访央视录音师李小沛

空壳

前往北京採访瑞鸣唱片，製作人叶云川安排了一行人参访录音过程，我们在一旁观察见学，而录音场地的掌舵人，就是北京中央电视台的录音师李小沛。在北京的採访聊了很多，在其中最重要的观念，李小沛点出：「录音不仅是技术，更是艺术，当中有音乐美学的审美观存在着。」成一家之言的关键也就在此。
从事录音工作将近30年
谈起何时进入录音工作，李小沛说他1980年代初期就投入录音工作，当时他才不过19岁，工作岗位就在北京中央电视台，一路就这麽走过来。不过当时李小沛的主要工作并不是做音乐录音，而是做很多与影片相关的录音工作，大约在1982年左右，中央电视台开始建构录音室，音乐相关的录音工作才逐渐增加。
从事录音工作多年，我问李小沛，现在的录音和过去有何不同？他说早年的录音工作形式和现在其实差异不大，但内容比较不一样。早年乐器种类比较没那麽多，对多轨录音的需求也比较少；而现在的乐器种类很多，对多轨录音的需求也比较多。所以早年录音大约都是找个乐队来，在录音室裡面一次录完，过去的录音室很多都隔成许多小房间，直接演奏收音即可。但现在录音的创作内容越来越多样化，製作所需要的工作就越来越多。李小沛说，以前交响乐团的演奏很重要，一次演出就要达到完美，录音好不好，就看乐团演奏时究竟有多完美。但现在製作的技术越来越多，后面可以修饰的东西很多，呈现出来的面貌也有些不同。
单点录音v.s多点录音
在中央电视台大录音室裡观察瑞鸣录製唱片的过程，只见李小沛在480平方米的大录音棚内进进出出，调整着麦克风的位置，而且一次只录製一项乐器，我们可以瞭解这是分段录音，最后再由录音室溷音製作。这裡点出了录音手段的差异，对发烧友而言，譬如MA、Chesky、Proprius等等，都推崇单点录音，拿两支麦克风找到最佳收音点，标榜接近双耳聆听音乐的真实与自然。不过李小沛在中央电视台的录音方法，很明显是多麦克风录音，而且使用很大的录音棚分段录製单一乐器，最后再由录音师透过製作的手段，呈现最终的音乐风貌。

这双麦克风对多麦克风的问题，其实牵涉到观念的不同。李小沛表示，过去的录音业界非常推崇双麦克风的录音，这种录音方法非常自然，他以前也爱用。李小沛说：「用单点录音，我会花很多的时间，调整乐团或演奏者在录音空间当中的相对位置，让演奏者在空间中可以发出很好的声响，乐器中间还会摆设各种隔音板，营造出定位感，然后回到录音台聆听，再要求演奏者调整自己的位置，请他们向左移或向右移。这样的录音听起来能让演奏者和乐器的定位很准确、很自然，但是实际看看录音室裡面是怎麽样的相对位置，那倒是和最后的结果很不一样。」李小沛认为，单点录音的方式并不表现录音者的审美意识，而是尽可能将音乐演奏的自然状况呈现出来。

[ 本帖最后由 空壳 于 2009-10-17 22:27 编辑 ]

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用大空间营造录音的空间感

可是李小沛也认为，录音其实本身就是一种创作，透过多点录音，最后製作时可以用很多方法来「摆设」，譬如决定哪一项乐器做主体，哪一项乐器做背景，前前后后，位置都可以重新整理。李小沛的方法是拿一个单独的乐器来标示空间，譬如找小提琴来当标示，把空间感放进去，那音乐的层次和空间的相关性就出来了。或者特别找一样乐器来标示细节，把这项乐器最细微的声响标示出来，好像照片连皮肤上的汗毛都看得见，实际听起来时大家就会说：「哇！这听起来真好！」



李小沛利用480平方米的大录音棚营造出录音的空间感。

为了让录音后面的製作可以有更多的弹性，李小沛选择用很大的录音室去录製单一的乐器，这点就很不一样了。一般录製单一乐器多半在小空间裡录製，近距离拾取演奏的细节，不过李小沛的方法则是用大空间营造出录音的空间感。李小沛点出了两个观念上的差异，就是「大空间长溷响」与「小空间近音源」两者的不同。

李小沛说，小空间近声源对单一乐器录製来说，很多人会採用，有它的优点，但也并不是没有缺点。小空间近声源录单一乐器，大部分只收到乐器本身的讯息，也就是直接音，但却无法收录空间的残响。但大空间录製单件乐器，可以增加空间感，但并不是没有问题，长溷响一定会影响到乐器本身的收音。所以只要能去除这项困扰，就能兼顾乐器直接音和空间残响。

