走马西欧十一国

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艺术啊

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镇馆三宝之二萨莫特拉斯的胜利女神（Winged Victory of Samothrace）也称为胜利女神之翼，是前3世纪古希腊的胜利女神大理石雕塑，目前收藏在法国的卢浮宫，也是世界上最著名的雕塑之一。
胜利女神雕像，在德农馆二楼，达鲁楼梯的平台。约公元前190年，于爱琴海中的萨摩塔斯岛中被挖掘出来。

资料：女神的形象表现出古典希腊女性的典型特征：椭圆的脸，笔直的鼻梁,丰满的前额，稍翘的嘴角，润滑的下巴。神情端庄、娴静、凝重，体形修长，左腿微曲，显露了曲线的起伏节奏。她丰满而圣洁，柔媚而单纯，优雅而高贵，充溢着青春与生命的意趣，这是灵与肉的完美统一，是爱与美的和谐圆融，是神与人的自然合一，构成了人体美的宇宙，是人类追求女性美的理想化标志。
法国雕塑大师罗丹赞叹说：“ 这简直是真的肌肉，抚摸她可以感到体温的” ！

资料：胜利女神的头和手臂都已丢失，但仍被认为是古希腊雕塑的杰作，不论从哪个角度，观赏者都能看到和感受到胜利女神展翅欲飞的雄姿。她上身略向前倾，那健壮丰腴、姿态优美的身躯，高高飞扬的雄健而硕大的羽翼，都充分体现出了胜利者的雄姿和欢乎凯旋的激情。海风似乎正从她的正面吹过来，薄薄的衣衫隐隐显露出女神那丰满而富有弹性的身躯，衣裙的质感和衣褶纹路的雕刻令人叹为观止。向后飘扬的衣角和展开的双翅构成了极其流畅的线条，腿和双翼的波浪线则构成一个钝角三角形，加强了前进的态势。
轶事：
尼克,拉丁字母转写Nike,是希腊神话中的胜利女神，她在罗马神话中对应的是维多利亚（Victoria）。耐克（尼克）（Nike）的设计师杰夫·约翰逊（Jeff Johnson）在1971年为新产品起名字的时候想到了这个代表胜利的女神，从此诞生了一个著名的体育品牌。

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原帖由 tian021 于 2009-5-21 00:34 发表
艺术啊

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价值连城的宝物

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藏画

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记得在凡尔赛宫也有一张吗？
路易。达维德的“拿破仑一世在巴黎圣母院加冕大典”，颜色稍有点不同
　油画，１８０６～１８０１年，原作６１０×９３１厘米，巴黎卢浮宫藏


　　在１９世纪初，大卫受皇帝之托，画出包括加冕在内的当代大事。他受鲁本斯的影响，从他的作品可得到普遍的证明，这构成了大卫艺术确立时的基石。在巨大构图中的这个部份图中充分发挥了大卫在肖像方面的才华，右侧人物的头部令人想起他年轻时对于古典罗马雕刻的热情。这幅巨幅的油画，反映了１８０４年１２月２日拿破仑在巴黎圣母院举行加冕仪式的盛况。作品宏大的构图，众多的人物以及华丽的服饰和辉煌的色彩，体现了新古典主义美术的典型特征。这是法国著名画家大卫（１７４８—１８２５）的一幅著名写实油画。画家用了两年时间（１８０５～１８０７）才完成这幅画。

创作背景　　１７９４年７月２７日，大资产阶级发动了热月政变，对雅各宾党人进行残酷镇压，罗伯斯庇尔被送上断头台，大卫遭受到牢狱之苦，出狱后一度意志消沉。拿破仑雾月政变后，聘请大卫为宫廷首席画师，使他的精神再次次振作起来。创作了一系列为拿破仑歌功颂德的作品。《加冕式》即是其中的一幅巨制。这幅画记录了１８０４年１２月２日拿破仑在巴黎圣母院称帝加冕的仪式。大卫将这一历史场面不加任何虚饰地描绘出来，成为不朽之作。这幅图是画中的一部分，身披红城披风，已经戴上皇冠的拿破仑，正托起皇后的王冠，给跪在主教坛前的约瑟芬加冕。教皇庇护七世坐在拿破仑身后，参加加冕式的大臣、将军、官员、红衣主教和各国使节都按真实的场面画出，画中共有近百人的肖像，许多人都被请到画室作过模特儿。这幅画气魄宏伟，构思精巧，描绘严谨，是欧洲绘画史上仅见的作品之一。


