看片杂记

schiff

其实，我最先想到的词是“乡愿”。但仔细一想，“乡愿”这词太恶毒了，《父辈旗帜》（Flags of our Fathers）虽然迷糊，但也没到“伪善”的地步。所以，还是“中庸”合适些。



表面上看来，无论是“中庸”，还是“乡愿”，都有些“老好人”的意思。所谓“老好人”，就是大家都认为是好人的人。映射到电影观感上来，本片就非常像那种所有人都会认为是好电影的电影。


首先，反向思维的话，本片想拍得很差都比较难。有“历老弥坚”的老牛仔（克林特伊斯特伍德）掌控全局，有“大片保证”的斯皮尔伯格做监制，有以精良著称的保罗哈吉斯完善剧本，有一众虽然算不上一线但个顶个好质素的演员垫底，题材又是近年望眼欲穿的战争片，听听都令人心潮澎湃，激动万分。


再联想到老克在最近几部作品中，所表现出来的返璞归真一般的克制与内敛，不由得更增添了人们的期待。因为老克这种后来的风格，正是电影语言趋于大成的标志，仿佛武林高手最终都会精华内敛一般，摆在老克面前的，似乎只剩下得道飞升一条发展的道路了。


不知是不是觉得那样“高处不胜寒”，老克“决定”暂时不提升自己，来留恋一下凡尘。可是，留恋也不一定非得降低水平啊，难道想返老还童、从头再来过不成？


说到这里，同学们可能会纳闷了：既然前面说到本片很难拍得很差，如今怎么又是“水平降低”了呢？


这得看和什么比了。与一般的战争电影比，《父辈旗帜》具备足够多的优点。自《拯救大兵瑞恩》和《细细的红线》之后，好莱坞的战争片就缺乏一个独特的视角，因此每每不是言过其实，就是敷衍了事，没有一个令人印象深刻的。


相对而言，本片的战争切入角度大有搞头。如果说“大兵”是对个体生命价值的审视，“红线”是对生存本体的思考，那么“旗帜”就是对英雄观的重构。不能否认，“英雄意识”与“英雄情结”是战争片的核心要素之一，即使那些声明自己不是英雄的主角们——如“大兵”中的米勒上尉——也会被观众心理认同为英雄。但是《父辈旗帜》当中没有英雄，不仅片中角色们宣称自己不是英雄，编导也不是将他们以英雄为目标来描绘的，看完之后观众心里也不会以英雄来认同。


简而言之，本片想将人们通常想象中的战斗英雄，还原成普通的人，并顺带通过这种英雄观的重构，让观众更加真实地了解战争。想比“大兵”的真实、“红线”的哲理，“旗帜”的这种角度显得更为“平和”。这无疑是与伊斯特伍德近作心态一脉相承的。角度平和了，才能更真实的体验与发现。影片中的三位主人公，因为一张照片著名了就凑巧成为“英雄”，这给他们带来了不少的压力，但为了赢得战争，他们还得顶着压力，继续承受这“英雄”的称号。


普通人没有当过英雄，自然对英雄的头衔垂涎不已。这就好比大家都无法长生，所以总是幻想不老一样。其实，有些很有光环的事情，真正轮到自己头上，未必就是很幸福的。如果当事人是自律性和正义感特强的（就是美国人常说的特有integrity的人），就会更在意荣誉的真实性，就像王菲歌里唱的，“不是我的我不要”——反过来——要了就会很不爽。剧中的三位主角都不同程度地表现出这一点。再考虑到这种“英雄”的头衔是由政府不顾事实强加的，而且此后的作为又是完全和战场英雄无关的、充满铜臭气的行为，更加让人感到所谓“英雄”，以及英雄背后的所谓“战争”，都有些荒谬而不真实起来。


应当说，电影在这个切入点上还是演绎得不错的。三位男主角在这一点上的表现也很有层次感，这就更加增添人性的复杂来。不过，这样的视角，也会使影片带上走向片面。因为在真实的战场上，还是有真实的英雄们存在的。美国本土上那些风光却虚幻的英雄形象，并不代表太平洋的“一窝鸡毛”（Iwo Jima）岛上的英雄们就湮没于历史了。