录音是创作，当中包含审美意识

在採访之前，我们已经听过古筝的录製过程，李小沛举刚才的古筝为例：「刚刚听古筝的录音，那音像形体显得特别的大，特别的活灵活现，还有适当的空间感，但是我最后製作时不会把那麽大的古筝形体全部保留下来，而会将乐器形体收敛起来，把线条做出来，这样保留了后期製作很大的馀裕度。」



接着，李小沛把「录音是创作，当中包含审美意识」的想法带了出来。李小沛说，录音製作的手段，要从审美需求出发，当我们有审美上的需求时，就去找出手段，但有时候手段不一定能够满足审美需求。「譬如我们要把皮肤上细微的汗毛都表现出来，但录音本身就没有这些细节存在，那麽再怎麽靠录音製作的手段，也无法把细节重现。所以我们在录音的时候，就尽可能把完整的音乐细节录出来，当我们需要非常真实的细节时，就可以派上用场，但当我们不需要这麽多细节，要当背景陪衬时，也有机会可以把细节去除，但重点是，如果录音本来就没有所需的细节，是怎麽样也无法靠录音器材变出来。」



好，讲到这裡，我们大概可以瞭解为何瑞鸣唱片的录音，不仅有很优秀的乐器形体，同时有宽阔的空间感，原来每一项乐器录製时，本身都已经带着大录音棚裡面的空间残响，而李小沛在製作过程中，只是删减过多的残响，拉出音乐的线条感，彷彿画家在修饰画面物件比例一般，既见树又见林。

空壳

数位录音v.s类比录音

参观中央电视台的几个录音室，不难发现这裡的专业器材几乎都是目前最好的，自然在这裡也是走全数位录音。虽然我们有看到很多经典的盘带录音机，但那些器材基本上都已经退休。我问李小沛，他认为数位录音比较好，还是类比录音比较接近原汁原味？李小沛的回答很妙：「社会是要发展的，科技是要发展的，不能抱着古老的技术，就不想往前走。数位录音的技术确实解决了许多的问题，我们只是要尽可能发挥数位录音的优点，同时想办法保留类比录音的好处。」



李小沛谈到类比录音的难题，他说类比录音过程複杂、中间损失多、噪讯比不佳、机械操作困难、成本过高，这些都是早年类比时代存在的问题，必需解决，而解决的办法就是数位录音。李小沛认为现在已经不讨论数位好还是类比好，只问数位录音最后要怎麽保留类比录音最好的部分。譬如类比录音本身就是绝对的正弦波，而数位的方波就算你再怎麽精密的计算，那正弦波的弧线还是有细微的锯齿状。可是现在已经不比较类比好还是数位好，而是要问哪一种数位录音格式比较接近类比，究竟该继续使用CD的PCM还是SACD的DSD，那就是数位手段中的选择了。



器材只是录音时的手段

看着中央电视台的录音室，配备了最新的Prism Sound DSD录音设备，而且瑞鸣的唱片包括了标准CD、XRCD与SACD，本以为这裡会使用DSD录音，但李小沛透露，他们还是使用PCM的格式。李小沛说，在录音工作中不要和自己过不去，用PCM格式录音全世界通行，需要DSD另外再来转，这很实际的考量。

一般走访录音室，很多录音师都会介绍自家的器材，但我发现李小沛对于器材并没有那麽热衷，或者说，器材的使用只是李小沛在录音时的手段，看要达到什麽样的目的，他就会使用怎样的手段。这和李小沛认为「录音是创作！录音是美学！」的观念有关。我问李小沛，究竟什麽时候兴起「录音是艺术」的想法，他说已经记不起清楚的时间点了，不过大约是在电子乐器越来越多加入录音工作时，才发现原来音乐可以做成这个模样。



追求录音创作的整体面貌

李小沛说，其实他也是跟着时间慢慢转变的，也受到市场很多教育，尤其在「发烧」这件事情，受教最多。他想起以前作录音，比较像是生产工作，早期都是跟着製作人或唱片公司的想法，把音色调亮一些、调暗一些，哪裡增加一点、哪裡减少一点，但后来自己的程度越来越进步，慢慢地製作人就不指点哪裡要调整，而是沟通想法。以前总是想尽量满足发烧友的需求，把定位、质感等等做好，但现在已经不一样，李小沛在录音时会从音乐出发，试着把某些关键元素突显出来，把场面做出来，等风貌浮现了，接着就是让发烧友去品味评鑑，听听看这样录音的整体好不好。如此一来，录音师的创作就有整体的面貌，而不是追求很多单一的项目。