　　热月政变后，法国新建的督政府并未巩固，王党的复辟活动便乘机猖獗起来。加上欧洲已建立的反法联盟，严重地威胁着法国。此时，国内的人民运动又高涨起来。法国资产阶级政权急需一个新的领袖来巩固他们已获取的革命成果，这个人不仅能抵御外国的干涉，还能防止国内人民日益高涨的民主运动。在这种情势下，拿破仑·波拿巴是巴黎大资产阶级赖以稳固他们的既得利益的最合适的人选了。拿破仑既是法国资产阶级革命时期的伟大政治家，又是野心勃勃的军事独裁者。他所建立的法兰西帝国，导致法国大革命的最终失败，但在防御外敌，加强法国实力方面，他又是一个英明的开拓者。拿破仑这一系列政治策略的成功，得益于他的“锦囊妙计”，那就是他“穿上了古代罗马的服装”、“讲着罗马的语言来实现当代的任务”，实现罗马时代一些帝王所惯用的对外扩张的军事路线。画家达维特所崇尚的古典主义艺术，也是以古罗马风尚为范例，采用古罗马的历史题材以宣扬“当代的任务”，这在画家前期的作品上尤为明显。所以拿破仑在巩固自己的帝国政权之后，仍然重视这位画家的艺术才能，授予他以宫廷首席画家的称号，让他和维旺·德隆共同来掌管美术事业。从此，达维特再度从徘徊与彷徨之中振作起来，以新的热情为拿破仑的政权宣传效劳，并倾注了他全部的艺术心血。这幅《拿破仑一世加冕大典》正是这个时期奉命而作的一幅巨制(见全图、中段与局部图版三幅)。

艺术特色　　《拿破仑一世加冕大典》(以下简称《加冕》)是画家忠实记录1804年12月2日在巴黎圣母院隆重举行的国王加冕仪式的一幅油画杰作。为了巩固帝位，这位皇帝极其傲慢地让罗马教皇庇护七世亲自来巴黎为他加冕，目的是借教皇在宗教上的巨大号召力，让法国人民以至欧洲人民承认他的“合法地位”。在加冕时，拿破仑拒绝跪在教皇前让庇护七世加冕。而是把皇冠夺过来自己戴上。达维特为避免这一事实，煞费苦心地选用皇帝给皇后加冕的后半截场面。这样，既在画面上突出了拿破仑的中心位置(拿破仑站起来给皇后加冕)，又没有使教皇难堪。身穿紫红丝绒与华丽锦绣披风的拿破仑，已经戴上了皇冠，他的双手正捧着小皇冠，准备往跪在他面前的皇后约瑟芬的头上戴去。约瑟芬身后的紫红丝绒大披风由两个贵族妇女提着。在拿破仑的背后坐着那位穿镶红边白色法衣的臃肿的教皇，他双手搁在胸前，低头默认这一情景。整个气势十分庄严，人物多达百人，每个人物形象以精确的肖像来描绘，这里有宫廷权贵、大臣、将军、官员、贵妇、红衣主教与各国使节。构图之宏大，场面之壮观，为画家以前的任何作品所没有的。达维特尽心竭力要画好这一幅鸿篇巨制，他找人帮他制作了一座模仿“加冕”全景的木偶模型盘，以便按照总体构思进行画面光线的调整。许多人被画家请到画室里来作模特儿。这幅画不愧是达维特一生的精心之作，它充分发挥了画家的素描造型与色彩写生的卓越才能：出场人物个个肖似，色彩服从整体构思，金光闪烁，富丽堂皇，表现了人物衣着与殿内环境的强烈质感。古典主义绘画的严正性达到如此境地，这在画家中可谓无以复加了。达维特对拿破仑的歌功颂德，也已达到了他的顶点，不能不为后世诟病。


