是“力量史诗”，2002年瑞士音乐会的巴赫-布索尼《恰空》改编版则展现了其“复调掌控力”——布索尼的改编已极复杂，哈默林竟在此基础上新增了内声部装饰，让这首巴洛克杰作焕发出现代光彩。
    成熟如陈年佳酿，睿智如哲学典籍，激情如火山暗涌，内敛如深海静流，这就是哈默林。他不追求掌声与头条，只忠于音乐本身；他不炫技，却用技术征服了所有高峰；他不炒作，却用实力赢得了尊重。
    在古典音乐日益商业化的今天，哈默林提醒着我们，钢琴艺术的本质，是对美的极致追求，是对难度的无畏挑战，是对遗忘的温柔拯救。他或许不是最出名的钢琴家，但一定是这个时代最值得尊敬的艺术家——因为他的指尖，不仅弹奏着音符，更弹奏着音乐的灵魂。

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附:
    哈默林主要演奏作品的作者简介，他主要演录音曲目，其他自己的一些作品。
（1）格多夫斯基（Leopold Godowsky，1870-1938），波兰人。会写会演，且水平不低。留下的钢琴曲目有原创有改编。最为人熟知的招牌，是他魔改的曲目。他改编的突出特点是运用复调手法融合几个旋律，同时呈现，目眩神迷，灿烂之极。演奏他魔改的曲子，除琴技高超，必须思路清楚不能乱，要求演奏者具备多线程处理能力。哈莫林除了那套肖练，还录了一些格多夫斯基的原创曲目。在这之前，他的作品鲜有演奏家问津的，更别提出录音了。哈莫林为他作品的推广作出的贡献，是无人可相提并论的。

（2）阿尔坎（Charles Valentin Alkan,1813-1888），法国人，属于小众派。一位相当优秀的钢琴演奏家，最终放弃演奏事业，从事教学和作曲（和梵志登弃从指有异曲同工之妙）。他的钢琴作品里面对于和声运用，技法相当超前。对于演奏者的技术要求极高，作品被大众选择性遗忘。只有行内人士，像李斯特、布索尼这些才懂得欣赏。哈莫林在90年代后对阿尔坎的典范作品如op.33的大奏鸣曲和op.39的12首大练习曲等进行研究和演奏，录了几张阿尔坎的唱片，无敌的技术使得这些作品得以重放光芒，成为同曲目的不二之选。

（3）梅特涅（Nikolai Medtner,1880-1951），俄罗斯人。和拉赫玛尼诺夫同年代。作品有非常强烈的战斗民族的风格，强劲而绵长，哈莫林录制他的所有奏鸣曲，有4张cd。

（4）卡普斯廷（Nikolai Kapustin,1937- ），也是战斗民族的。和古尔达类似吃的风格，融合了爵士和古典。作品特点是高度的节奏化和非常复杂的记谱。也因此被人们选择性忽视，之前只有他自己录制了少量唱片。哈莫林后来发掘并选择了部分重要的作品进行录制和演出，对推广这些作品起到重要作用。

（5）还有一些比较特别的曲目：
雷格尔（Reger）--变奏曲；
维拉－罗波斯（Villa-Lobos）--巴西风格小品；
格兰杰（Grainger）--根据民歌所写的钢琴曲；
艾夫斯（Ives）--最难理解的超长第2奏鸣曲“麻省康克德”；
希曼诺夫斯基（Szymanowski）--马祖卡；
杜卡斯（Dukas）--奏鸣曲；
奥伦斯坦（Orenstein）--先锋钢琴作品；
索拉布基（Sorabji）--第1奏鸣曲等等。

2．常规曲目的典范演绎
  他并不是一个剑走偏锋，只会炫技的钢琴家。其实他所演奏的常规曲目数量异常惊人。
  独奏曲简略的统计如下
1，巴赫第5法国组曲；
2，海顿晚期奏鸣曲；
3，莫扎特的几首奏鸣曲；
4，贝多芬晚期奏鸣曲；
5，舒伯特的流浪者幻想曲，晚期奏鸣曲；
6，肖邦的波兰舞曲，船歌，叙事曲，第2奏鸣曲；
7，斯克里亚宾的全部奏鸣曲；
8，勃拉姆斯的间奏曲；
9，舒曼的蝴蝶op.2,狂欢节op.9,幻想曲集op.12，交响练习曲op.13,幻想曲op.17，第2奏鸣曲op.22；
10，福雷的船歌；
11，李斯特的数首匈牙利狂想曲，包括“唐璜”改编曲在内的数首大型歌剧改编曲，音乐会练习曲，全部帕格尼尼练习曲；
12，阿尔贝尼斯的全套伊比例亚组曲；
13，普罗克菲也夫的小品如“讽刺”op.17等；
14，肖斯塔科维奇的几首前奏曲与赋格；
15，布索尼的第6小奏鸣曲“卡门”，改编巴赫的“恰空”；
16，巴伯的钢琴奏鸣曲；
17，拉赫玛尼诺夫的第2奏鸣曲，音画练习曲小品等；
18，格什温的歌曲改编曲等等。


