关于音乐修养

雪舞银河

什么是音乐修养 (转贴)

音乐与人的关系，首先体现为“两个特点”。

第一个特点，是作用最早。人对于音乐的感受能力是与生俱来的。世界上所有民族的母亲都会对她的孩子唱摇篮曲或者催眠曲，就是一个无可辩驳的明证。事实上婴儿在未出娘胎的时候就能够对音乐有不同程度的感知和反应。从这个意义上讲，每个人都具有音乐天赋。除了音乐，婴儿出生以后只要睁开眼睛，还能够直接感受图形（颜色、线条等等）——即美术。而语言和文字毫无疑问都必须经过后天学习，要排在音乐和美术之后了。

第二个特点，是作用最直接。音乐对于人的作用不仅发生最早，而且作用也最直接。语言和文字都属于第二信号系统，要经过理解、联想、转换等一系列心理过程才能作用于人的心灵。只有音乐是直接打动人心，不通过任何的中介，不需要任何的转译。古老的“禅”学有一句口号，叫做“直指人心”，我想，只有音乐也称得上这四个字。从这一特性来说，艺术门类似乎应该这样排队：音乐，美术，文学，其他综合艺术。

音乐对于人的素质成长的作用，可以分为“三个层次”。

第一个层次是智能和心理素质的锻炼。为了叙述的方便，我们从“练琴”说起。

1. 注意力的集中与分配。大家都知道演奏乐器的过程必然是要集中注意力，因而能够得到注意力集中的锻炼。但是演奏乐器时注意力不但要集中，尤其要分配，再简单的乐曲，也有旋律、低音、织体等不同音乐成分，也有音高、节奏、音量、音色、演奏方法等不同因素的配合，更不用说复调性质的多声部乐曲了。只要比较完整地弹奏一首乐曲，就必然已经进行了注意力的集中与分配的心理素质训练。我们知道，能不能合理的、有效的分配注意力，无论从事学术、事业或管理、领导工作，都是一种非常重要的素质和能力，都是非常有用的。

2. 知觉与动作的配合与协调。演奏音乐不是机械的节奏、音高与力度的拼合。演奏音乐靠的是感觉，有音乐的听觉，有手指、手臂以至整个身体动作的感觉，还有内心的节奏感、位置感，以及更高层次的情感、意境等等，良好的音乐演奏是这些不同的知觉与动作的巧妙的、天衣无缝的配合与谐调。这不是单纯的“智力”，也不是单纯的“体力”或“灵敏”，在单纯的阅读或者计算中得不到这样的锻炼，在单纯的体育活动中也得不到这样的锻炼，除了音乐以外，大概只有舞蹈了——但是舞蹈首先离不开音乐，舞蹈的过程首先就是音乐的过程。

3. 空间、时间观念的拓展。音乐是时间艺术，时间是度量音乐的基本尺度之一。再也没有哪一种艺术像音乐那样重视时间上的精妙配合了。雕塑和建筑是现实空间的三维艺术，音乐是虚拟空间（声音的想象空间）的三维艺术：音的节奏运动是横座标，音的音高变化是纵座标，在现实的（非谱面）的音乐中，尤其是在乐器与人声的合奏、合唱中，音的“远近”所造成的效果则构成了第三维——深度的座标。经常置身于音乐中的人，也就是经常置身于精妙的音乐时间“流”和音乐三维空间的人，空间、时间观念很自然地得到加强。而空间、时间观念，在高深的物理、数学、化学、天文学等学科研究中，是一种不可缺少的基本素质。

4. 毅力与耐力的锻炼。大家都知道在练琴的过程中，为了一个技术细节重复练习几十次甚至上百次，是很平常的事。为了将一首乐曲的速度由每分钟120拍提高到124拍，更不知道要花费几小时、几天的功夫。除了体操和芭蕾以外，我真想不出还有什么能使人们得到那么好的毅力和耐力的锻炼。特别值得一提的是音乐在练习（播种）时需要毅力和耐力，演奏（收获）时更加需要毅力和耐力——这样的情形在写作和绘画中是不会有的。音乐给予人是更苛刻的磨练呢，还是更深沉的幸福呢？有谁说得清？但是毅力和耐力——如果把它们说成是一个人在世界上生存和发展的最基本的素质，我想是不过分的。