虽然约七成的电影篇幅是描述三位男主角在大后方的经历，另外三成镜头中还是给予战场上美国士兵们很正面的描写。和《拯救大兵瑞恩》一样，本片的战斗场景也多是用手提摄像机拍摄，带给人无比真实的临场感。同时，音效方面也一改近年来战争片的疲软状态，变得异常生猛。从影片揭幕大约15分钟开始，有一场规模宏大的抢滩登陆战，历时大约一刻钟。伊斯特伍德凭这一刻钟，终于能让斯皮尔伯格的“大兵”不再专美于前。虽然在调度复杂性上没有超越后者的抢滩戏，在场面惨烈和音响的动态凌厉方面则不妨多让。抱着《大兵》DVD吃了多年老本的音响发烧友们，终于可以有新鲜片段来炫耀自己的家庭影院了。


在对鬼子士兵的描写方面，老克倒没有我想象中的那么“乡愿”——片中对鬼子描写并不多，其实算很少的，因为根本没有一个在镜头前持续一分钟的突出人物，要么是一出场就躺在地上装死尸的龙套，要么就是出来几秒就给枪毙或炸死从而殊途同归装死尸，还是龙套。按照新闻，老克是比较同情“一窝鸡毛”攻坚战中的鬼子士兵的，要不，他也不会同时执导反映鬼子视角的《一窝鸡毛的来信》（Letters from Iwo Jima，简称《鸡毛信》）。根据历史记录，紧紧夹着“一窝鸡毛”的日本鬼子，当年的确是蛮疯狂的：战死12000多人，绝少有投降的。也许，在老克眼里，这就是勇敢了；浑不知小鬼子们热爱走火入魔的“武士道”，战死对于他们来说，还是件很光荣而值得追求的事呢。老克没有对此大加描写、或者至少给出一两点暗示，都是出乎俺的意料的。或者他想留着这些素材，放到《鸡毛信》里集中展示？


事实上，除了对待日本人的态度外，片中还揉进了其他更复杂的剧情元素，例如种族歧视。可惜这个元素，在个人看来，有些唐突了，或者说至少没法激起应有的反映。由此，可以展开俺对该片的不满了。


俺说本片中庸，很大一个原因，是因为该片企图很大，太大，乃至超过了一个精炼的故事所应包括的内涵。过大企图的一个表现，就是同时照顾前线与后方两大主线。正如前文所言，这样做的好处是能从正反两方面揭示“英雄”的真正含义，但是，坏处——或者更应该说“风险”——是有可能两边都没法充分表现。最明显的，是战场英雄这一块，表现时间非常紧缺，人物又多，时空切换的剪辑又增添了理解的难度，以至于观众最终没记住几个面孔。俺个人虽然记住了“麦克”这个角色，那也是出于《拯救大兵瑞恩》中由该演员饰演的神奇狙击手的怀念，至于这哥们在本片中的形象与事迹，说实话我真是想不起来了。由于战地形象的模糊，“真心英雄”的形象就难树立起来。而在后方“英雄秀”方面，所谓“出于正义感的内疚”以至由此引发的“酗酒麻醉后遗症”，在观众们的视听经历中已是屡见不鲜了，都快成好莱坞表现这一主题的教材版本了，你说能不滥俗吗？


如此一来，正面的英雄大家没印象，消极的英雄大家又审美疲劳，加起来老克在这部片里等于没说明啥子才是英雄。是的，是的，影片的结尾，的确是用总结式的独白，道出了“英雄士兵”们该是如何模样——对不起，老克——大家早八百年就知道了应该这样，您老人家并没有给予我们任何感兴趣的新东东，很不厚道哟~~