　　１８１０年，达维特又完成了与《加冕》同样宏大的《练兵场上的发旗典礼》（简称《授旗式》），也是歌颂拿破仑功绩的历史性名作。但《授旗式》的宫廷色彩过于浓厚，总不如《加冕》一画来得感人。作为政治活动家与画家的达维特，他的确存在着不可避免的历史局限性，但他的艺术却也最鲜明地反映了他那个时代的历程。他的《荷拉斯兄弟的宣誓》《布鲁特》《马拉之死》《网球厅宣誓》和这一幅历史画，是法国近代革命史的真实写照，而这一系列艺术创造是用一种新古典主义艺术原则来完成的，它对于法国以至欧洲１９世纪的艺术有着重大的影响。同时代的法国作家司汤达说得好：“达维特的艺术是严肃的、雄伟的，有激动人心的感染力。因为它包含着生活的真理，因为它跳动着时代的脉搏，还因为它反映了艺术家真诚的信仰和激情，所以能唤起观众。”不妨说，达维特的艺术气质是与法国中小资产阶级在大革命时期表现出来的锐气密切相关的，它是启蒙学派的“理想王国”的理想在艺术上的表现。１８１４年，拿破仑帝国崩溃，波旁王朝复辟，画家因曾在１７９３年在国民议会投票赞成判处路易十六绞刑，而被流放到比利时（当时有人建议把他放逐到罗马，复辟政府认为他是危险人物，未同意）。尽管他已成了被贬谪的政治流亡人物，但布鲁塞尔仍热情地欢迎他。在那里他给人画了若干优秀的肖像画。作为艺术家，他在欧洲文艺界有深广的影响。１８２５年１２月２９日，达维特病逝在异乡，人们为了纪念这位一代艺术风流，在他的墓碑上铭刻了“法兰西近代画派的复兴者”几个大字，以表彰他的光辉艺术的一生。此画作于１８０６～１８０６年，画面有６１０×９３１厘米，现藏巴黎卢浮宫。

作者　　法国画家雅克·路易·大卫（１７４８年８月３０日－１８２５年１２月９日）是洛可可派大师布雪的远亲，也是法国拿破仑政权的首席官方画家。他是新古典主义的推动者与实践者，更主导当时许多艺术政策的制定，颇具影响力。


　　大卫在法国大革命时期当上代议士，投票赞成处决路易十六，自此，使他成为美术上拥有最大权力的人。他画了很多巨大的宣传画─如《贺拉斯兄弟之誓》《理性的飨宴》等，此外他又着手绘制为革命而牺牲的─《马拉之死》纪念肖像，戴维的妻子因他过于热衷革命而与他离婚，后来一度被捕入狱，经他的妻子及学生多方奔走陈情，才获释放。经此事件后，他们才破镜重圆。１７９８年，他所画的一幅《萨比奴的女人》画里，蕴涵着对妻子的感激，同时也说明了他对古代的憧憬。


　　同年因崇拜拿破仑，而成为他的拥护者，拿破仑也乐于利用他的绘画才华，来为他作宣传。于是画了歌颂英雄事迹的《跨越阿尔卑斯山圣伯纳隘口的拿破仑》，并在１８０５─１８０７年间画了一幅包括百余人的巨画——《拿破仑加冕式》，以及后来的一幅《颁赐军旗的君王》。在滑铁卢战役后，拿破仑的势力瓦解，他逃到比利时的布鲁塞尔，终老该地。