5. 分辨能力和记忆能力的锻炼。分辨和记忆可以说是人的智力发展的“细胞”——基础能力，在分辨的基础上才能认识，在记忆的基础上才能比较、分析、思考。音乐的各个要素（音高、音强、音色、节奏、速度等等）在音乐进行的过程中呈现出动态的无穷无尽的千姿百态，远远超过语言的描述能力，经过听觉直接作用于人的心灵。指挥家能够听出演奏中的瞬间失误，钢琴家能够感觉到指触间的细微差别，提琴家能够把握住音色上的准确控制，作曲家能够体察到和声里的点滴新意：音乐随时调动着人的反应、锤炼着人的分辨和记忆的能力。音乐感知能力的基础就是音的分辨和记忆；音乐基础课程——听辨、模唱、听写等——更是对于分辨和记忆能力的直接训练。

6. 形象思维与逻辑思维的谐调与发展。举一个简单的例子：有把握地实现背谱演奏，至少要同时用到四种记忆，第一是音乐（声音）的记忆，听觉上的音乐“流”的运动；第二是乐谱（图像）的记忆，一幅幅具有内在联系的图形的转换；第三是手指动作（运动）的记忆，肌肉和关节的运动进入潜意识的记忆，使得在瞬间的“走神”中演奏仍然能够继续；第四是音乐结构（逻辑）的记忆，旋律的重复与变化，和声功能的规律化、程式化的序进，曲式的发展与再现，等等。这四种记忆，既有形象思维，又有逻辑思维，音乐使得这两种思维你中有我，我中有你，水乳交融，浑然一体。这种思维方式，正是二十一世纪的新人最需要的思维方式，也是既往许多大科学家、大政治家和具有综合性巨大成就的人所具有的思维方式。在当今世界，无论从事什么工作，是做技术工作还是研究工作，是做具体工作还是领导工作，要想大有成就，要想脱颖而出，就必须具有这样的思维方式，以开阔的思路，丰富的想象，不循常规的见识和勇气，在必要的环节跳开逻辑思维的束缚，用创造性思维取代复制性思维。音乐在这方面所能起到的作用，没有其他任何艺术形式或学习方式能够替代。

上述第一个层次是最基础的层次，也是自然而然产生作用的层次。

音乐对于人的素质成长的作用的第二个层次是获得音乐知识和技能，提高音乐修养和一般文化、历史修养。音乐的这个方面的功能，自古以来就为人们所称道。古代中国文人把“琴棋书画”作为基本修养，“琴”就是音乐，摆在第一位，可见位置之崇高。历史上西方知识分子普遍重视音乐学习，主要也是出于这个层次的认识。

在这个层次上我们应该注意两点：

1. 音乐在提高审美能力和陶冶情操等方面的作用，音乐对于人的心灵和智慧的净化和升华，必须是、只能是一个潜移默化的过程。音乐对于人的一生可以起到非常重要的作用，而且是不可替代的作用，但是这是长期效益，终身效益，一个“随风潜入夜，润物细无声”的过程，一个“春蚕到死丝方尽”的过程。

2. 音乐对于人的作用，只能是按照音乐所特有的“直指人心”的特点，通过音乐听觉作用于人的心灵而实现。歌词不是音乐，作者简介不是音乐，背景图片和名人语录等等统统不是音乐，绝不能套用文学的欣赏方法，绝不能以这些学习音乐的辅助手段来取代音乐本身。

音乐对于人的素质成长的作用的第三个层次是更深入的、涉及人的创造性和社会性的层次，可以分为三个方面。

第一个方面：关于增强想象力和创造力。

音乐的这个方面的作用完全是由于音乐的本性：由于音乐的非具象性（音乐是声音，看不见摸不着）、非理念性（音乐本身并不传递概念、定义、逻辑、结论之类可以使人“懂”的理念信息）、不确定性（无论欣赏或演奏，无论不同的人或同一个人，永远不会象数学那样具有精确和惟一的秉性），以及“直指人心”（不经过任何的中介和转译）的特性，使得人们在欣赏、表演、学习音乐的过程中，能够拥有最广阔、最自由的想象空间和创造空间，促使想象力和创造力得到最广阔、最自由的发展。