题材内容上的失望也就罢了，毕竟老克第一次搞这么大的动静，每天焦头烂额的也不容易，掌控有所不力，也是能够理解的。但是，以老在再前几部作品中表现出来的炉火纯青的电影技法，居然将本片拍成了一部没有嚼头的温吞水，实在令人太遗憾了。


记得俺还曾用“素面朝天美人骨”形容过《百万宝贝》（Million Dollar Baby），意思是说老克的手法看似不饰雕琢，实则精华内敛，细细品味自会发现一片绝妙乾坤。于是，我期待着能在本片中领略到更完满的境界；盼望着，盼望着，老克来了，却带来了肤浅和庸俗，令人大跌眼镜。其实，老克根本不用花这么多笔墨，来描写那个印第安小伙的愧疚状态，大家都是聪明人，用少数几个克制却精炼的镜头能传达的东西，何必那么连篇累牍得胡煽情呢？不止是这，片中的战友情、母子情以及种族歧视、政客嘴脸等等，都可以用更含蓄的方式表达。像目前这样搞得这么明显，一来失去了品味的价值，二来也让影片看起来很廉价，随便捉个导演都能表现，哪里能体现出老牛仔那干净利落、沉稳自然的风骨啊？


以老克的实力，完全能将本片的内容铸就成为新一部战争经典，并以自身独特的风格，和《拯救大兵瑞恩》、《细细的红线》形成三足鼎立的局面。相对于能力不足的无法企及，老克目前造成的遗憾更令人扼腕。如果可能，我宁愿老克多拍十部《百万宝贝》，也不愿看到他再砸一部《父辈旗帜》。克兮，归来！

[ 本帖最后由 schiff 于 2007-1-30 14:10 编辑 ]

schiff

剧情简介:
为了解开神秘的石柱突然屹立于地面并攻击人的秘密，原子动力太空般帝斯卡巴里号出发飞往距离八亿公里远的木星。此宇宙飞船的成员包括波曼船长、布鲁飞行员及三个在圆筒内冬眠的队员等五人。途中电脑HAL发生错乱，破坏了冬眠装置，布鲁被诱出船外，于黑暗的太空中被杀，波曼船长则被困在母船中，与之展开生死格斗，结果人类终于获胜。
　　不久宇宙飞船在进入木星的轨道后，因船长发现某地有与月球上的石柱一模一样的东西，就驶向它，却发生意外。当他醒来时，看见自已正和宇宙飞船在路易十六的寝室中。超越时间与空间，所有的一切东西都消失于白光之中后，飘浮在太空上的绿色地球，由一胎儿看守着，此胎儿正是波曼转世而成的，正继续等待着自己出生的日子。
　　这部内容以不远的未来为背景，在广阔的宇宙空间中，人类将面对不可思议之事。本巨作广集特殊摄影技巧与精华画面感觉拍摄而成，可谓是空前绝后。

schiff

...................

schiff

..............

schiff

......................

schiff

....................

本能2没所说的那么烂,还不错.

schiff

日本片[s:95],不喜欢韩片,只能看日本片了,虽然思考问题的方式有点变态[s:18]

测试碟很不错,全面.

schiff

变线人生看的胸闷,闷人两个,烂片一个.

公主日记不错哦,轻松活力而温馨.

schiff

.................

月光下的迦太基

一窝鸡毛，哈哈，总结的不错。
MS楼主对细细的红线很推崇，看来可以一看。

schiff

午夜凶铃确实是经典,1-4都有不错的水准.

schiff

《血与骨》剧情：一个粗暴父亲•两代家庭悲剧


上世纪20年代，日本经济正处于复苏后的上升期，大批劳工从济州岛前往大阪淘金。在那里，朝鲜人逐渐形成了自己的社区，他们互相扶持平安度日。但是其中还有一个异类，甚至连黑道都畏惧三分。他就是性情粗暴的金俊平(北野武饰)，这个孔武有力的男人，常常让周围的人陷入恐慌。