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《大宫女》（The Grand Odalisque）

　　【创作者】让·奥古斯特·多米尼克·安格尔（法国）

　　【创作年代】1814年

　　【类别】画布油画

　　【风格】新古典主义

　　【题材】人体

　　【规格】91×162cm

　　【材质】 布 油彩

　　【存藏处】巴黎 卢浮宫藏
[编辑本段]
作者简介　　让－奥古斯特·多米尼克·安格尔(Jean- Auguste Dominique Ingres，1780－1867)出生于法国的蒙特庞省。17岁，他拜雅克·路易·大卫为师并在其画室学习绘画。大卫很欣赏安格尔，就像后来安格尔欣赏德加一样。这种关系如同维系着两个神秘世界密不可分的绳子一样，这根绳子的一头拴住古典主义的门环，另一头扣着印象主义的把手。
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作品赏析　　安格尔的艺术“清高绝俗，庄严肃穆”，这一切可以通过他的重要作品《大宫女》体现出来。画中，安格尔放弃了很多不必要的细节，使之统一在一片安详静谧的和谐气氛之中，就像是精心计算过一样，每一个“数字”所代表的都是和整体息息相关的极其“危险”的事件，随意改动其中的任何一处，都会使整个画面彻底坍塌。这也似乎验证了古希腊哲学家毕达哥拉斯“数与和谐”的理论，毕氏仰望夜空，都能感觉到星辰的组合像是用数字组成的音乐，他曾说他有很多次真的听到了“诸天音乐”。在这幅画上，比例、色彩像数字一样按一种奇妙的秩序排列着，华丽而不失平和。安格尔早年游学意大利时，也一定通过古希腊的艺术作品感受到了毕达哥拉斯哲学的这种富于神性的美。故意拉长的身体，似乎体现了一种古希腊雕刻的肃穆庄严的美感。艺术并不是盲目地复制现实，而是对倾入全部感情的生活中绽放的精神之花的倾力表达。这是一种美感，不需要任何理由。齐白石说作画“妙在似与不似之间”，在形体脱开世俗的桎梏之后，精神才会完满。这也表现在他的很多绝妙的素描之中。比如他为小提琴演奏家帕格尼尼（Niccolò Paganini）画的一幅肖像，精简而不失气度，摒弃了日常光线在视觉中的假象，把阴影和调子减少到极至，内在的形体和神采才能辉映于方寸之间，如藕塘雨后新荷，不惹半点尘埃。

　　安格尔画的女人体难免令人联想起文艺复兴以来西方的人体画传统，但是有心的读者或许会注意到，画中女子的打扮并不是一个典型的西方人，她包着土耳其头巾，手拿孔雀羽扇，就连衬景的绸缎也散发着异国的光彩。从题目中知道，这画的是奥斯曼帝国的宫女。在西方人的脑海里，妻妾成群的宫女是东方社会原始、落后的标志，同时她们又的确具有神秘的吸引力。不过，安格尔笔下女子的意义还不仅如此。创作这幅画的时候，正值法国在对奥斯曼的战斗中失利，法国人从此深深意识到，曾经占有的伊斯兰领土正在不可抗拒地失去。在这样的情况下观看只有在私密空间才能看到的东方女子的形象就别有一番含义了，它潜藏着一种心理上的欲望和征服。安格尔毫不掩饰，甚至极力夸张女人体感官上的魅力，同时又极其冷静、富有克制力地将它表现出来，恰好为观众的视觉与欲望之间提供了适当的安置。