第二个方面，关于丰富人的情感。

人与动物的最本质的区别，不在于直立，不在于智商，而是在于情感。只有人，才有人的情感——“感时花溅泪，恨别鸟惊心”是人类独有的。工业革命时代有人提出“人是机器”，正是反映出那个时代的局限，背离了人的本性。随着新世纪的来临，人的情感对于一个完备的、健康的人的作用，对于一个正常的、持续发展的社会的作用，越来越被学者、官员和公众所认识。音乐是情感的艺术，音乐中包含的情感因素，永远不能被语言所复述，永远不能被其他艺术形式所替代。音乐对于人的情感需求、情感发展方面的独特的、独到的作用，主要还是根源于音乐“直指人心”的本性。因此古代哲人历来重视音乐对于人性的影响。

第三个方面，关于社会组织能力与适应能力。

1. 音乐的合作性——音乐形式中有很多集体合作的项目，例如重唱、合唱、重奏、合奏，除了钢琴等少数乐器有真正意义上的“独奏”（一个人表演）而外，其他乐器的独奏经常需要有另外一件或多件乐器进行“伴奏”。我们只要和美术、文学稍加比较，就很容易理解音乐的合作性。人们参与合作性的音乐活动，不但在组织过程中得到了社会组织能力与适应能力的锻炼，更重要的是能够使人在演奏、演唱音乐即融汇在音乐的过程中体会到个体与整体、个体与个体的协调、均衡的感觉，这是非常独特、非常珍贵的体验，对于人格的成长有着积极的作用。

2. 音乐的交流性——音乐表演是人与人之间的交流活动，即使是“一对一”的教学模式，学生也要面对老师回课，要与老师交流，还要参加比赛，参加演出，直接的对象都是人，目标都是通过音乐与人交流。举个例子说，演奏时“临场发挥”好不好，实质就是一个心理素质问题，人与人协调、适应、交流能力的问题。音乐的这种交流性和美术、文学是很不一样的，对于人的素质成长具有不可替代的良好作用。

3. 音乐的社会性——音乐自产生以来，就具有强烈的社会功能，具有很强的交际性，古今中外，都是如此。人的诞生、成长直到死亡，学习、婚嫁、战争、庆典，几乎所有的重要社会活动都伴随着音乐。因此，人们参加音乐活动，经常就会置身于一定的社会环境，参与一定的社会交往，从而得到多方面的人际关系和社会关系的发展，增进团结协作和社会活动的能力。

这就是音乐对于人的素质成长的作用的第三个层次，应该说这是最重要的层次。如果说第一个层次的作用可以“自然而然”的获得，那第二、第三个层次能不能很好发挥作用则与我们对于音乐和音乐教育的认识，音乐教育的思想和观念、内容和方法，有着密切的关系。当前我国音乐教育在这方面存在的问题不少，很大程度上制约了音乐对于人的素质成长的作用。音乐教育的改革任重道远。

monkeybiz

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好文！

但感觉音乐修养这个叫法是否准确？叫音乐鉴赏力会不会更好？

全利88

很复杂，帮忙给你顶一下。。。。。。。。。。。。。
我从来不迷信。
真正的顶级发烧友，有2个前提：会起码2种或者以上的乐器演奏，有很强的乐理知识；
第二，应该有非常多的现场聆听经历。