　　金俊平在鱼糕工厂打工，工厂附近有一家居酒屋，老板娘李英姬(铃木京香饰)勉力维持着小店，还带着一个不懂事的女儿。金俊平对老板娘垂涎三尺，用武力强奸了她，并胁迫她和自己成婚。不久，女儿花子、儿子正雄相继诞生，但是两人仍很疏离。金俊平每日大醉而归，便打老婆、骂孩子、摔东西，闹得全家恐惧、四邻不安。


　　日子一天一天地过去，英姬和前夫的女儿春美(唯野未步子饰)长成了大姑娘，嫁给了俊平的好哥们高信义(松重丰饰)。俊平也承包了鱼糕工厂，在信义和元山(北村一辉饰)的帮助下，财富滚滚而来。就在此时，俊平15岁时在家乡和别人的老婆私通后的儿子来到日本，这个私生子朴武(小田切让饰)的突然出现马上打乱了他的生活。


　　尽管朴武和父亲一样性情不羁，但与英姬一家逆来顺受不同的是，他根本不在乎老爸凶狠的那一套。朴武本想从俊平那里借钱自立门户，但是一向对家里不闻不问的俊平，怎肯轻易将钱借给儿子，从此两人吵架动手成了家常便饭。一年后，金俊平又在外面购置房舍，和情妇清子(中村优子饰)长期姘居。


　　看着两人明目张胆地出双入对，嫉恨不已的英姬也只能忍气吞声。好在这样一来，全家还能过上难得一见的安生日子。此时，俊平对金钱的渴望更加强烈，便把所有储蓄放了高利贷。


　　另一方面，19岁的花子爱上了工厂的工人张赞明(柏原收史饰)，可一心投身“祖国防卫队”非法活动的赞明却被警方逮捕。一对有情人从此天各一方，花子不得不和别的男人结婚，但婚后的生活并不幸福，她也对未来死了心。


　　一天，清子患脑病瘫倒，俊平粗暴地将怒火发在家人身上。此后，他不仅没有收敛性情，反而更加变本加厉，又以照顾清子的名义，迎进了风骚女子定子(滨田麻理饰)。由于长年的担惊受怕，英姬也不幸病倒。面对不想拿一分钱治疗费的父亲，一向懦弱的儿子正雄(新井浩文饰)终于爆发了，他一反过去的恐惧大胆地和父亲对峙。


　　晚年后，罪有应得的金俊平，拖着病败不堪的身体，孤独地终老一生……





　《血與骨》幕后：六年磨一劍

　　導演的六年構思：崔洋一導演生於1949年長野縣，曾經做過大島渚和村川透的助理，1983年推出處女作《十摟的蚊子》，獲得每日映畫新人獎，並獲邀參展威尼斯電影節。此后，他為角川電影公司拍攝了《何時殺何人》等一系列作品，並拍攝了多部電視電影。1993年，他的《月出何方》獲得報知映畫獎和日刊Sports映畫大獎等大大小小53個獎項，一躍成為知名導演。1996年他留學韓國，就讀延世大學語言學院，研究韓國近代電影史期間，結識了大批韓國電影人。近年來，他拍攝的《刑務所之中》獲得了日本藍絲帶獎和報知映畫獎等獎項，《導盲犬小Q》也在亞洲各國掀起了收看熱潮。其實《血與骨》並非十分難纏的電影，但這部電影的確耗費了他6年光景。

　　作者的親身經歷：原著的作者梁石日1936年生於日本大阪，高中畢業后輾轉於各地，從事過出租車司機等多種工作。50年代中期，他發表《出租車司機日記》，獲得各方注目。之后，1987年發表《出租車狂想曲》，並被崔洋一導演採用，拍成了獲數十個獎的《月出何方》。被拍成電影的作品還有直木獎提名作品《賭夜》。其他著作有《追尋族譜》、《Z》、《斷層海流》、《生如修羅》、《睡魔》等。以生父為原型的作品《血與骨》，1988年由幻冬社出版，曾獲得第11屆山本周武郎獎，至今已發售31萬本。梁石日認為這部作品很難改編成電影，但是經過崔洋一歷時6年、修改20多遍的努力，在眾多實力派演員的合作下終於完成了對原著的影像化。他對導演的執著深表敬意，並深信影片會感動許多觀眾。