　　《大宫女》这幅画在巴黎展出时，引起了观众更大的抨击。

　　《大宫女》就严格的古典风格去要求，确实存在很多“越轨”之处，首先，色彩的“音域”受到严重破坏，背景上很强的蓝色和裸体肌肤的黄色，以及人体的明暗和粉红色调极不谐调，其次是前面所说的夸张了的形体，这个女裸体几乎成了变形美的一种试验，它完全背叛了老师的庭训。安格尔的学生杜瓦尔为此曾竭力为他作辩解，他说：“我并不想说，安格尔先生是个浪漫主义者。但我也要肯定，他从来不是当时所理解的那种意义的‘古典主义者’。”安格尔似乎在这幅画上显示了自己在自然面前的独立性，但由于安格尔的美学信念的坚定性，这里的表现反而给人们造成对他的见解的模棱两可性，攻击与批评是在所难免的。从历史的角度去认识，安格尔具有他的探索勇气，尽管他所画的这个人物是有着很大的虚构性。
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艺术背景　　这一幅《大宫女》（这时法国的贵族上层对具有强烈的东方情调的土耳其内宫生活极感兴趣，一些画家为满足贵族这种视觉需要刻意去描绘土耳其闺房的淫艳生活。安格尔先后画过好几幅土耳其宫女的形象。《大宫女》这一画题是为区别他的另一幅油画《宫女》）就是这时期他描绘裸女题材的代表作之一。 这幅画在巴黎展出时，引起了观众更大的抨击。人们说，作为达维特的学生，安格尔走得太远了。他们讽刺说：“安格尔先生画活人，就象几何学家画固体一样。为使其预算好的线条赋予素描以立体感，他什么事都做了！他把人体的各个局部忽而放大，忽而缩小，就象普洛克鲁斯特床上的俘虏（Procrustes; 传说中的古希腊强盗，缚其俘虏于铁床上，如身长过榻则断其足，如不及则强伸之使与榻等）一样随意伸缩。有时他感到沮丧，便不再去加强这种可诅咒的立体感，开始使轮廓完善。这就叫舍本求末，用刀鞘代替宝剑来决斗。” 评论家德·凯拉特里说得较为中肯些，他曾对安格尔的学生说：“他的这位宫女的背部至少多了三节脊椎骨。”然而安格尔的学生、曾为其老师作传记的阿莫里·杜瓦尔说得就更中肯：“他可能是对的，可是这又怎么样呢？也许正因为这段秀长的腰部才使她如此柔和，能一下子慑服住观众。假如她的身体比例绝对地准确，那就很可能不这样诱人了“。

　　这幅《大宫女》就严格的古典风格去要求，确实存在很多“越轨”之处，首先，色彩的“音域”受到严重破坏，背景上很强的蓝色和裸体肌肤的黄色，以及人体的明暗和粉红色调极不谐调，其次是前面所说的夸张了的形体，这个女裸体几乎成了变形美的一种试验，它完全背叛了老师的庭训。安格尔的学生杜瓦尔为此曾竭力为他作辩解，他说：“我并不想说，安格尔先生是个浪漫主义者。但我也要肯定，他从来不是当时所理解的那种意义的‘古典主义者’。”安格尔似乎在这幅画上显示了自己在自然面前的独立性，但由于安格尔的美学信念的坚定性，这里的表现反而给人们造成对他的见解的模棱两可性，攻击与批评是在所难免的。从历史的角度去认识，我们觉得安格尔具有他的探索勇气，尽管他所画的这个人物是有着很大的虚构性。

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《蒙娜麗莎》（義大利語：La Gioconda，法語：La Joconde，英語：Mona Lisa）有時又譯蒙娜麗莎的微笑，但並不合語源。是文藝復興時代畫家李奧納多·達·文西的一幅油畫。這幅畫可以說是世界上最著名的油畫作品，很少有其他作品能像它一樣，被人審查、研究、演繹或是惡搞。它的擁有者法國政府把它保存在巴黎的羅浮宮供公眾欣賞。它是直接畫在白楊木上的，此畫面積不大，長77厘米，寬53厘米。這幅半身肖像油畫描繪的是一位表情內斂的、微帶笑容的女士，她的笑容有時被描寫為「神秘的笑容」。它也是達文西的代表作。