所以，我很久来，都不认为我是发烧友，不配。
我们仅仅是喜欢听，喜欢音乐而已。

杨维中

                               表演者心理素质和心态的重要性
                                                                                                                                                张帅
       当今世界的各个舞台上，活跃着很多非常优秀的表演艺术家们，他们正在用几乎完美的艺术形象和独具一格的艺术表演形式，征服着每一位前来观看他们表演的观众。
       当然，要想在舞台上把自己最完美最精湛的表演展现给观众没有过硬的心理素质和成熟的心态显然是不可能的。在那聚光灯闪烁的舞台上，不是每一位表演者都具备有以上所讲的两个条件(过硬的心理素质和成熟的心态)，它需要经过长期不断地培养和演练，逐渐地使自己的心理素质和心态在表演时更加稳定和成熟，最后达到心理素质过硬和心态成熟的效果。
       在我看来，表演者在舞台上心理素质是否过硬，主要表现两个方面。
       一、是否具有较强的心理承受力
       不同的艺术表演者在初始阶段，他的心理承受力是不同的，但它是可以通过不断的培养和演练而改变的。如:
       ⑴多参加不同层次，性质各一的比赛、演出和考试。因为这样能使你不断的积累更多的舞台表演经验，使你能够摸索出一套应对不同表演形式的思路和方法，从而有助于你在以后的舞台表演中显得更加自信，能更好的把你的实力和特点展现出来。
       ⑵不断完善自己的表演技巧和提高自身的专业水平，这也是有效改善自身心理承受能力的条件之一。因为这样可以在表演能力和形式的多样化上都能上一个新的台阶，从而使自己更具竞争力。当然，当你通过自己的努力得到了观众及专家的认可的时候，你在表演过程中就会显得更加自信，从而使自己的心理承受能力不断得到提高。
       二、是否能够克服表演前紧张的心理
       在演出前出现诸如：手抖、总想小便、肚子痛等紧张的心理及生理反应这是非常正常的,这是人们自然的生理规律在起作用。它是随着心理压力的增大而随之出现的。但要把它在演出前克服掉也不是没有可能的。
       首先，表演者要学会自己给自己减压，千万不要自己在演出前定下“只能成功不能失败”之类的死目标，这样会加重你的心理压力，从而影响你在舞台上的发挥其次你也可以和别人谈论一些与演出无关的话题，使自己的心情愉快从而减小自身的心理紧张度，使自己在表演中能把自己的实际水平及最优秀的一面展现出来。以上所述都是有效克服在演出前紧张的心理反映，及影响自身水平发挥的有效方法。
       在我看来，以下几个不同心态的表演者能够说明成熟心态对于一个表演者的重要性。
       一、具有蔑视心态的表演者:这种人一般会把所有的演出、考试、比赛都看得不屑一顾，总是觉得无所谓，这样会使你没有进取心,从而影响你各方面发挥。
       二、过于自信和盲目乐观的表演者:这种人往往会觉得自己的水平够高，没有什么能够上升的空间，从而放弃对自己表演能力、技巧和专业水平更进一步提高的要求,使之导致自己的准备不充分,影响自己在表演、比赛、考试时的发挥,给自己留下一个惨痛的教训,我认为这是得不偿失的。
       三、总是想到技不如人的表演者:这种人往往总是在想自己还有哪些地方不足,总是想把所有问题都搞清楚,这类人在表演时往往没有较强的自信心，在演出时，心中无底，从而影响自己的发挥。
       四、总是想超过所有人的表演者。这种表演者在长时间内都无法达到他认为理想的结果，那么他很可能由于超之过急而使自己的心态失衡了，从而导致自己手脚无措影响自己在表演过程中的发挥。
       综合以上所述这四种不同心态的表演者,已经能够说明一个平和成熟的心态对一个表演者的重要性。
       我希望这篇文章能够有助于正在向表演艺术家迈进的表演者们有一定的帮助，使你们能够在以后的表演中像真正的表演艺术家们那样在表演中有过硬的心理素质和成熟的心态。