　　《血與骨》拍攝花絮：精心謀制作\r

　　從籌備到開拍：在韓國留學結束后，崔洋一一直在籌備《海豚的報恩》。但小說《血與骨》的傳奇和暴力，主人公金俊平的殘酷一生，深深地吸引了崔洋一導演。他邀請了老搭檔鄭義信，合力將小說改編成劇本。為此他們走訪了大阪的生野和東城等地的老人，收集了許多舊時的街道和生活的素材，並對照原著作出了詳細的地點記錄。就在這次遠程走訪中，兩人還互相回憶了各自的父親和青春時代，譬如兒時父親如何過年，飯桌上都有什麼食物，當時流行什麼游戲，以及各自家族的追溯。

　　實際上，當時創作《血與骨》劇本的時候，他們就有意拍成一部大片，至少也需要10億日元的制作費。他們還就攝影地點詳細設想了一番，光是為了展示金俊平青年時代的戲，就要再現長屋、大成路、魚糕廠、大阪站等地。這樣耗時、費力又燒錢的大動作，當然需要一支優秀而努力的劇組。

　　《御法度》拍攝期間，崔洋一向北野武推薦《血與骨》，一起談論拍成電影。北野武讀后很感興趣，但他自問無法執導這樣的作品，也許演主角還能勝任。盡管書中的主人公身高1米83，體重200斤，大字不識幾個，是個不折不扣的莽漢。但是考慮到這不會是北野武導演作品，北野武便一心努力出演本片的主要角色，並投注全部精力鍛煉自己的身體和精神。與此同時，扮演李英姬的鈴木京香也表現出極大的興趣。這樣一來，影片的先期准備工作初具規模。就在崔洋一拍攝《導盲犬小Q》期間，外景地、選角、美術設計等工作也相繼開始，2003年末《血與骨》正式開拍。

　　再現魚糕作坊：為了完美地再現金俊平經營的魚糕廠，美術助手五十嵐友行在開拍前3個月，就開始了對20年代初大阪魚糕廠的調查。五十嵐駐扎在小田原，拍攝了大量魚糕和魚的照片。當時，他想如果能在小田原調查到材料和做法的資料，就可以很快地用於東京的拍攝。但是事情進行得並不順利，小田原魚糕老店“丸田代”的老板不在，他必須從頭學起魚糕的制作方法。而且他越學越覺得不對勁，小田原和大阪在戰后缺少互通，魚糕制作從工匠、原料到做法都相差很大。制作上最大的區別在於，小田原魚糕蒸熟后即可，而大阪魚糕還需要烤制，以儲存更長的時間﹔魚糕板甚至也和大阪相去甚遠，影片中需要大量魚糕的成品和半成品，現在的主流工廠都採用機械作業，幾乎見不到手工作業的師傅，再加上缺乏割魚工具和模具，五十嵐很快便前往大阪。

　　到達大阪后，五十嵐希望能打聽到“大阪魚市的大買家”金俊平的故事，但是知道的人大部分都已經轉行，而手頭上“昭和30年全國魚糕廠名簿”上的店子又多已關閉，他好不容易才從大蒲家魚糕店獲得昭和20年魚糕的做法和道具的資料。之后，五十嵐又拜訪了一直從事魚糕生產的大寅魚糕廠老板小谷老人，從交談中分析出《血與骨》的魚糕廠有現代的影子，並邀請到工廠老匠人大元先生做影片的顧問。五十嵐還在調查中得知當時魚糕生產機械的制造公司，並找到了昭和20年間的這種生產機器。就這樣，從當時的生產工具、制作方法到制作過程，全部由五十嵐友行調查完畢。