李小沛说他现在做有自我审美观的录音，是希望让发烧友听整体，而不是专门看手脚，现在让大家看全身。一开始做录音，只追求音质、音色，后来追求的东西越来越多了，到最后才发现自己所要追求的是更高的目标，而不是跟着发烧友的想法单纯去满足而已，这时候录音师的程度才会向上提升，比发烧友层次更高，也才能进入创作的状态，想着去表现录音师的审美观。这样做录音，完全进入另外一种状态，要有自己的观点、自己的想法，告诉听众你的审美观是什麽。李小沛认为他从製作发烧唱片的过程中学到很多，但实际上也是发烧唱片的製作经验，提升了他的录音水准，想出「录音是创作，录音是艺术」的哲理。

[ 本帖最后由 空壳 于 2009-10-17 22:33 编辑 ]

中庸无为

李小沛和李大康代表两种不同的录音艺术风格，都很棒！[s:20]

空壳

现在李小沛做录音，拿到素材会先问这是录什麽样的音乐，然后思考一下，想想该怎麽表现。李小沛说这很多要靠经验，例如和瑞鸣的合作，唱片内容是传统戏曲，他要先想想这到底是什麽，怎麽表现，每一项乐器加进来之后，都要问这项乐器究竟扮演怎麽样的角色。究竟这项乐器是主奏、背景、旁枝、骨干，搞清楚了，再把收录进来的音乐先行处理，做出一个雏形，然后和製作人讨论，究竟是不是符合乐曲的主旨。



这种创作是固定模式还是变化多端？李小沛说他在每一张唱片裡面，即使是相同类型的音乐，使用的方法也都不尽相同，但李小沛并没有和唱片公司讲，也不多做解释，只把结果呈现出来。譬如丝竹类的乐曲，李小沛说他帮许多唱片公司製作过这类型唱片，但每一张录音个性都不同，有的要表现细节，有的追求质感，有的表达意境，但他都没有多做解释，实际去听就能听出差异。

两声道v.s多声道

在李小沛的录音作品中，几乎都是两声道的录音，我问李小沛，录音的演变有没有可能多声道迎头赶上？答桉也很有趣，李小沛说：「当人们听过多声道的录音，也越来越熟悉之后，答桉就越来越清楚了，这不是天天可以吃的饭。或许偶而听一下很刺激，但天天听或许不太适合。」

此话怎说？李小沛说两声道的录音目标很清楚，就是尽可能透过录音的手段，重现音乐现场的气氛与场景，但是在多声道的录音中，目标就很不确定了，究竟要把音乐营造成包围聆听者，还是让聆听者感觉音乐舞台在前方，乐器相对的位置究竟该怎麽摆，对录音或溷音工作而言都可以做到，但这样做究竟好不好，或是能不能符合聆听者的习惯，没有一个标准。所以最后演变成录音师自己玩，用自己的想像和情境设定，带来不一样的多声道听感，可是交给聆听者评判时，如果不能让大家听习惯，很难让市场接受。讲到这裡，答桉出来了，在两声道的录音中，真实自然已经是准则，加上一些美感还可以接受，但多声道目前还没准则。



我很好奇，李小沛似乎很少参与大型交响乐团的现场录音作品，不过李小沛说，他其实录过很多年现场的交响乐，但他已经放弃不想录了。他认为录交响乐团没有创作，而且过程中费尽了所有录音的手段，还是不如现场，交响乐有太多细节，太难配合了。譬如乐队不是很好、空间不是很好、乐器不是很好，录音师所有的劲都使在这上面，想把乐团的音色平衡起来，但原来的声音就不够好、不够平衡，录音师要想办法把它弄得很好，这哪裡有办法。李小沛表示，国外有很多好的交响乐录音，那些有很棒的场地搭配着第一流的乐团，但这样一来录音师的本领也就派不上什麽用场，选好的麦克风，照教科书的方法摆设起来，录音自然水准就有。「所以问我想不想再去录製交响乐，坦白说，还真不想去做。」李小沛如此说道。



不仅是技术，也是艺术

在北京中央电视台与李小沛对谈，阐述了录音不仅是技术，也是艺术的观念。在北京中央电视台的大录音棚中，耗时费力地收录每一项乐器的演奏细节与空间残响，透过李小沛与叶云川共同的审美观，汇集出瑞鸣唱片的生命力。或许，你现在就可以找一张瑞鸣的唱片，不管是「粉墨是梦」或「伶歌」，试着在自己的音响系统上，体会李小沛的录音艺术。

空壳

终于转贴完了...烧友可以看看

张小亮

李小沛的录音很喜欢。楼上三张碟确实不错。一小时前刚和朋友们欣赏过部分曲目。才回家！还在兴奋状态。[s:6]

[ 本帖最后由 张小亮 于 2009-10-18 03:07 编辑 ]

su7

:victory: :victory:

劲少天下

李小沛[s:20]

昱昱

李小沛录音偶以前也非常喜欢，但和DG公司等优秀录音比，李的录音音响性大于音乐性。但李小沛绝对是国内最优秀的录音师[s:20]

米诺

李小沛的录音还是蛮NB的[s:20]