杨维中

                    器乐演奏美学点滴
                                     林克仁
                   一、演奏者的气质
    （1）演奏者的气质应当是：巧手抚摸乐器，音韵妙合曲情，境界达于无限。
     (2）演奏音乐有心知而手到者，有心知而手不到者，有不知而手到者，亦有心小知而手不到者。其一为全才，其二为偏才，其三为庸才，其末为不才，即无趣乏味者也，故自幼须学乐，以活心性，达事理，通人际。世称童子功是也。
    (3)教乐须有济世之志，练乐须有坚韧之心，上台须有帝正气象，下台须有谦恭之姿。
    (4)善乐者出于便意趣盎然，如见嬉戏稚童，彰见生命之活力：不善乐者发音便觉死气沉沉，如望阴脸老妪，令人一瞥尘厌。善乐者音如金石，不善乐者音如瓦釜。
   （5）乐器如肺，弦如声带，手如气息，一双妙手是演奏的动力所在。动力若无心、灵相系，则如机械运动；动力若与心灵相应，则有灵性的闪光。
   （6）做人耍诚实，奏乐须圆活。
   （7）豪爽傲物之人，其出音多粗犷甚少韵致：心性谨弱之人，其出音多迟滞乏力，其少神逸。
    (8)  “功夫在诗外”。起于演奏止于演奏则活，起于演奏广于百学则通。
                      二、演奏的审美
    (1)鉴赏音乐的最大秘诀是用心听音乐。
    (2)乐音，须有山之挺拔，水之流动，松之苍劲，竹之坚致，梅之俏丽，草之柔韧……山川景观，悉在其中，方为乐音之极致也。
    (3)音直则不飘逸，  音飘则不淳厚，音厚则不俊俏，音俏则不挺拔，  音挺则不柔韧。唯有调动上述各种美音为我所用者，才是一个成熟的演奏者。
    (4）浑厚之音如浓墨点敷，微妙之音如淡墨轻掠，藕断丝连之音若即若离，顿性之音如横笔转折，书如行云， 音如流水，各具幻化之妙。人云：  书法如音乐，盖不诬也。
   （5）演奏音乐犹如用娓娓动听的语言与人促膝谈心。真诚的人格是奏乐的前提，刻苦是奏乐的捷径。音符、休止符、节奏、力度记号……无不在演奏者的指下跳动，被赋予生命的活力与人格的魅力。
   （6）奏乐须先立意，意在曲先，  立意则传种，入韵，有味，轻音柔，强音刚，轻重悠然，刚柔相济。轻音悠远，强音贴近，远者艨胧，近者朗朗。抑扬如波，顿挫如骨，抑扬顿挫，骨肉停匀。轻重得体，环环相扣，徐而不拖，疚而不赶，肢体放松，气贯顶足，外松内紧，大气凛然。曲有说唱，乐有收放，说说唱唱，收放自如。
    (7)疏密出节奏，浓淡生对比，疏密浓淡，不可或缺。
    (8)抑扬则低迥、高扬；顿挫则停顿、挫折；轻重则力度变化：徐疾则徐缓、疾速，抑扬顿挫、轻重徐疾，八字概括曲调、节奏、力度、速度之和，悉为奏乐之道也。
    (9)音乐是无形的建筑，无影的书，无言的诗，无字义的圣经。
    (l0)奏乐如吟诗，抑扬顿挫，潇洒飘逸，任何拘蔗与呆板都会相形见拙。
   （11）奏乐如画，旋律如线条，节奏如敷彩，强弱如浓淡，刚柔如枯湿，音韵入画，如影随形。
    (12)王羲之《笔阵图》云：“为一字，数体俱入，若作—纸之书，须字字意别，勿使相同。”义：《兰亭序》中“之”字笔笔不同。故艺之要决在于避同求异，犹如人之眼神，目视万物，时时不一。奏乐亦然—音既出，即求变，首音相连，妙变其间，即使演奏音阶，亦须与稳定中力求其变，奏时心中快乐怡然，其妙无穷。若音相似，千人一面，形如算盘子，则艺之大忌也。
    (13)天地情怀，云水烟雨，心源活水，随我血脉运行，我的音乐奔向无限大的空间，奔向心灵的深处。
    (14)音止而意不止，无声则胜有声，音出而不乍出，其声自然含情。   
   （15）曲速则势壮，曲缓则意精，以势壮引发激情，以精细倾诉衷肠。所谓气势如虹，中有妙音，反差愈大，感人愈烈是也。
    (16)音乐是海洋，律动的音波筑起层层声浪环绕着您，犹如心的孤舟洋溢在声波中循环往复；音乐是大山，嶙峋的山石交错起跌宕山峰雄视着您，犹如思的远行穿巡于山间探幽揽胜。音乐是世界，人间百态万物均可入乐。   
   （17)玩乐器于股掌间，如杂技艺人手抛五棒而神态自若：使奏乐于轻松状态，如四两秤砣压千斤而随意调适。技不到则人怯，艺不到则人木，神不到则人顿失光彩。
    (18)从来的大画家当以意笔取胜，公认的大音乐家则以意境见长，以意入乐则畅，以物入乐则俗。鸟鸣、马叫入乐虽有趣，终不若畅情达意更见功。
    (19）现代人演奏音乐多喜繁浓瑰丽之响，不爱轻悠淡远之音。古人则不然。彼时崇尚简淡悠远的淡泊情趣，弃尽繁缛，归于真朴。
    (20)好曲须环环紧扣，音音珠玑，宽可走马，密不容针，大气凛然，精妙入微，于净利索，刚柔一体。
  （21)奏乐三要：一要听众感受音乐的气氛，二要听众进入音乐的意境，三要听众理解音乐的奥妙。
   (22)听琴萧如临世外天籁，听二胡阅尽人间悲欢，听琵琶涌现过眼烟云，听鼓点激起胸中豪情。