　　《血與骨》點評：日本影片的今秋焦點

　　1988年，梁石日的小說《血與骨》由幻冬社出版，許多導演都想將其拍成電影，但是崔洋一最終取得了拍攝權。這部頗具寫實風格的小說，以作者的父親為原型，夾雜了眾多軼聞和隨感，時間跨越日本大正到昭和年間，描寫了在日朝鮮人的真實生活， 以及當時的社會、習俗、語言等。

　　其實拍電影並非那麼簡單的事情，這不僅需要再現當時的背景風物，還要把流浪人們的悲劇人生，拍攝得既充滿戲劇性又富含娛樂性，沒有一定的功力自然很難把握。主人公金俊平這個完全自我中心主義者與兒子正雄的對立糾葛，在家庭暴力的恐懼下謹守孩子的李英姬的悲慘命運，戰中與戰后時代隨著社會浮沉的下層人民的生活，都是這部山本周武郎獎小說改編的電影要著力表現的地方。

　　對於崔洋一來說，創作一個合適的故事需要時間，為了表現原著宏大的家庭故事，不知不覺地便耗費了6年時間。期間，雖然又經歷了搭檔和經費的變化等各種各樣的困難，但崔洋一始終保持著樂觀的態度來拍攝這部電影。一旦作品完成，他又莫名暴躁起來。在他看來，一部至死未完的電影，也許才最有魅力。如果這部電影能夠經得起時間的考驗，那恐怕是崔洋一最值得欣慰的事情。

　　其實《血與骨》最大的賣點還在於，這是繼《月出何方》之后梁、崔、鄭的再度聯手，除了領銜主演的實力派北野武和鈴木京香，還擁有新井浩文、田?智子、小田切讓等豪華配角陣容，自然會在今年秋天吸引眾多的目光。

[ 本帖最后由 schiff 于 2007-1-30 14:30 编辑 ]

schiff

杀手阿一


改编山本英夫漫画，故事发生在新宿歌舞伎町，是一个畸形的黑帮传奇，或是一个杀手传说。片中的黑帮残暴异常，而专杀黑帮的神秘杀手阿一则更为残暴。以暴对暴的结果不难想象会是什么样。充斥在银幕画面上的，都是打打杀杀，都是血浆、都是令人不忍多看一眼的血肉模糊。而制造这些场面出现的人物则更加离奇，主角们大多性格压抑，甚至是有些神经错乱，施虐与受虐同样被他们视为是人生最大乐趣。
　　 其中最惊人的场景莫过于在与船鬼谈判时，恒原当着众人割掉自己的小半截舌头。甚至，他会对痛打他的阿叔的手下说，你的暴力里面根本没有感情，然后张开他的“血盆大口”，将阿叔手下击出的拳头咬个稀烂，
　　 三池崇史将暴力变成了主题，电影反成了制造暴力的工具，即使以所谓的暴力美学作包装，也难以掩盖内容的苍白和激情的匮乏。浓重的血腥味冲淡了导演精致的构图带来的愉悦感，导演的过瘾看样子是建立在观众的痛苦之上；人物性格刻画轻描淡写，却对遍地横尸情有独钟，无奈死人再怎样也创造不出生动鲜活的故事。
　　性爱——在题材上对变态性关系或虐恋的执迷，可以看成日本文化的一种积垢，由于传统文化对日本男人的压制，变态的性关系可以让他们尝到突破的快感，这也可以看作是日本人对当代社会等级森严的权力结构的一次反叛。