协奏曲简略的统计如下：
1，贝多芬5首；
2，拉赫玛尼诺夫的第2；
3，第3首和帕格尼尼狂想曲；
4，格什温的钢琴协奏曲,蓝色狂想曲；
5，格里格协奏曲；
6，波恩斯坦带钢琴的第2交响曲；
7，布索尼带合唱的庞大协奏曲；
8，李斯特2首协奏曲和死之舞；
9，圣桑第2，4，5协奏曲；
10，谢德林的第2协奏曲；
11，安东鲁宾斯坦的第4协奏曲等等。

   以上的演奏清单绝对数量不多，分量很重。例如肖邦第2奏鸣曲，拉赫玛尼诺夫第2奏鸣曲等都是难度很高，更不用说贝多芬舒伯特那些需要深厚音乐功底的奏鸣曲了。当红的许多明星钢琴家，一旦练好某个大作品：比如拉3等，就会连续演出数月甚至数年，曲目狭窄的可怕。
  在老哈的目录中，拉3仅仅出现在一场音乐会中，其后立刻换成了别的曲目，极少重复。他这些常规曲目也绝非跟风凑热闹，舒曼交响练习曲的紧凑，巴伯奏鸣曲的张力，拉赫玛尼诺夫奏鸣曲结尾的爆发，李斯特全部帕格尼尼练习曲的精准和优美都可以作为范本来听，更不用说斯克里亚宾的全部奏鸣曲了。可惜这些曲目录音很难找到。

3. 作品的创作
除了演奏，他也作曲（钢琴曲）。作品包括：
1，12首小调练习曲；
2，1首前奏曲和赋格；
3，1首小前奏曲；
4，1首向索拉布基致敬的前奏曲；
5，1首混合了3首肖邦练习曲的改编曲；
6，1首改编自Abreu的充满民族风味的小品“雀鸟”（Tico-Tico no Fuba）；
7，1套名为“Con Intimissimo Sentimento”的组曲；
8，为3首莫扎特协奏曲和李斯特第2狂想曲谱写的华彩。
   其中最为重要的作品是12首练习曲中的5首，包括一首改编自罗西尼歌曲“La Danza”，一首改编自李斯特的“钟”，一首改编自里姆斯基－柯萨克夫的“野蜂飞舞”，一首改编自肖邦的“黑键”练习曲，一首名为“向斯卡拉第致敬”的小品。这些作品带着原作的影子，却充满了现代的和声，听起来既耳熟又怪异，而且技术难度之高简直匪夷所思。目前已经有不少国外的新秀开始演奏这些作品了，它们的确也是一批优秀的音乐会曲目。

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有一张阿尔坎作品的碟片，我推荐一下。
个人比较喜欢买了两版，一个是普通版，一个是纪念版。

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     查尔斯-瓦伦丁·阿尔坎（CHARLES-VALENTIN ALKAN, 1813-1888），一位被严重遗忘的奇才，其艺术成就，堪与肖邦、李斯特比肩，却因性格孤僻、作品艰深而长期被主流忽视。
    他备受李斯特推崇，后者称其钢琴技巧如恶魔般惊人。汉斯·冯·彪罗说他说为钢琴界的柏辽兹，意指其音乐中同样充满戏剧性的张力和交响化的宏大构思。
     他是一位拥有炽热而孤独灵魂的作曲家，其创作折射出内心的挣扎与哲思。
    他是一位才华横溢的钢琴演奏家，以超乎常人的技巧驾驭最复杂的作品。
     他是一位苛求完美的艺术家，对音乐结构、和声细节的精雕细琢近乎偏执。
    他更是一位饱受精神折磨且情感脆弱的创作者，晚年隐居巴黎，最终在书架的意外倒塌中离世，为其人生增添了一层悲剧色彩。

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《“人生四阶段”大奏鸣曲》（作品33号），在某种程度上而言是阿尔坎的代表作，也是整个浪漫主义钢琴曲目中技巧与内涵双重巅峰之作。作品有宏大的篇幅、复杂的结构和深刻的哲学意蕴。
    这部奏鸣曲出版于1848年欧洲革命动荡时期，采用独特的四乐章结构。两个充满活力的快板乐章（对应20岁和30岁的青春与激情）紧接着两个沉思性的慢板乐章（对应40岁和50岁的成熟与反思），这种非传统的布局不同于古典奏鸣曲的范式。
   作品以人的四个年龄阶段（20、30、40、50岁）为标题，每个乐章不仅描绘生理年龄的变化，更深入探讨生命的精神历程：20岁的冲动与理想、30岁的奋斗与焦虑、40岁的反思与内省、50岁的接受与超越。

    遗憾的是，这部杰作一度被世人遗忘，尘封近一个世纪，直到1973年才由英国钢琴家罗纳德·史密斯在公开音乐会上完成历史性首演，随着近几十年早期浪漫派音乐的复兴，该奏鸣曲正逐渐获得应有的重视。