達文西在1502年（義大利文藝復興時期）開始創作《蒙娜麗莎》，並根據瓦薩里（Vasari）的記載，這幅畫耗時4年完成。
在1516年，法國國王弗朗索瓦一世邀請達文西去國王城堡Château d'Amboise附近，一個叫Clos Lucé的地方工作。這幅畫從義大利被帶到了法國，國王花了4000埃居買下了它，並把它保存在楓丹白露宮，直至路易十四時期。
在很長的一段時間裡，人們認為這幅畫在達文西死後曾被人剪裁過，畫的兩邊被切割掉一部分。在《蒙娜麗莎》的早期版本中，畫的兩側有兩個的柱子，而這隻在原稿中出現過。
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畫中人蒙娜麗莎的畫中人是誰今天無法確切考證，藝術史學家曾討論過多種可能性。許多人相信畫中的女士是一位佛羅倫薩富有的絲綢商和政府要員的妻子。這個理論來自於達·芬奇晚年的一句話，他提到過一幅「巨人朱利亞諾·梅迪契委任的一位佛羅倫薩貴婦」的肖像。
達·芬奇的第一位傳記作者說，蒙娜麗莎確有其人，她是一位弗朗西斯科·戴爾·吉奧亢多（Francesco del Giocondo）的夫人。吉奧亢多的確存在過，他是佛羅倫薩的一位富商，他在當地的政治界也是有權有勢的。關於他的夫人麗莎·格拉迪尼（她1479年出生，1495年於吉奧亢多結婚）我們今天幾乎一無所知。事實上沒有任何歷史記錄說明她是梅迪契的情人或達·芬奇的確是指她。
達·芬奇後來還有一句話產生過一些混亂。在這句話中他提到蒙娜麗莎和一幅弗朗西斯科·戴爾·吉奧亢多的肖像。因此有人提出了一個有爭議的理論說蒙娜麗莎是一個男人。
這幅畫的義大利語標題La Gioconda來自達·芬奇1625年的一封信。在這封信中他說這幅作品展示了一位Gioconda的半身像。但在這裡必須註明的是，在義大利語中Gioconda也是「一位寬心的婦人」的意思，並不一定是一個名字。
有人提出了一個建議說蒙娜麗莎其實是一幅自畫像。假如在電腦上把蒙娜麗莎的像與達·芬奇的一幅自畫像重疊到一起的話，兩幅像的面部一模一樣。但批評者認為這個結果只不過是因為兩幅像是同一個畫家用同一種畫風畫而造成的。
還有人提出一個建議說蒙娜麗莎實際上是一位米蘭的大公夫人。達·芬奇為這位夫人做了11年的宮廷畫家。畫中人的深綠色衣服說明她是這個大公家庭裡的一為貴婦人。而蒙娜麗莎與這位大公夫人的其他肖像的相似性是顯而易見的。
有加拿大科學家利用紅外線成像，發現這幅偏暗的畫像曾經經過修改，原本的畫像中蒙娜麗莎是盤髮而非散髮，並且披著孕婦穿的薄紗，可以肯定這幅畫是為了慶祝第二胎的出生。[1]
德國海德堡大學專家證實，達芬奇（Leonardo da Vinci）畫作《蒙娜麗莎》那位微笑女子，的確是佛羅倫薩富商焦孔多的妻子蓋拉爾迪尼（Lisa Gherardini）。他們發現達芬奇朋友亞美利哥（Agostino Vespucci）1503年10月於一本書的書邊上寫明，達芬奇當時在畫3幅畫，其一是蓋拉爾迪尼畫的肖像。[2]
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審美蒙娜麗莎是義大利最早的一幅半身畫像，畫中人物坐著並把交疊的雙手擱在座椅的扶手上，從頭部至腰部完整的呈現出半身形體，一改早期畫像只畫頭部及上半身、在胸部截斷的構圖，為日後的畫家及攝影師樹立新的肖像圖基本架構。
達·文西使用金字塔結構來將畫中的女士簡單而充滿地放置在畫中。她的疊在一起的手構成金字塔前方的角。她的胸部、頸部和面部煥發出與她的手同樣的柔軟的光芒。這些有機部分的光芒的變化顯示出肉體的豐滿和柔潤，包括上述的笑容。西格蒙德·弗洛伊德將這個笑容理解為畫家對他母親的性感的懷念。其他人將它描寫為天真的、誘媚的或甚至於出神的或悲傷的。應該指出的是達·文西當時的肖像畫多半帶有這樣的微笑。
神秘的蒙娜麗莎除了以其微笑著稱，畫中人物的眼神也相當獨特。無論你從正面哪個角度賞畫，都會發現蒙娜麗莎的眼睛直視著你，這使人感到蒙娜麗莎的眼睛彷彿是活的，會隨著觀眾的視角遊走，並對所有觀眾抱以永恆的微笑。
一些學者試著討論為什麼不同的人對這個微笑的感覺不同。這些理論有科學性的，也有的從蒙娜麗莎的實際人物和感覺出發。有人說，蒙娜麗莎的微笑只有在斜眼看的時候才看得出來。還有人認為這個微笑如此捉摸不定因為它利用了人的視覺中的干擾。提出蒙娜麗莎是米蘭公爵夫人的理論的人說，蒙娜麗莎的微笑是如此悲傷因為這位公爵夫人本人的生活很悲傷，因為她的丈夫如此有權勢、是個酒鬼和經常打她。這為公爵夫人自己曾說她是世界上「最不幸的妻子」。
雖然這幅肖像的手法簡單，但人與背景之間的和諧使這幅畫成為歷史上最著名的、分析得最細緻的一幅畫。畫中婦人的頭髮與衣服的曲線與背景中山谷和河流的彎曲相稱。整個畫的和諧性體現了達·文西對人與自然界的聯繫的觀念，使這幅畫成為達·文西的世界觀和他的天才的永久的記錄。
在人的背後，一個遙遠的背景一直延伸在遠處的冰山。只有彎曲的道路和遠處的橋樑顯示著人的存在。模糊的分界線、瀟洒的人物、光亮與黑暗的明顯的對比和一個總體的冷靜的感覺都是達·文西的風格。
蒙娜麗莎是第一幅將人畫在一個想象的背景前的肖像畫。有意思的是後面的風景並不對稱。人左面的風景比右面的明顯低。有的評論家認為這說明左面的部分是後加上去的。
蒙娜麗莎被多次修復。X光探測證明在現存的蒙娜麗莎後面還有三個過去的版本。畫的薄的白楊底板的變形比原來想像的要大，因此博物館的修理員正在考慮怎樣來保持這幅畫的原狀。