对于《杀手阿一》，基本上评论分成了截然不同的两类。一种认为此片变态、猥琐、恶心、恶劣；另一种对此片充满溢美之词，但究其所以然，大都语焉不详。
　　
　　毫无疑问，我是很喜欢三池崇史的。尤其是《切肤之爱》和这一部《杀手阿一》。对于前者，从亚洲到欧美业界和民间的认同度都相当的高，女性独立意识，社会及两性危机感，场景调度等等都说的很多，对于后者的评价也大都集中在“暴力”二字上，超暴力、极度暴力等等不一而足。
　　
　　除了最抢眼的暴力外，其实三池崇史在《杀手阿一》里，把玩了相当丰富的元素。黑社会、动作、符号艺术、黑色幽默、荒诞、心理剧、复仇、悬疑、SM文化、怪兽电影等等，可能还有很多我看不出来的元素。能与之比肩的，可能只有塔伦蒂诺的《杀死比尔》。这么多的元素一起体现在一部作品中，对于导演的控制能力是相当大的挑战。元素太多，剧情很可能因此支离破碎，变成一张杂乱无章的花名册。而三池崇史在本片中，则针对此特点，利用碎片式的剪接，彰显元素，强调情绪，弱化剧情，可以说做得相当完美。
　　
　　在故事内容上，三池崇史一如既往的强调了自己的社会危机意识。
　　
　　故事发生在日本的欲望之都：东京歌舞伎汀。很多人只看到这些，殊不知，其实，整个社会和歌舞伎汀一样，充满了欲望、幻影，腐败堕落而且混乱不堪。社会只不过是一个放大了无数倍的歌舞伎汀罢了。
　　
　　故事的主人公阿一，平时胆小懦弱，在幻想或者说妄想中变得强大，将日常欺负自己的敌人碾成齑粉。首先体现了人性的善恶两面性，从这里我不禁想起了著名的《化身博士》。其次，阿一的形象，正是普通社会中小职员在电影中的投射。大公司的小职员，平时受尽欺压，忍气吞声，唯有在做白日梦的时候，化身为大侠，惩恶扬善。这不就是阿一的形象么？
　　
　　电影中的另一个关键人物是垣原。垣原是个受虐狂，在痛苦和恐惧中获得快感的升华，最终死于妄想之中。这里需要注意一个情节，垣原在楼顶用银针刺穿了双耳，坠楼身亡。楼下的尸体额头上并没有阿一的刀痕，暗示垣原并非为阿一所杀，而是在被杀的妄想中自己跳楼身亡的。正代表着三池崇史心中的社会危机意识。生存与危机同在，个人在危机中升华，伴随着个人的升华又产生了新的危机，当危机完全消失的时候，个体也随之终结。不正是：生于忧患而死于安乐么？
　　
　　除了性格鲜明的个人外，本片的一个关键元素是：欲望。阿一受人欺凌，由此妄想强大，而杀手阿一诞生，垣原追求受虐，并在妄想的恐惧中自我了断，丽花小姐妄想着被男人切割成一片片，最终被阿一所杀。妄想是欲望不能得到满足的产物，本身带有相对的悲剧色彩。三池崇史以此强调着自己的人生观。人在不断的欲望中生存，无限的欲望得不到满足，只能通过妄想聊以自慰，并终结于对欲望的追求中。这些观点虽略嫌偏激，但不无道理。
　　
　　统观本片中的人物，均是荒诞而边缘的孤立个体，没有普遍意义上的社会地位，也没有影响力，为追寻自己的目的而存在着。从表面上看，这些形象似乎是相当戏剧化，相当荒诞的。实际上，在现实社会中，这样的形象比比皆是。芸芸众生中的普通一员，在这个世界上可有可无，存在的目的就是不断证明自己的存在。
　　
　　而本片的灵魂人物：阿叔，代表了冥冥中的命运之手。正是他创造了阿一的人生，创造了阿一的妄想，创造了垣原的恐惧，有条不紊的推动着这一切的前行。他利用催眠这一带有超自然色彩的手段支配阿一，更暗示了该角色凌驾于普通人之上。在影片的最后，阿叔自尽身亡，远处一个类似阿一的形象正跟随着小学生前行。暗示了整个故事的周而复始。
　　
　　所以，虽然本片在视觉上暴虐血腥至极，但在影像之后，却有一番深刻而尖锐的思考；而结构上的精彩也令人叹服。这就是我喜欢《杀手阿一》的原因。今后我还会看这部电影，我相信还会有更多的收获。

peng-q

我反对!

不是好片,假深沉了一把

schiff

...............