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全利88

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呵呵，楼上的更专业，不错。。。。。。。
所以说，同一个曲目，不同的乐队，总会有不同的感受。。。。。。。

雪舞银河

我希望这篇文章能够有助于正在向表演艺术家迈进的表演者们有一定的帮助，使你们能够在以后的表演中像真正的表演艺术家们那样在表演中有过硬的心理素质和成熟的心态。

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全利88

就音乐而言，现场第一，监听次之。。。。。。。。。
说实在的，我个人认为，所谓的名器，就是用不同的方式，
用一种”劣化了“的声音，来讨好我们的耳朵。

杨维中

                          趣话钢琴弹奏法
                                 巩成国

       据音乐史料记载，18世纪以前弹奏古钢琴的方法，只用左手的三个指和右手的三个指，大指和小指都不用，只是自然地垂在上面。如果用了大指和小指，不仅认为方法不正确，而且还犯了大忌。
      音乐之父巴赫是第一个将大指和小指解放出来的演奏家，他的演奏方法，手指几乎不离开键盘，用细微的轻松的动作来弹奏。贝多芬不仅是以为古典乐派和浪漫乐派之间承上启下的伟大作曲家，而且他还是一个著名的钢琴演奏家。贝多芬是第一个高抬手臂弹奏钢琴的演奏家，他击键的力度之强，几乎从头到尾都在砸键盘。贝多芬不仅丰富了钢琴的表现力，也开创了钢琴演奏的先河。
　　  拉弦乐器有“独弦操”之说，钢琴也有单手演奏家。法国著名的作曲家拉威尔，曾创作过一部著名的《D大调左手钢琴协奏曲》，该曲是为在战场上失去右臂的钢琴家而作。被誉为“练习曲之王”的作曲家车尔尼，曾编写过一部《左手钢琴练习曲》，目的是发展训练左手而用。
     德国钢琴教育家，作曲家拜厄，他编写的钢琴教科书——《钢琴基本教程》闻名世界。在初学阶段只用单手弹奏，为了增加学习的兴趣和避免单调，教师用双手加以伴奏，故称之为“三手练习”。小汤普森的入门钢琴教材，也采用这种方法。
　　 莫扎特和海顿曾经开了一个玩笑。据说莫扎特写过一首钢琴小品让海顿来弹，海顿弹了一会停下说：“两只手已弹到钢琴的两端，而我又要在钢琴中间奏出一个音，这是不可能的”。莫扎特笑着坐到钢琴前弹了起来，当弹到海顿停下来的地方时，他用鼻子弹出了钢琴中间的这个音。
　　 在钢琴发展三百年的历史中，记载了大量的佳话、趣话、佚话、史话，从中加深了对钢琴的了解，既增长了知识也受到启发。
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静听禅声

不想成为演奏家的就不能看吗！[s:14]

monkeybiz

原帖由 静听禅声 于 2009-5-29 15:57 发表
不想成为演奏家的就不能看吗！[s:14]

非常喜欢静听的新头像！[s:20] [s:20] [s:20]

静听禅声

原帖由 monkeybiz 于 2009-5-29 16:02 发表


非常喜欢静听的新头像！[s:20] [s:20] [s:20]

我昨天换了无计其数，自己看的还是一枚大铜钱啊！难道monkeybiz兄看见了我的新头像了吗？

monkeybiz

原帖由 静听禅声 于 2009-5-29 16:11 发表


我昨天换了无计其数，自己看的还是一枚大铜钱啊！难道monkeybiz兄看见了我的新头像了吗？

是啊，好大的星星啊！漂亮

静听禅声

我自己看不见新头像，困惑了！:Q

QY123

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