john_liu2003

发帖介绍高档手表，和介绍西欧旅游景点，有人说气愤高调；劝架也有人说想获得别人表扬；[s:18]
像有人捐款汶川地震，灾民得到帮助，他本人又获得赞扬肯定，有什么不好？虚荣心得到满足的同时，也有人开了眼界（看这贴没发多少天就有6000多人次浏览，就清楚其是否受欢迎），吵架得到解决，又有何害处？[s:30]
就算有点私心要显摆一下，究竟伤了谁？伤了那些心胸狭隘，想得到别人承认又没能力的；批评别人的你，就没有一点私心？！如果别人也对你没有包容会怎样？[s:30]
心理学上说过，看人不顺眼的本身心理就有问题。
摆好自己的心态，包容点，会活得开心些！[s:20]
我既不是生气，也不针对哪个人（原来想不说的），我是对事不对人的，只是对某种社会现象的劝诫，希望社会与论坛更和谐！[s:20]

martin_wu

原帖由 john_liu2003 于 2009-5-21 16:47 发表
发帖介绍高档手表，和介绍西欧旅游景点，有人说气愤高调；劝架也有人说想获得别人表扬；[s:18]
像有人捐款汶川地震，灾民得到帮助，他本人又获得赞扬肯定，有什么不好？虚荣心得到满足的同时，也有人开了眼界（看这 ...

这世界需要热心肠！:victory:

john_liu2003

原帖由 martin_wu 于 2009-5-21 16:50 发表

这世界需要热心肠！:victory:

谢谢兄弟支持！[s:21] [s:21]